Der Traum vom Fliegen

Der Rundgang startete am Eingang des Badener Kurparks direkt unterhalb der Terrasse des Medienhotels „At The Park“. Zum  Auftakt erklärten Lois Lammerhuber und Peter Kleemann das Fotoprojekt Flughafen Wien, der 2024 seinen 70. Geburtstag feierte. Aus diesem Anlass hatte  der Flughafen acht international renommierte Fotografinnen und Fotografen unter der künstlerischen Leitung des vielfach ausgezeichneten Verlegers und Fotografen Lois Lammerhuber und in Zusammenarbeit mit dem Autor Thomas Brezina, 24 Stunden lang das Leben dieses ganz besonderen Ortes beobachtet und dokumentiert: vom geschäftigen Treiben auf dem Flughafen-Vorfeld und den Start- und Landebahnen über emotionale Abschiede und Begrüßungen im Terminal bis zu stillen Augenblicken und alltäglichen Arbeiten. Es entstand ein aufwändig gestalteter Bildband inklusive einer dem Buch beiliegenden, umfangreichen Chronologie der 70jährige Geschichte des Flughafens.

Installation am Badener Theater: Fotoprojekt der Traum vom Fliegen.
© Ana Maria Arevalo Gosen, Ulla Lohmann.

DER TRAUM VOM FLIEGEN

Herausgegeben vom Flughafen Wien

Thomas Brezina

Lois Lammerhuber

Ana María Arévalo Gosen

Hans-Jürgen Burkard

Heinz Stephan Tesarek

Jérôme Gence

Martina Draper

Nadia Ferroukhi

Ulla Lohmann

27 × 27 cm

192 Seiten

171 Abbildungen

Deutsch. Englischsprachige Ausgabe erhältlich.

Hardcover, Leinen gebunden,

„French Fold“-Schutzumschlag

ISBN 978-3-903462-13-7

Dezember 2024

Preis: 39.00 Euro

Zwar verging die Zeit beim langen Marsch durch die Ausstellungen wie im Fluge. Abheben war dennoch nicht möglich. Der sieben Kilometer lange Kunst-Parcours musste von den Teilnehmern wohl oder übel auf Schusters Rappen bewältigt werden.

Festival La Gacilly -Baden Photo: Garten Route.

Festival La Gacilly-Baden Photo: Stadt Route

Cewe Photo Award 2026 – Our World is Beautiful

Die Gewinner des Cewe Photo Award, einer der größten offenen Fotowettbewerbe der Welt werden traditionell im Badener Kurpark und an den Seitenfronten des dortigen Casinos ausgestellt, Die zum Teil überdimensionalen Installationen der Fotografie beweisen, dass es zwischen der professionellen und engagieren Freizeitfotografie keine Qualitätsunterschiede gibt. Der Foto-Online Service Cewe zählt zudem zu den Hauptsponsoren des Festivals, womit die großzügige und prominente Platzierung im stark frequentierten Kurpark mehr als gerechtfertigt wird.

Mike Taylor – The Beautiful Game

Ursprünglich würde Mike Taylor  wie er selbst sagt, „am liebsten diese fantastischen Versammlungen in den Baptistenkirchen im Süden der USA fotografieren, wo die Menschen sich in der Verzückung des Lobpreises des Herrn verlieren. Aber ich bin Fotograf aus East Kent und nicht aus South Carolina … und habe daher realistische Erwartungen an meine Projekte.“

Mike Tayler und Lois Lammerhuber präsentieren die Ausstellung The Beautyful Game. © Heiner Henninges

Es fasziniert ihn Menschen zu beobachten und zu fotografieren, die völlig versunken und in das Geschehen vertieft sind. Genau das tun Menschen in den englischen Pubs, wenn wichtige Fußballspiele stattfinden. Allerdings hatte nie die Absicht oder den Plan, Fußballfans in Pubs zu fotografieren. Er sei -so sagt er – zufällig auf diese fantastische Möglichkeit gestoßen, Menschen zu beobachten. Dabei interessiere er sich weder für Fußball oder eine andere Sportart.

