Eines ihrer prägnantesten Projekte ist Rock ’n Old, ein langfristiges fotografisches Vorhaben, das ältere Menschen mit Film- und Bühnenpersönlichkeiten in inszenierten Rollenspielen zusammenbringt, unter anderem für den Jahreskalender eines Berliner Pflegedienstes.

Foto Esther Haase: Vivienne Westwood Berlin Gemäldegalerie 2003

In Rock ’n Old fängt Haases Kamera eine surreale Mischung aus Authentizität und traumhafter Fantasie ein und verwandelt ältere Modelle in Protagonisten spielerischer, gleichzeitig berührender Geschichten. Das soziale Kunstprojekt stand zudem in besonderem Bezug zu Vivienne Westwood, der verstorbenen britischen Modeikone, deren Einfluss auf zeitgenössische Mode und Kultur enorm war.

Foto Esther Haase: Westwood Klasse Editorial Students 05 Berlin 2004

Studierende aus Westwoods Berliner Modeklasse lieferten die Kostüme für die Serie, wodurch die Bilder Vivienne Westwoods unkonventionellen Geist aufnehmen und Esther Haases Engagement für generations- und disziplin-übergreifende Zusammenarbeit unterstreichen.

Foto Esther Haase: Andreas Kronthaler Mailand 2026

Haases Beziehung zu Westwood erstreckte sich über Rock ’n Old hinaus, indem sie die Ikone selbst porträtierte. Westwood, Pionierin des Punk-inspirierten Designs und unermüdliche Verfechterin von Individualität, war ein faszinierendes Subjekt für Haases künstlerische Vision.

Nach Westwoods Tod mit 81 Jahren übernahm ihr langjähriger kreativer Partner und Ehemann, der
österreichische Designer Andreas Kronthaler, nicht nur ihr persönliches und künstlerisches Erbe, sondern auch die Verantwortung, das Modehaus weiterzuführen. Kronthaler, der Westwood zuerst als Professorin in Wien begegnete und später die kreative Kraft hinter Andreas Kronthaler for VivienneWestwood wurde, prägt die Marke weiterhin.
Vor Kurzem wurde Haase vom Festival beauftragt, Kronthaler in Mailand zu fotografieren. Das Shooting war mehr als ein Porträt: Es wurde zu einer Reflexion über Übergang, Verantwortung und Erinnerung. In einer Umgebung, in der die Last der Geschichte auf die Dynamik der zeitgenössischen Mode trifft, spiegeln Haases Fotos Kronthalers enge Verbindung zu Westwoods Leben und Werk sowie seine Vision, ihr Vermächtnis weiterzutragen.

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© Deutscher Fotobuchpreis / Susanne Suttner

Dazu zählen alle in der Schweiz geborenen Personen und dort ansässigen Institutionen – einschließlich der italienisch- und französischsprachigen Regionen. Die Regelung gilt ebenfalls für Luxemburg und Südtirol, sowie für Personen aus den Benelux-Ländern, sofern sie auf Deutsch publizieren oder Deutsch sprechen.

Veröffentlichungszeitraum der Bücher: 15. Juni 2025 bis 14. Juni 2026.

Mit dem Wettbewerb-Bundle kannst man bei der Einreichung direkt mehrere Fotobücher aufstellen.

Für Akteure der Fototheorie, Medien- und Bildwissenschaft

Der Deutsche Fotobuchpreis wendet sich nicht nur an alle, die Fotobücher machen, herausgeben oder sich mit Fotografie beschäftigen, sondern auch an diejenigen, die theoretisch über fotografische Bilder nachdenken und schreiben.

Dafür gibt es die Kategorie „Textband Fototheorie und Essayistik“, die Autor*innen, Herausgeber*innen, Verlage usw. auffordert, ihre fototheoretischen, fotohistorischen, fotophilosophischen Publikationen einzureichen – also Veröffentlichungen über fotografische Phänomene, über fotografische Bilder, über Fotografie usw.

© Deutscher Fotobuchpreis / Susanne Suttner

Für Studierende und Absolventen

In den Kategorien „Studentisches Projekt“ und „Fotografische Abschlussarbeit“ geht es um Einreichungen direkt aus den Hochschulen, Akademien und Ausbildungsinstitutionen. Auch hier gilt von praktisch bis theoretisch. Von Bild bis Text.

Für Self-Publisher, Independent Publisher und Kunstbuchschaffende

Insbesondere unabhängige Verlage und „Kleinstauflagen“ sind aufgefordert, mitzumachen, ihre Titel einzureichen und der Jury zu präsentieren. Dafür gibt es die Kategorie „Bildband Self-Publishing / Independent-Verlage / Handgemachtes Künstler*innenbuch“.