Mit diesem Bild gewann Mike Taylor 2025 den CEWE Photo Award

Gerade zur parallel zum Festivalbeginn gestarteten Fußball WM in den USA, Kanada und Mexiko zeigt sich der Fußball für Millionen Menschen weltweit als eine Art Religion, dass es kaum überrascht, wenn sie von den Spielen völlig in den Bann gezogen gefesselt werden. Diese Begeisterung und Hingabe faszinierte Mike Taylor, der es liebt, Menschen zu beobachten, die völlig in das Geschehen eintauchen und sich davon überwältigen lassen. Und genau das passiert in Pubs, wenn wichtige internationale Spiele übertragen werden. Wenn er während eines Spiels in einem Pub fotografiert, hört stets genau den Kommentatoren zu, da sie oft Hinweise darauf gäben, was passieren wird. Auf den Bildschirm schaut er nach eigener Aussage so gut wie nie, stattdessen im auf die Zuschauer.  Er ist überzeugt davon, dass er – falls er sich nur ein bisschen für das Spiel interessieren würde – sich nicht wirklich auf die Fans oder ihre Reaktionen konzentrieren könnte.

Es sei schwierig genug, die richtigen Pubs zu finden, ihre Zustimmung zu gewinnen und eine gute Beziehung aufzubauen, bevor er anfangen kann zu fotografieren. Für Mike Taylor ist die Fanfotografie in den Pubs ein lebendiges Projekt, das er auch weiter verfolgen  und ausbauen will.

© Mike Taylor

Schon als Sechsjähriger entdeckte er die Fotografie für sich. Er war fasziniert von der Raumfahrt, seit er Neil Armstrong beim Fotografieren auf dem Mond zusah.  Mike Taylor war 2025 Preisträger beim CEWE Photo Award  die Kategorie Street Photography beim CEWE Photo Award. Im selben Jahr hat Mike Taylor ein Buch mit dem Titel „Click!: Das 10-Dollar-Buch, das Sie zu einem besseren Fotografen macht und Ihnen ein Vermögen spart“ veröffentlicht, es enthält seiner Meinung nach alles, was er gelernt habe“.

Esther Haase – Vivienne, Andreas and Me

Ihr Leben sei ein Tanz mit der Kamera durch die Welt, hat Esther Haase, eine der bedeutendsten deutschen Modefotografinnen ihr Lebenswerk beschrieben. Die für ihre dynamische Verbindung aus visueller Kreativität, Einfühlungsvermögen und theatralischer Komposition bekannten, in der Sparkassengasse und übergroß an der Fassade des Festival Hotels „At The Park“ gezeigten Fotografien, wirken durch ihre cineastische Inszenierung überaus lebendig. Sie vermitteln Bewegung, Selbstbewusstsein und Lebensfreude. Sie bekunden ihre Überzeugung, dass Modefotografie gleichermaßen visuell beeindruckend wie emotional berührend sein kann.

Lois Lammerhuber und Esther Haase in der Ausstellung „Vivienne, Andreas and Me“ in der Sparkassengasse.
© Heiner Henninges

Die Ausstellung Vivienne, Andreas and Me umfasst Aufnahmen aus der Serie Rock ’n Old einem ihrer bedeutendsten Projekte.  Sie gehören zu einem langfristigen fotografischen Vorhaben der Fotografin, das ältere Menschen mit Film- und Bühnenpersönlichkeiten in inszenierten Rollenspielen zusammenbringt, unter anderem für den Jahreskalender eines Berliner Pflegedienstes. Das soziale Kunstprojekt stand zudem in besonderem Bezug zu Vivienne Westwood, der verstorbenen britischen Modeikone. Studierende aus Westwoods Berliner Modeklasse lieferten die Kostüme für die Serie, wodurch die Bilder Westwoods unkonventionellen Geist aufnehmen und Haases Engagement für generations- und disziplinübergreifende Zusammenarbeit unterstreichen.