Damit sind Bildbände gemeint, die im Eigenverlag oder ohne Verlag, oder in einem unabhängigen Verlag (sog. „Independent-Verlag“) in einer kleinen Auflage entstanden sind und ggf. selbst hergestellt wurden. Selbstverständlich kann jeder Titel, der im Self-Publishing produziert wurde auch in allen anderen Kategorien eingereicht werden.

Laura Ettel (Künstlerin und Kuratorin »Leica Galerie Wien«)

Dr. Katharina Günther (Goldpreisträgerin »Fototheorie und Essayistik« 2023. Kuratorin am Zentrum für verfolgte Künste in Solingen)

Hans-Michael Koetzle (Autor, Journalist und Publizist, München)

Uta Kopp (Frei schaffende Buchgestalterin, Köln)

Prof*in. Lotte Reimann (Lehrstuhl »Fotografie und Identität«, Hochschule München)

Prof. Dr. Bernd Stiegler (Professor für neuere deutsche Literatur mit Schwerpunkt 20. Jahrhundert im medialen Kontext an der Universität Konstanz)

Die Nominierten werden im Rahmen der Frankfurter Buchmesse vom 7. bis 11. Oktober 2026 präsentiert. Die Preisverleihung wird voraussichtlich am Samstag, 21. November 2026 in Regensburg stattfinden.

Anschließend gehen alle ausgezeichneten Buchtitel auf eine Ausstellungstournee durch Deutschland, Europa und Asien und werden unter anderem auf Buchwochen, Messen, Festivals und in Bibliotheken einem internationalen Publikum präsentiert.

Näheres zu Teilnahmeformularen und Teilnahmebedingungen

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Foto Martin Parr

Wer schon einmal in den letzten Jahren beim Festival La Gacilly-Baden war, der wird auch 2026 darauf fiebern ins österreichische Baden bei Wien zu fahren und Fotografie in all ihren interessanten und abwechslungsreichen Facetten zu genießen und das nicht hinter Museumsmauern, sondern in einer gigantischen Open-Air-Galerie auf rund 7 km Länge.  2026 erwarten die Besucher 30 fantastische Ausstellungen mit rund 1.500 Bildern. Das Festival steht in diesem Jahr unter dem Motto „So British!“ und ist dem Gedenken an Jane Goodall und Martin Parr gewidmet!

Foto Richard Ladkani

Die Fotoflut  in den Parks und Gärten und der Altstadt von Baden verwandelt die Stadt schon zum neunten Mal für vier Monate in eine Bilder–Stadt. Bei freiem Eintritt kann man die Ausstellungen, 7 Tage die Woche, von 0 – 24 Uhr genießen. Auf die Frage wie es zu der Wahl des diesjährigen Mottos kam, antwortet Lois Lammerhuber, Fotograf, Verleger, Kurator, Ausstellungsmacher, Umweltschützer,  Festivalveranstalter, „was hatten wir bisher noch nicht gemacht“ und so war die Idee geboren britische Fotografie und britische Fotografen zu zeigen. Dabei soll ebenso die Exzentrik der Inselbevölkerung im Blick stehen als auch der Mut zur kritischen Sicht auf das Land.

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Tokyo Colours by night XX (c) NISCHKE

Die Technik der Handkolorierung entstand kurz nach der Erfindung der chem. Fotografie (1826 – die 1. Heliographie vor 200 Jahren in Frankreich), wurde jedoch in Japan erst ab den 1860er-Jahren wirklich relevant und mit dem Aufkommen echter Farbverfahren ab zirka 1910 nach und nach verdrängt.

Tokyo Colours vibes II (c) NISCHKE

Die klassische Handkolorierung von schwarzweißen Fotografien fand damals – in luxuriösen Souvenir-Alben verpackt – viele Liebhaber. Die Motive spiegelten oft ein idealisiertes Bild des „alten Japan“ wider. Landschaften und berühmte Orte, Szenen des täglichen Lebens sowie bekannte Bauwerke und Tempel waren sehr beliebt.

Tokyo Tower vibes by night II (c) NISCHKE

Graves of the martyrs Nikko (c) NISCHKE

Heute nutzt Michael Nischke diese besondere Kombination aus fotografischer Genauigkeit und malerischer Interpretation für seine auf vielen Reisen in Japan in den Jahren 2019 bis 2025 entstandenen Motive. Dabei setzt er transparente Wasserfarben (Lasuren) ein und erzeugt so eine Art Holzschnitt-Ästhetik (Ukiyo-e). Das Besondere: Seine aktuelle Motivauswahl, die einen vielfältigen Einblick in das Leben und die Kultur Japans bietet. Die Verwendung von speziellem Papier mit einer silbrig-glänzenden Beschichtung verleiht den Farben zudem eine einmalige Transparenz und Leichtigkeit. So entstehen mit dieser traditionelle Technik einmalige, magische Unikate: Jedes Bild ist unverwechselbar.

Kanazawa Kenrokuen Garden O-Hanami II (c) NISCHKE

Daneben nutzt Michael Nischke den Pigmentdruck auf Aluminium für einzelne, ausgewählte und ebenfalls handkolorierte Motive, die als Editionen aufgelegt sind. Schließlich runden klassische Schwarzweiß- Fotografien die sehr umfangreiche, vielfältige Ausstellung von Naturszenen und urbanen Motiven aus Japan ab.

Tokyo Colours vibes by night (c) NISCHKE

Der Titel der Ausstellung – YELLOW LINE (KIIROI SEN) entstammt einer sich ständig wiederholenden Ansagein den JR Bahnhöfen von Tokyo, die vollständig heißt: „Please stand behind the yellow line“. Dieser Satz hat sich bei Michael Nischke so sehr in sein Gedächtnis gedrängt, dass er sogar nachts davon im Traum verfolgt wurde. Diese Anweisung und die dazugehörige gelbe Linie sind extrem typisch für Japan.

Shiodome II JC (c) NISCHKE

Tatsächlich gilt Japan als Pionier dieses Sicherheitssystems. Die gelben, texturierten Linien (offiziell Tenji Blocks oder taktile Leitsysteme genannt) wurden 1965 in Japan von Seiichi Miyake erfunden. Er wollte damit seinem sehbehinderten Freund helfen, sich sicher an Bahnsteigen und auf Straßen zu bewegen. Japan war das erste Land, das diese Markierungen flächendeckend installierte. Dort ist es ein fester kultureller Standard, sich strikt an diese Linien zu halten. Was im symbolischen Sinne so auch für alle anderen gesellschaftlichen Linien gilt, die in diesem Land das Zusammenleben regeln.

Galerie arToxin
Kirchenstraße 23
München

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Foto Martin Parr

Seit 1980 haben zahlreiche Modehäuser und Modemagazine Interesse am Stil des Künstlers Martin Parr gezeigt. Anstatt Mode als glamouröses, perfektes Ideal darzustellen, zeigt Parr sie in realen, oft überraschend banalen Kontexten. Seine Fotografien wirken spontan und ungestellt. Models erscheinen nicht als entrückte Ikonen, sondern als Teil einer lebendigen, manchmal chaotischen Umgebung – sei es an Stränden, auf Straßen oder in touristischen Hotspots. Dadurch entsteht ein spannender Kontrast zwischen der künstlichen Welt der Mode und der Unmittelbarkeit des Alltags. Jedes Bild wird zur Feier von Vielfalt und Vitalität.

Foto Martin Parr

Ein zentrales Merkmal von „Fashion Faux Parr“ ist Parrs unverkennbarer Einsatz von kräftigen Farben, direktem Blitzlicht und ungewöhnlichen Perspektiven. Diese Stilmittel verleihen den Bildern eine gewisse Überzeichnung. Mode wird nicht nur präsentiert, sondern gleichzeitig hinterfragt: Was bedeutet Stil in einer Welt des Massenkonsums? Wie beeinflussen Trends unser Verhalten und unsere Wahrnehmung von Schönheit? Darüber hinaus thematisiert Parr auch soziale Unterschiede und kulturelle Eigenheiten. Kleidung wird in seinen Bildern zum Ausdruck von Identität, Status und Zugehörigkeit – aber auch zum Spiegel von Absurditäten und Widersprüchen unserer Konsumgesellschaft. Seine Arbeiten regen dazu an, Mode nicht nur als ästhetisches Phänomen zu betrachten, sondern auch als gesellschaftliches und kulturelles Statement, ebenso unterhaltsam wie nachdenklich.

Foto Martin Parr

Martin Parr war ein britischer Dokumentarfotograf, Fotojournalist und Sammler, mit einem unverkennbaren fast anthropologischen Blick auf Alltagssituationen. Als ehemaliger Präsident der Fotografenagentur Magnum hat sich Parr durch seine einzigartige Art, die Gesellschaft festzuhalten, einen Ehrenplatz in der Geschichte der Fotografie verdient.

Martin Parr war ein guter Freund des Festivals in Baden, das ihn 2024 mit einem „Lifetime Achievement Award“ und einer großen Retrospektive seines Schaffens für sein Lebenswerk würdigte.

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Zu den bestätigten Marken zählen unter anderem Canon, Sony, Nikon, Fujifilm, OM SYSTEM, Leica, Panasonic, Tamron, Voigtländer und Saal Digital. Gezeigt werden aktuelle Kameras, Objektive, Drohnen sowie Lösungen für Audio, Licht, KI-gestützte Anwendungen, Printing und Content Creation.