Esther Haase aus dem Projekt „Rock’n Old“. Installation an der Seitenfront des Festival Hotels At The Park“
© Heiner Henninges

Esther Haase hat die Mode-Ikone Vivienne Westwood auch persönlich porträtiert. Nach deren Tod mit 81 Jahren übernahm ihr langjähriger kreativer Partner und Ehemann, der österreichische Designer Andreas Kronthaler, ihr persönliches und künstlerisches Erbe und führt , sondern auch das Modehaus weiter. Vivienne Westwood lernte Andreas Kronthaler während ihrer Zeit als Professorin in Wien kennen und war später begegnete und später die kreative Kraft hinter dessen Arbeiten. Esther Haase hat Andreas Kronthaler in Mailand zu fotografiert. Heraus kam weit mehr als ein Porträt:

Andreas Kronthaler.
© Esther Haase

Die Arbeiten wurden zu einer Reflexion über Übergang, Verantwortung und Erinnerung. Esther Haases Fotos von Andreas Kronthaler  spiegeln seine enge Verbindung zu Vivienne Westwoods Leben und Werk sowie seine Vision, ihr Vermächtnis weiterzutragen wider.

Brian May  Diableries: Stereoscopic Adventures in Hell

Im Kaiserhaus Garten  wird mit der Installation einer überdimensionalen Gitarre, um die eine Vielzahl von Betrachtungsgeräten für die Betrachtung der dreidimensionalen Fotografie der Sammlung „Diableries“  des Queen Gitarristen Brian angebracht wurde,  dem 200-jährigem Jubiläum der Fotografie gedacht. Der Rockmusiker ist leidenschaftlicher Stereofotograf und darüber hinaus auch der weltweit größte Sammler historischer  und moderner stereoskopischer Bilder.  Seine Liebe zu dieser Kunstform ist Ausdruck einer tiefen kulturhistorischen Neugier.

Installation einer überdimensionalen Gitarre um die herum zahlreich Betrachter für stereoskopische Bilder montiert sind.

Schon als Jugendlicher entdeckte Brian May die Faszination dreidimensionaler Fotografien. Besonders haben es ihm viktorianische Stereoaufnahmen aus dem 19. Jahrhundert angetan Er selbst sammelt, restauriert und veröffentlicht diese Werke mit großer Sorgfalt und wissenschaftlichem Anspruch. Bereits 2019 wurde in Baden seine Serie „Die Mondlandung in 3D“  im Arnulf Rainer Museum als Weltpremiere gefeiert. Jetzt zeigt das Festival mit „Diableries: Stereoscopic Adventures In Hell“ eine absolute Rarität seiner Sammlung.

Denis Pellerin (Kurator der Sammlung von Brian May) und Lois Lammerhuber im Kaiserhausgarten bei der Einführung in die Installation „Diableries“
© Heiner Henninges

Die in Frankreich entstandenen 3D-Bilder zeigen auf grotesk-humorvolle Weise Szenen aus einer imaginären albtraumhaften Unterwelt. Teufel und Dämonen gehen darin alltäglichen Tätigkeiten nach, feiern, arbeiten oder parodieren menschliche Verhaltensweisen und spiegeln auf fast naive Weise die Korruption und den Überfluss von Paris während des Zweiten Kaiserreichs wider. Die detailreichen Miniaturkulissen und aufwendig inszenierten Figuren, die kurz nach der Erfindung der Fotografie von den beiden damals führenden französischen Bildhauern Pierre Hennetier und Louis Habert aus Ton modelliert wurden, verbinden Theater, Fotografie und Satire zu einem faszinierenden Gesamtkunstwerk.

Der Queen-Gitarrist Brian May mit seiner Koautorin Paula Fleming und seinem Koautotor Denis Pellerin
© Heiner Henninges

Brian May hat – gemeinsam mit seiner Kuratorin Paula Fleming und dem Mitautor und Kurator Denis Pellerin, der auf dem Rundgang die Sammlung erläuterte  – wesentlich dazu beigetragen, dieses lange vergessene Werk wieder zugänglich zu machen, indem er es neu edierte und in seinem historischen Kontext erschloss. Seine Sammlung ist somit nicht nur ein Archiv vergangener Bildtechniken, sondern auch ein lebendiger Beitrag zur Geschichte visueller Medien. Durch sein Engagement wird deutlich, dass Innovation und Staunen keine Erfindungen der Gegenwart sind – sondern tief in der Kulturgeschichte verwurzelt liegen. Sir Brian Mays Diableries sind ein ganz besonderer visueller Leckerbissen im Kontext des 200. Geburtstages der Fotografie.