Ein umfangreiches Lehr- und Unterhaltungsprogram macht die Imaging World zu einem echten Erlebnis. Fotoimpression aus dem Vorjahr.
© Florian Zenk/Ringfoto

Auf einer Ausstellungsfläche von mehr als 12.000 Quadratmetern kombiniert die Imaging World Messebereiche mit Praxisstationen, Live-Shootings und Mitmachaktionen. Besucher erhalten die Möglichkeit, Produkte direkt auszuprobieren und aktuelle Technologien unter realen Bedingungen zu testen.

Ein Schwerpunkt der Imaging world liegt auf dem Weiterbildungsangebot. Mehr als 60 Workshops, Seminare, Fotowalks und Masterclasses werden angeboten.
© Florian Zenk/Ringfoto

Ein Schwerpunkt liegt auf dem Weiterbildungsangebot. Mehr als 60 Workshops, Seminare, Fotowalks und Masterclasses befassen sich mit Themen wie Porträt- und Studiofotografie, Lichtführung, Videoproduktion, Social Media, KI-gestützter Bildbearbeitung und Content-Produktion. Das Programm richtet sich sowohl an Einsteiger als auch an erfahrene Anwender.

Impressionen von der Imaging World 2025
© Florian Zenk/Ringfoto

Ergänzt wird das Angebot durch ein Bühnenprogramm mit Vorträgen, Interviews und Diskussionsrunden. Als Referierende angekündigt sind unter anderem Martin Krolop, Pavel Kaplun, Dennis Weißmantel, Thomas Adorff sowie Aneta und Dirk Bleyer.

Technik zum Anfassen: präsentiert auf dem Epson >Messestand 2025.
© Florian Zenk/Ringfoto.

Neben den Technik- und Weiterbildungsthemen setzt die Imaging World auch auf fotografische Erlebnisformate. Geplant ist eine Australien-Multivisionsshow mit Bild- und Videoinhalten aus dem Kontinent. Darüber hinaus bietet ein Fotowettbewerb eine Plattform für eingereichte Arbeiten. Ein zusätzlicher Nachwuchswettbewerb soll junge Menschen an Fotografie und visuelles Storytelling heranführen.

Auch für Unterhaltung ist gesorgt: hier bei Get Together auf der After Show Party 2025.
© Florian Zenk/Ringfoto

Die Veranstaltung wird von einer bundesweiten Marketing- und PR-Kampagne begleitet. Nach Angaben von RINGFOTO soll dabei eine Reichweite von mehr als zehn Millionen Kontakten erzielt werden.

Tickets für die Imaging World 2026 sind bereits erhältlich.

Aktuellste Technik hautnah erleben: das verspricht die Imaging World auch in diesem Jahr. Hier ein Fotovon der letztjährigen Veranstaltung.
© Florian Zenk/Ringfoto.

Fazit

Die Imaging World entwickelt sich zu einer wichtigen Plattform für die Imaging-Branche in Deutschland. Die Verbindung aus Produktausstellung, Weiterbildung, Praxisangeboten und Community-Formaten schafft Berührungspunkte zwischen Herstellern, Fachhandel, professionellen Anwendern und Endkunden. Damit übernimmt die Veranstaltung eine zentrale Funktion für den Markt, indem sie Innovationen sichtbar macht, den Wissenstransfer fördert und den direkten Austausch innerhalb der Branche ermöglicht.

Preise:
Day Pass: ca. 15 Euro.
Weekend Pass: ca. 25 Euro.

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Mit Calumet unterwegs

Fotografie steht bei den Veranstaltungen im Mittelpunkt

Außerdem kann man sich in verschiedenen Reise-Präsentationen über exotische und beliebte Ziele informieren und sich Einblicke in die Planung der Reisen holen. Immer im Fokus ist dabei natürlich die Fotografie: Welche Ausrüstung ist für welche Reise sinnvoll? Welches Zubehör muss auf jeden Fall mit ins Gepäck?

Spannende Termine mit Calumet

In welchem Rucksack lässt sich meine Ausrüstung ideal verstauen? Welche Geheimtipps haben die verschiedenen Länder und Städte zu bieten?

• Spannende Reise-Präsentationen über verschiedene Urlaubs-Ziele
• Fotowalks mit den Foto-Experten der Branche
(Die Teilnahmegebühr von 5,00 € wird dir vor Ort in Form eines Gutscheins erstattet)
• Tamron-Objektiv-Verleih
• Hol dir Reisetipps von Experten der Foto-Branche und von Reise-Partnern
• Freue dich auf exklusive Angebote vor Ort

Mit Calumet unterwegs

Termine:

13.06. SA. Berlin
mit Sony, Tamron, Manfrotto, Gitzo, Lowepro und DIAMIR Erlebnisreisen

20.06. SA. Hamburg
mit Sony, Fujifilm, Tamron, Manfrotto, Gitzo, Lowepro und DIAMIR Erlebnisreisen

04.07. SA. Stuttgart
mit Sony, Fujifilm, Tamron, Manfrotto, Gitzo, Lowepro und DIAMIR Erlebnisreisen

11.07. SA. München Sonnenstraße
mit Sony, Tamron, Manfrotto, Gitzo, Lowepro und DIAMIR Erlebnisreisen

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: Frauen mit Kindern. Nordperu, Laredo,
Mai 1895. Fotograf: Hans Heinrich Brüning © MARKK

Vom 4. bis 6. Juni 2026 werden in einem dreitägigen Opening Parcours alle elf Ausstellungen der acht teilnehmenden Museen und Ausstellungshäuser der Stadt eröffnet. Gleichzeitig eröffnen in den  Opening Days die von uns im Rahmen der Triennale Expanded geförderten Projekte und rücken die freie Hamburger Foto- und Kunstszene ins Licht.
Gemeinsam mit Performances, Artist Talks, Führungen, Screenings und vielen weiteren Möglichkeiten für Inspiration und Begegnungen bilden die ersten zehn Festivaltage eine interdisziplinäre Auftaktphase, die künstlerische Praxis mit gesellschaftlichen Fragen und theoretischer Reflexion verbindet.

F.C. Gundlach, „Jet Age“, Hamburg 1963
© F.C. Gundlach, Courtesy Stiftung F.C. Gundlach

Die Sammlung F. C. Gundlach  in den Deichtorhallen zeigt „Cocktail, Prolongé F. C. Gundlach Special“. Die vielfältigen Inszenierungsmöglichkeiten von Körperlichkeit stehen im Mittelpunkt der Ausstellung, wobei der Körper als Medium zur Vermittlung unterschiedlicher ­Rollen, Projektionen, Wünsche und Fantasien begriffen wird.

Katharina Bosse, Untitled, 1999
© Katharina Bosse

In der Halle für aktuelle Kunst in den Deichtorhallen kreist die Ausstellung „“Alliance, Infinity, Love – in the Face of the Other“ um Verbundenheit, Unendlichkeit, Liebe – im Angesicht der*des Anderen ist als kuratorischer Akt der Weitherzigkeit konzipiert, der uns auffordert, uns über die Parameter unserer eigenen Angepasstheit hinaus zu bewegen – hin zu Akzeptanz und Toleranz des Unbekannten oder Unentschlüsselbaren im Leben.

Abdulhamid Kircher, Untitled, 2016
Courtesy of the artist und carlier | gebauer,
Berlin/Madrid © Abdulhamid Kircher

Das PHOXXI, das temporäre HAUS DER PHOTOGRAPHIE, widmet sich mit Abdulhamid Kircher und Akosua Viktoria Adu-Sanyah fotografischen Künstler*innen, die raumgreifend mit analoger Fotografie arbeiten, ihre sensiblen Oberflächen erforschen und ihre emotionalen Frequenzen aktivieren. In Auseinandersetzung mit der eigenen Familiengeschichte wird die Dunkelkammer zu mehr als nur einem Ort fotografischer Produktion: Sie bietet Raum für Reflexion, in dem Erfahrungen, Beziehungen und Erinnerungen verarbeitet, umgeformt und (an)greifbar werden, während sie noch latent sichtbar sind.

Abdulhamid Kircher, Untitled, 2023 © Abdulhamid Kircher. Courtesy of the artist and carlier | gebauer, Berlin/Madrid

„Inner Mornings or Forms of Counterculture“ zeigt die Sammlung Falckenberg in den Deichtorhallen. Im Zusammenspiel dreier bedeutender ­ Sammlungen – der Sammlung Falckenberg und den Sammlungen des FRAC Pays de la Loire und des Musée d’arts de Nantes – wird sichtbar, wie Künstler*innen widerständige ästhetische Strategien entwickeln, alternative Räume erschließen und die Grenze zwischen der Mitte und den Rändern der Gesellschaft auflösen

Das Bucerius Kunst Forum bietet  „F. C. Gundlach. You’ll never watch alone“. https://www.dasfotoportal.de/bucerius-kunst-forum-f-c-gundlach-youll-never-watch-alone

In der Hamburger Kunsthalle präsentiert die Ausstellung „Aber ich die Welt ich sehe dich“  Fotografien, Skulpturen, 16mm Filme und Videos, darunter Henry Fox Talbots The Haystack (1844) mit einer angelehnten Leiter. Gezeigt werden Werke von mehr als 40 internationalen Künstler*innen verschiedener Generationen.