Norbert Span – Magische Schönheit

In der Rathausgasse werden die einzigartigen Werke des Meisters der Makrofotografe Norbert Span in zum Teil überdimensionalen  Installationen präsentiert. Die Arbeiten des 1967 geborenen, österreichischen Wissenschaftlers, Glaziologen und international anerkannten Fotografen Norbert Span eröffnen faszinierende Einblicke in eine Welt, die uns zwar alle betrifft, die aber dem menschlichen Auge normalerweise verborgen bleibt. Die ausgestellten Fotografien entführen die Betrachtenden in die Welt der Vitamine und Nahrungsergänzungsmittel. In den Fotografien verwandeln sich die Inhaltsstoffe gewöhnlich scheinender Pillen in visuelle Kunstwerke von erstaunlicher Ausdruckskraft. Jeder Wirkstoff wird zu einem eigenständigen Universum, das feinste Strukturen, Oberflächenreliefs und Farben deutlich hervortreten lässt. Der Fotograf macht die Strukturen von Magnesium, Calcium, Vitamin C und D, Q10, Zinkcitrat, Eisen, Selen, Kupfer, Bor, Chrom, Mangan sowie Astaxanthin (natürlicher, roter Farbstoff, der Gruppe der Carotinoide), Weihrauch und Reishi (asiatischer Heilpilz) sowie  die kristallinen Strukturen von Mineralstoffen oder die samtige Textur von Pulverpräparaten in höchster Präzision sichtbar.

Fotograf und Wissenschaftler Norbert Span und Lois Lammerhuber bei der Präsentation der Ausstellung Magische Schönheit.
© Heiner Henninges

Neben der ästhetischen Wirkung und der Vielfalt der Wirkstoffe eröffnet der Fotokünstler auch wissenschaftliche Perspektiven und lässt die Unterschiede in Struktur und Zusammensetzung  sichtbar werden, die Rückschlüsse auf Qualität, Reinheit und Löslichkeit zulassen.

Spans Werke bezeugen, dass Makrofotografie weit über die bloße Abbildung hinausgeht. Sie sensibilisiert die Betrachtenden für die Komplexität selbst kleinster Objekte und vermittelt die ungeheure Schönheit des Mikrokosmos. Die Bilder sind nicht nur wissenschaftlich informativ, sondern auch ästhetisch beeindruckend. Sie bilden eine Symbiose aus Forschung, Kunst und der Leidenschaft für das Detail.

Norbert Span erklärt seine Ausstellung „Magische Schönheit“.

Norbert Span studierte Meteorologie, Glaziologie und Astronomie an der Universität Innsbruck. Eer ist geschäftsführender Inhaber der Team Eiswelten OG, einem Unternehmen das sich vor allem mit der Entwicklung und Umsetzung von Ausstellungs- und Erlebnisprojekten, insbesondere im Bereich Wissenschaft, Visualisierung und Inszenierung beschäftigt.

Das Fotofestival der Schulen aus Niederösterreich und Morbihan, Frankreich

Pop Nature lautet der Titel der Ausstellung der Ergebnisse des Wettbewerbs der Schulen Niederösterreichs und der Collegiens du Morbihan, Frankreich, beim Festival La Gacilly-Baden Photo, die von den Lois Lammerhuber, Gregor Christian Schörg vor dem Bundes Gymnasium und dem Bundes Realgymnasium( BG/BRG) in der Badener Frauengasse vorstellten. Das Fotoatelier Schörg betreut auch die in Zusammenarbeit mit dem Bundesgymnasium  BG und dem Bundesrealgymnasium Baden Frauengasse, Leica und  Hahnemühle jährlich begleitend stattfindende Photo-Academy des Festivals.