Atelieraufnahme, 2025
© Melike Kara
Foto: Şirin Şimşek

Das Kunsthaus Hamburg zeigt „Melike Kara – Whispers“. In dieser Einzelausstellung setzt sich Melike Kara mit Fragen von Identität, Erinnerung und Transformation auseinander. Ausgangspunkt ist die intensive Beschäftigung mit ihrem kurdischen Erbe, das sie in den vergangenen Jahren erforscht, archiviert und künstlerisch verarbeitet hat.

Im Kunstverein in Hamburg wird „Nina Porters – Sample Question“ vorgestellt. In Porters jüngsten Arbeiten wird die Dynamik zwischen Kamera, Motiv und Bild umgekehrt oder gänzlich neu konstituiert. Die Betonung verlagert sich auf ein Netzwerk und existiert in den Räumen zwischen Skulpturen, die als „Kameras“ bezeichnet, und Bildern, die als „fotografisch“ erkannt werden können.

Karneval in Laredo. Domitila mit bemaltem Gesicht. Nordperu, Laredo, 1896.
Fotograf: Hans Heinrich Brüning © MARKK

Markk Museum am Rothenbaum. Kulturen und Künste der Welt hat die Ausstellung „Bilderechos aus Peru“ zu bieten. Die kollaborative Ausstellung – in Zusammenarbeit mit Dr. Gisela Cánepa-Koch (PUCP, Perú) und Dr. Walther Maradiegue (Universität Bonn) – zeigt, wie die einzigartigen historischen Fotografien und Musikaufnahmen des deutschen Amateurforschers Hans Heinrich Brüning bis heute in Peru und darüber hinaus widerhallen und wie sie durch lokale Gemeinschaften in Nordperu und zeitgenössische Künstlerinnen auf vielfältige Weise neu interpretiert werden.

Franki Raffles, Soviet Women, State farm workers,
USSR. 1989
© Franki Raffles Estate

Das Museum der Arbeit zeigt „Franki Raffles: Photography, Activism, Campaign Works“ . Franki Raffles (1955–1994) war eine feministische, aktivistische und sozialdokumentarische Fotografin, die in ihrer Arbeit die Lebensrealitäten von Frauen in den Vordergrund stellte. Ihre fotografischen Serien – häufig begleitet von Zitaten und Interviews – stellen die Arbeitsbedingungen und den Arbeitsalltag von Frauen in Schottland, der Sowjetunion (Russland, Georgien und Ukraine), China, Simbabwe, der Karibik, Israel und Palästina in den Vordergrund.

Museum für Kunst und Gewerbe ist an der Triennale mit der Ausstellung „Sara Sallam – Fürsorge: Fotografie neu ordnen“. Wie können wir heute auf die gewaltsamen Praktiken der Kolonialzeit blicken? Wie lassen sich Wunden sichtbar machen – und wie lässt sich ein Prozess der Heilung anstoßen? Die junge ägyptische Künstlerin Sara Sallam widmet widmet sich diesen Fragen in neuen, eigens für das MK&G entwickelten Arbeiten. In dieser Ausstellung setzt sie sich in drei Kapiteln – „Geschützte Körper“, „Personifizierte Statuen“ und „Enthüllte Extraktion“ – mit der archäologischen und fotografischen Sammlung des MK&G sowie deren kolonialem Erbe auseinander.

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Don McCullin, Vereinigtes Königreich – geboren 1935: Don McCullin hat eine komplexe Beziehung zum Krieg. Einmal sagte er sogar, dass er Konflikten nachjage wie ein Alkoholiker dem Bier. Von Zypern über Vietnam, Kuba und Kambodscha bis nach Irland spielte er eine Vorreiterrolle im Fotojournalismus. Das verschaffte ihm neben Fotografen wie Robert Capa, Philip Jones Griffith und Larry Burrows größte Anerkennung. McCullins Fotos ermöglichten es der Öffentlichkeit, über Ereignisse in weit entfernten Ländern auf dem Laufenden zu bleiben. Sie werfen Fragen auf, rütteln die öffentliche Meinung auf und wecken das Gewissen.

Foto Don McCullin

Don McCullin wurde 1935 im Arbeiterviertel Finsbury Park in London geboren und begann seine Karriere eher zufällig, als 1959 eines seiner Fotos der Guvnors-Gang nach der Ermordung eines Polizisten in The Observer veröffentlicht wurde. Gewalt steht zwar häufig im Mittelpunkt seiner Arbeit, ist jedoch nicht deren einziger Aspekt. Neben seiner Tätigkeit als Reporter interessierte sich Don McCullin für jene, die an den Rand der Gesellschaft gedrängt wurden. Er fotografierte Obdachlose, Migranten und Arbeiter. Die Stadt, in der er geboren wurde und aufgewachsen ist, prägte sein soziales Bewusstsein. Als Zeitzeuge von großer städtischer Armut konnte er früh den Zerfall des sozialen Gefüges seines Landes aufzeigen. Mit seinen Reportagen trat er vehement für die der Industrialisierung Zurückgelassenen und die Ausgestoßenen der Globalisierung ein.
2017 wurde er für sein Lebenswerk von der Queen zum Ritter geschlagen – als einer der wenigen Fotografen, denen diese Ehre zuteil wurde. Heute lebt er in Somerset und widmet sich der Landschaftsfotografie. Doch McCullin bleibt sich auch im Frieden treu:

Foto Don McCullin

In den wolkenverhangenen Himmeln der englischen Landschaft oder den zerfurchten Ruinen von Palmyra in Syrien sieht Don McCullin weiterhin die Narben der Geschichte und der Gewalt. Selbst seine Fotos von friedlichen Orten wirken „explosiv“, ein ewiges Echo der Kriegsschauplätze, die seinen Blick unwiderruflich geprägt haben.

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Richebourg, Paris – Daguerreotypie Ausrüstung, 1842
Eine außergewöhnlich bedeutende frühe Daguerreotypie-Ausrüstung, um 1842, gelie￾fert von Richebourg in Paris, bestehend aus einer Halbplatten-Schiebekastenkamera mit passendem und äußerst seltenem Messing Richebourg-Petzval-Objektiv, einer Quecksil￾ber-Entwicklungsbox, Plattenhalter sowie der originalen Holzkassette für Daguerreotypien. Derart vollständige Ensembles sind von größter Seltenheit und bieten einen einzigartigen Einblick in die Anfänge der Fotografie. © OstLicht
Schätzpreis: € 30.000-36.000

Seit über zwei Jahrzehnten ist Peter Coeln im internationalen Auktionsgeschäft tätig. Gemeinsam mit seinem Team hat er sich einen Ruf für Expertise, wissenschaftliche Präzision und fundierte Marktkenntnis erarbeitet. In dieser Zeit wurden bedeutende Privatsammlungen, museale Werke, seltene Prototypen und historisch herausragende Kameras einem internationalen Publikum präsentiert. Seine Arbeit verbindet Kennerschaft mit sorgfältiger Recherche und einem tiefen Verständnis der Entwicklungen des globalen Marktes.

FRANZ HUBMANN (1914–2007) Der legendäre Kellner Ali im Café Hawelka,
Wien 1957
Der einflussreiche Protagonist des modernen Fotojournalismus in Österreich zeigte 2004
einen essenziellen Querschnitt seines Schaffens im WestLicht; die Aufnahme zählt zu seinen
bekanntesten Werken.
© Franz Hubmann
Schätzpreis: € 3.200–3.600

Seit jeher verstehen sich die Auktionen als Veranstaltungen von Sammlern für Sammler. Als Teil der internationalen Sammlergemeinschaft kuratiert das OstLicht-Team jede
Auktion mit besonderem Augenmerk auf Authentizität, Qualität, Provenienz und historische Relevanz. Unabhängig in Struktur und Geist ermöglichen die OstLicht Auktionen eine flexible, persönliche und klar kuratorische Herangehensweise, bei der langfristige Beziehungen und die Integrität der Objekte im Vordergrund stehen.

Fotoauktion

Der erste Teil  der Fotoauktion ist eine Hommage an die im WestLicht seit seiner Eröffnung vor 25 Jahren ausgestellten Künstler:innen und vereint herausragende Werke von Elfi
Semotan über Ansel Adams, Henri Cartier-Bresson, Franz Hubmann, Alexander Rodtschenko und Edward Steichen bis hin zu Bruce Gilden.

RENÉ BURRI (1933–2014) Hacienda San Cristobal, Mexiko-Stadt 1976
Burris Werk, das durch die souveräne Gestaltung mittels Licht, Schatten, Raum und Leer￾flächen fasziniert, ist mit 120 x 180 cm das größte Format, das er zu Lebzeiten produzierte
und war 2006 in „Utopia“ im WestLicht ausgestellt.
© René Burri
Schätzpreis: € 20.000–28.000

ROGER BALLEN (*1950) ‚Dresie and Casie, twins‘, Western Transvaal,
Südafrika 1993
Ballens eigenwillige Faszination für das Groteske und Abgründige traf den Nerv einer Ära.
Seine fesselnden und zugleich verstörenden Bilder, die zwischen Dokumentation und Fik￾tion changieren, wurden 2013 im WestLicht gezeigt. Sein berühmtestes Motiv wird in einem
äußerst seltenen Vintageabzug angeboten.
© Roger Ballen
Schätzpreis: €25.000–30.000

Der zweite Teil widmet sich der Geschichte der Fotografie selbst. Im Jahr des 200- jährigen Jubiläums werden zentrale Werke präsentiert, die die Entwicklung des Mediums von den Anfängen bis zu prägenden Meilensteinen des 20. Jahrhunderts nachvollziehbar machen. Zur Versteigerung gelangen Werke von Peter Beard, Walker Evans, Richard Avedon, Sam Haskins, Daidō Moriyama und vielen mehr.