Das Festival der Schulen, Arbeit von Schülern des College Saint Gildas, Morbihan, Bretagne. Großinstallation in der Frauengasse gegenüber den dortigen Gymnasien.
© Heiner Henninges

Das Vereinigte Königreich sei schon immer ein fruchtbarer Boden für künstlerische Kühnheit und revolutionäre kulturelle Bewegungen gewesen, heißt es im Festivalkatalog. „Von den Swinging Sixties über die psychedelische Blütezeit der 1970er Jahre bis hin zur Pop Art haben die Briten eine farbenfrohe, skurrile Energie in die Welt der Kunst und des Designs gebracht“, lautet dort auch die Begründung für das Thema „Pop Nature“ beim diesjährigen Fotowettbewerb der Schulen.  Es sollte diese fröhliche Ästhetik aufgreifen und Naturlandschaften neu erfinden als eine fast surreale Welt, in der Grün nicht mehr einfach nur Grün ist, sondern fluoresziert, in der Blumen unter Neonlichtern tanzen, und die Realität von einer sanften Exzentrik geprägt ist. Pop Nature ist gedacht als eine freie, unbeschwerte, psychedelische, rhythmische und lebendige Sicht von Schülerinnen und Schülern auf die Natur. Der Fokus liegt auf leuchtenden Farben, einer funkelnden, lebendigen, sorgenfreien und positiven Welt.

Das Festival der Schulen: Ausstellung in der Frauengasse: Früh übt sich…
© Heiner Henninges

Dieses Projekt ist eine Partnerschaft der Niederösterreichischen Landesregierung mit dem Verein Foto Festival Baden und der Landesinnung der Berufsfotografie Niederösterreich. Dabei werden die Schülerinnen und Schüler von professionellen niederösterreichischen Fotografinnen und Fotografen begleitet. Ihre Arbeiten sind gemeinsam mit jenen von Schulen aus Morbihan in der Bretagne zu sehen.

In Frankreich unter der Leitung von acht professionellen Fotografen sechzehn staatliche und private Sekundarschulen im Morbihan an der Initiative teilgenommen und während des gesamten Schuljahres 2024-2025 zum Thema Pop Nature gearbeitet. In ihren Bildern zeigen die jungen Künstler eine befreite, ungehemmte Vision einer lebendigen Welt und würdigen ein von ihnen verzaubertes Naturwunderland. Auf dieser visuellen Reise voller die Poesie und Psychedelia miteinander verbindet, wird die Natur zu einem Fest für die Sinne.

Lois Lammerhuber sowie die Tutoren Gregor und Christian Schörg stellen das Projekt „Das Festival der Schulen“ vor.
© Heiner Henninges

Dieses Projekt wurde durch eine Partnerschaft zwischen dem Departementsrat von Morbihan und dem Verein La Gacilly Photo Festival ermöglicht. Es bringt jedes Jahr 16 staatliche und private Schulen aus dieser Region Frankreichs zusammen. Die Teilnehmer nehmen an einem ganzjährigen Bildungsprogramm teil, dessen Schwerpunkt auf der Entdeckung der Fotografie liegt. Von der Themenanalyse und der Entwicklung einer Zusammenfassung über die Aufnahme und Bearbeitung bis hin zum Verfassen von Bildunterschriften werden die Schüler zu Autoren einer Ausstellung, die vollständig in das Programm der 22. Ausgabe des La Gacilly Photo Festivals integriert wurde und jetzt auch in Baden zusammen mit den Arbeiten der niederösterreichischen Schüler gezeigt wird.

Das Fotofestival der Schulen – Pop Nature © MS Mistelbach / BORG/Mistelbach. © Heiner Henninges

Niederösterreichische Berufsfotografie: I Love Coffee, I Love Tea

Die Landungsinnung Niederösterreichische Berufsfotografie nutzt seit der Gründung des Festivals  aktuelle Arbeiten Ihrer Mitglieder zu einem vom Festival-Direktor Lois Lammerhuber gestellten Thema in einer Ausstellung am Badener Mühlbach zu zeigen. Diesmal hatten sie die Aufgabe das Thema „I lLove Coffee, I love Tea“ fotografisch zu interpretieren.