BRYAN ADAMS (*1959) Mickey Rourke, London 2005
Der kanadische Musiker und Songwriter arbeitet seit vielen Jahren erfolgreich als Fotograf
für Designer und Modemagazine sowie an Porträts. Seine preisgekrönte Serie mit Mickey
Rourke wurde 2006 im WestLicht gezeigt, 2013 fand Adams Einzelausstellung „Exposed“ im
OstLicht statt.
© Bryan Adams
Schätzpreis: €9.000–10.000

Kameraauktion

Die Kameraauktion umfasst rund 160 Jahre analoger Kamerageschichte. Die angebotenen Kameras, entstanden zwischen 1842 und 1990, werden durch detaillierte Katalogbeschreibungen in ihrem historischen und funktionalen Kontext erschlossen. Das Spektrum reicht von hochkarätigen Raritäten bis zu begehrenswerten Sammlerstücken und Gebrauchsgeräten für ein breiteres Publikum. Durch die Verbindung musealer Spitzenstücke mit zugänglicheren Objekten richtet sich die Auktion an die gesamte Sammlergemeinschaft und Analogfotograf:innen. Mit dieser Jubiläumsauktion unterstreicht OstLicht einmal mehr seine Rolle als zentrale Plattform für historische Fotografie und hochwertige Sammlerstücke im internationalen Markt.

Nikon S3-M Schwarzlack mit Motor, 1960
Eine außergewöhnlich seltene Nikon S3-M in schwarz lackierter Ausführung, Nr. 600133 –
eines der gesuchtesten Modelle unter den Nikon-Messsucherkameras.
Von diesem 18×24mm-Halbformatmodell für 72 Aufnahmen wurden zwischen 1960 und 1961 insgesamt nur 195 Exemplare gefertigt; weniger als 100 davon wurden ursprünglich mit dem S-72 Motorantrieb ausgeliefert. Vollständige Sets sind heute von größter Selten￾heit. Dieses herausragende Exemplar befindet sich in nahezu neuwertigem, vollständig originalem und perfekt funktionsfähigem Zustand und wird komplett mit passendem S-72
Motor, Batterieteil, zusätzlicher Bodenplatte, Nikkor-H 2/5cm sowie der äußerst seltenen
originalen japanischen Bedienungsanleitung angeboten.
© OstLicht
Schätzpreis: € 40.000-50.000

Carl Zeiss Jena, Triplet Achromat 250mm Nr.15, 1890
Eines der frühesten fotografischen Objektive von Carl Zeiss Jena ist aufgetaucht: ein selte￾ner Triplet-Achromat aus der Zeit des Übergangs von der Mikroskop- zur fotografischen Optik.
Als Teil einer experimentellen Serie von nur neunzehn Exemplaren ist dieses Objektiv mit
der Seriennummer 15 eines von nur zwei heute bekannten erhaltenen Stücken. In nahezu
neuwertigem Originalzustand und vollständig mit seinem Satz von Steckblenden ausge￾stattet, bietet es einen außergewöhnlichen Einblick in die Werkstattpraxis des frühen Zeiss Objektive.
Ein echtes Museumsstück aus der Geburtszeit der modernen fotografischen Optik.
© OstLicht
Schätzpreis: € 80.000–100.000

PEOPLE POWER

Zum 25-Jahr-Jubiläum feiert das Museum WestLicht nicht nur seine eigene Geschichte, sondern zugleich 200 Jahre Fotografie. Am 30. Mai 2026 – und somit wie die OstLicht Auktion als Teil der Jubiläumsfeierlichkeiten – eröffnet eine außergewöhnliche Ausstellung über Macht und Menschlichkeit: PEOPLE POWER des britischen Fotografen Platon, einem der einflussreichsten Porträtfotografen unserer Zeit.
Platon ist bekannt für seine ikonischen, psychologisch dichten Porträts von politischen Entscheidungsträger:innen, Aktivist:innen, Künstler:innen und Menschen, die den gesellschaftlichen Wandel prägen. Seine Fotografien erscheinen seit Jahrzehnten in internationalen Medien wie TIME, The New Yorker oder Rolling Stone und haben unser
visuelles Gedächtnis in Bezug auf Macht, Verantwortung und Menschlichkeit geprägt. PEOPLE POWER, zu sehen vom 31. Mai bis 9. August 2026, zeigt Platons Werk als
vielschichtige Auseinandersetzung mit Autorität und Empathie – und stellt dabei stets den Menschen in den Mittelpunkt.

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