„Das Festival La Gacilly-Baden Photo ist eine ganz besondere Möglichkeit für die Berufsfotograf:innen Niederösterreichs, ihre fotografischen Arbeiten jedes Jahr aufs Neue zu zeigen, in denen sie sich mit dem vom Festivaldirektor Lois Lammerhuber gestellten Thema auseinanderzusetzen“, betont Christian Schörg, Fotograf und Landesinnungsmeister Niederösterreichische Berufsfotografie,“

Christian Schörg und Lois Lammerhuber zur Ausstellung des Wettbewerbs der Niederöstereichischen Landesinnung der Berufsfotografen „I Love Coffee, I Love Tea!“ am Josephsplatz an den Ufern der Mühlbachöffnung
© Heiner Henninges

Auch in diesem Jahr hat eine zehnköpfige Jury unter Vorsitz des Festival-Direktors Lois Lammerhuber und des Landesinnungsmeisters, der Niederösterreichischen Berufsfotografie aus den zum Thema eingereichten Aufnahmen fünfzehn Arbeiten ausgewählt, die in einer Installation an der Kaimauer des Badener Mühlbachs  in einem erfrischend lebendigen und gleichzeitig

Das Thema I love Coffee, I love Tea! Hat durchaus auch einen Bezug zu dem geschichtsträchtigen, romantischen Kurortes Baden bei Wien: Kaffee und Tee sind nicht nur für die Erholung suchenden Gäste mehr als nur Getränke – sie sind Momente, Stimmungen und Geschichten, die darauf warten, eingefangen zu werden. Der Fotowettbewerb I Love Coffee, I Love Tea, zudem alle niederösterreichischen Fotografen und Fotografen aufgefordert waren, ihre Kreativität zu zeigen und die Rituale, die Kultur und die Emotionen rund um diese beliebten Getränke zu feiern. Vom morgendlichen Kaffee, der den Tag beginnt, bis zum beruhigenden Nachmittagstee mit Freundinnen und Freunden. Jedes der ausgewählten Bilder erzählt seine eigene Geschichte. Sie zeigen aus vielfältigen Perspektiven beispielsweise  den aus einer Tasse aufsteigenden Dampf, Hände, die das Getränk zubereiten, gemütliche Ecken, in denen es genossen wird, oder lebendige Cafés, die Menschen zusammenbringen. Ob abstrakt, spontan oder inszeniert,  die Bilder vermitteln das Gefühl von  Wärme, Verbundenheit und der persönlichen Bedeutung von Kaffee und Tee im Alltag.  Die ausgestellten Bilder der Gewinnerinnen und Gewinner stammen von Rene Binder, Peter Eichstaedt, Ewald Fohringer, Thomas Gobauer, Susanne Grill, Christian Handl, Marius Höfinger, Philipp Monihart, Natascha Rössle, Barbara Schmeiser, Christian Schörg, Gregor Schörg, Barbora Vavro Gruber, Michaela Vondruska und Marcella Wallner.

Ausstellung der Landesinnung Niederösterreichischer Berufsfotografen „I Love Coffe, I Love Tea!“
© Heiner Henninges

Der Fotograf Christian Schörg porträtierte für seine Bildserie Gastronomen des Kurortes, die sich mit besonderer Liebe der Herstellung dieser köstlichen Getränke widmen. Baden blickt auf eine lange Tradition der Kaffeehauskultur zurück, die heute von neuen Einflüssen bereichert wird – von der klassischen Melange bis zum kräftigen Ristretto porträtierte einige Gastronomen, die für diesen erlesenen Genuss verantwortlich sind. Seine Bilder machen die Leidenschaft und das Handwerk hinter jeder Tasse sichtbar und laden dazu ein, diese Welten des Genusses zu entdecken. Unter den Abgebildeten sind Josef Enderlin, Kaffeehaus Ullmann, Mario Kreiker, Café Central, Axel Nemetz, Festival Hotel At The Park, Manfred Schneider, Backhaus Annamühle, Michael Straßecker, La Taverna da Michele und Florian Trahbüchler Kurpark Café Florian.

Christoph Künne 450 Jahre Backhaus Annamühle

Im Backhaus Annamühle wird seit 450 Jahren gebacken. Der heutige Inhaber Manfred Schneider und Lois Lammerhuber konnten zum Jubiläum den deutschen Experten für kreative, generative KI, Christoph Künne,  dafür gewinnen, Fotos aus der heutigen Zeit sowie historische Bilder von Mitarbeitern und Räumlichkeiten  mithilfe von generativer Künstlicher Intelligenz in eine Bilderserie zu verwandeln, die zeigt, wie die Geschichte des Backhauses und seiner Mitarbeiter sich im Laufe der Jahrhunderte gewandelt ausgesehen haben.

Von Christoph Künne mit Generativer KI auf Basis von Porträts heutiger Mitarbeiter erstellt: Wie hätte das Backhaus Annamühle von Inhaber Manfred Schneider vor 450 Jahren aussehen können?

Im  Garten des Backhauses Annamühle war auch die erste Pause des zwar spannenden, informativen, aber doch auch herausfordernden Medien-Walks auf der Stadtroute. Noch besser, die Medienvertreter konnten sich an einem reichhaltigen Buffet mit süßem und salzigem Backwerk, Kaffee und kühlen Getränken stärken und sich live davon überzeugen, wie hier die alte Handwerkstradition hochgehalten wird. Gastgeber und heutiger Inhaber des Backhauses Annamühle Manfred Schneider sprach auch über die spannende Geschichte der Entstehung der Ki-Bildserie, die erzeugen soll, dass Tradition und Moderne sich nicht widersprechen müssen.  Das Backhaus Annamühle sei aus einer alten Bäckertradition entstanden, diese auch heute noch hochgehalten würde, betonte Manfred Schneider. Ganz im Sinne der Vergangenheit wird im Backhaus auch heute großer Wert auf ofenfrische, handgefertigte Backwaren aus regionalen Zutaten gelegt, die frisch in der Bäckerei verarbeitet werden.

So könnte nach ChatGPT und dem Prompt von Christoph Künne die Belegschaft vom Backhaus Annamühle in Zukunft arbeiten. © Christoph Künne/Festival La Gacilly-Baden Photo.

Mittlerweile betreibt das Unternehmen in Baden und Bad Vöslau sechs Geschäfte, einige Kaffeehäuser und eine Pâtisserie.

Die Kulturgeschichte des Stammhauses, die Christoph Künne das Publikum mit seiner KI-Bildserie mit den faszinierenden modernsten Mitteln der Bilderstellung nacherleben lässt, macht auch die Möglichkeiten der harmonischen Verbindung aus Gestern und heute deutlich.

Wie es auf dem Kunst-Parcours des Festivals La Gacilly-Baden Photo weiter ging, berichten wir in Teil II der in drei Etappen stattgefundenen Wanderung.

Heiner Henninges, DGPh

The post Medien Walk Festival La Gacilly-Baden Photo Teil I
 – Der lange Marsch durch die Fotokunst first appeared on Das FotoPortal.

Gaukler bei den Kaltenberger Ritterspielen

 

Beim Turnier in der Arena reiten die wagemutigen Kämpfer einander im vollen Galopp entgegen. Lanzen bersten. Ritter stürzen in den Sand. Rappeln sich wieder auf, um zumSchwert zu greifen. Das Spektakel nimmt seinen Lauf. Für zwei Stunden erlebt das Publikum ein Auf und Ab der Emotionen. Intrigen werden gesponnen, Listen ersonnen. Jedes Jahr kann das Publikum dabei in eine neue Geschichte eintauchen. Held der Story in diesem Jahr ist der junge Albrecht. Er wächst behütet am Hof seiner Eltern auf. Doch die Boshaftigkeit der Herrscherin Magdalenen führt schließlich zum Bruch Albrechts mit dem Hof. Sein Kampf für die unterdrückten Bauern des Landes führt ihn schließlich zu einer finalen
Auseinandersetzung gegen niemand Geringeres als den Schwarzen Ritter; seinen Vater … Bis die letzte Schlacht geschlagen ist, erlebt das Publikum aufregende Turnierwettkämpfe, fantastische Reitkunst und Drama pur.

The post Kaltenberger Ritterspiele first appeared on Das FotoPortal.

MICHEL COMTE
Veruschka (Vera von Lehndorff) 1990

Mit starken Kontrasten in der Lichtgebung schuf der Künstler in den 1980er und 1990er Jahren weltberühmte Fotografien – darunter der Akt von Carla Bruni sowie ein Porträt von Louise Bourgeois –, die die Essenz seiner Protagonisten roh und wahrhaftig beschrieben. Seine Porträts von
Jeremy Irons, Geraldine Chaplin, Iggy Pop, Helena Christensen oder Mike Tyson, die ebenfalls in der Ausstellung eingebunden sind, zählen zu stilprägenden fotografischen Werken jener Dekaden. Die Ausstellung wurde aus Vintage Prints aus der Sammlung der Galerie CAMERA WORK sowie Editionsarbeiten der ÉDITIONS COMTE in Kollaboration kuratiert.

MICHEL COMTE
Jeremy Irons with horse (Interview)
London, 1990

MICHEL COMTE
Anthony Hopkins
Los Angeles, 1991

Michel Comte (*1954 in Zürich) absolvierte zunächst eine Ausbildung in der Restaurierung zeitgenössischer Meisterwerke. Nach einem entscheidenden Auftrag von Karl Lagerfeld im Jahr 1980 entwickelte sich Comtes Fotografie, unter Leitung der legendären Franca Sozzani von der Vogue Italia, als maßgebliches Dokument eines aufkeimenden Celebrity-Kults. Dazu zählten Musiklegenden wie Miles Davis und Frank Zappa, Filmikonen wie Catherine Deneuve und Nicole Kidman, Künstler wie Jeff Koons sowie die einflussreichsten Supermodels dieser Ära.

MICHEL COMTE
Carla Bruni (Italian Vogue) 1993

Parallel hat Michel Comte seine Stimme und Reichweite stets genutzt, um die Lage der Menschheit zu dokumentieren. Dieses Engagement zeigt sich in seiner umfangreichen Zusammenarbeit mit dem Internationalen Komitee des Roten Kreuz in weltweiten Konfliktgebieten, seinem vielbeachteten HIV/AIDS-Aufklärungsprogramm Save Safe Sex sowie seinem Einsatz für den Umweltschutz durch die Water Foundation und Installationsarbeiten.

The post Camera Work Berlin: Michael Comte first appeared on Das FotoPortal.

Hear! Hear!

Hear! Hear ! So kündigten die beiden britischen Herolde in ihren historischen Kostümen  bei der glanzvollen Eröffnung des Festivals La Gacilly-Baden Photo im Badener Theater die einzelnen Programmpunkte und Redner an. Zum 9.Mal eröffneten die Initiatoren Lois und Silvia Lammerhuber das inzwischen größte, schönste und bedeutendste Open Air Fotofestival, dessen überdimensionale Installationen sich entlang einer sieben Kilometer langen Route durch die berühmten Parks und die romantischen Straßen des Badeorts das nach Hunderttausenden zählende Publikum begeistern. Das Leitmotiv „So British“ bezieht sich allerdings nur auf einen Teil der Ausstellungen. Darüber hinaus zeugen weitere Kapitel von der Leidenschaft des Initiators Lois Lammerhuberr für die vielen Aspekte dieses mächtigen Mediums Fotografie.  Brigitte Henninges, DGPh hat die feierliche Eröffnung miterlebt und Ihre ersten Eindrücke in einem Beitrag in der Rubrik Highlight festgehalten. dasfotoportal.de wird in regelmäßigen Abständen über die weiteren Highlights und den Medien-Marathon durch die Ausstellungen des noch bis zum 12. Oktober 2026 andauernden Festivals berichten.

The post first appeared on Das FotoPortal.

Die Einleitung des Abends: Auf der Leinwand erschien das Motto „Fotografie ist zu gut, um nur Kunst zu sein“ des Fotografen und Hochschullehrers Timm Rautert. Auf das diesjährige Thema des Festivals „So British“ stimmte die Neuinterpretation von „God Save the King“, gespielt von Gitarrist Engel Mayr, dem Leadgitarristen von Russkaja ein.

Im Zentrum der Eröffnung stand die begeisternde Rede von Lois Lammerhuber, der engagiert die Fotografie als „Kunst aller Künste“ und als das wichtigste Medium unserer Zeit beschrieb. Welcher Gewinn dieses Festival für das Städtchen Baden vor den Toren Wiens bringt, wußte er  auch darzustellen: Den die Besucherinnen und Besucher, die eventuell nur als Tagesgäste kommen nutzen unter anderem die Gastronomie und Infrastruktur und viele wollen dieses großartige Festival auch länger als für ein paar Stunden genießen und buchen ihre Übernachtung in einem der zahlreichen Hotels. Kein Wunder, dass auch die Bürgermeisterin der Stadt Baden Carmen Jeitler-Cincelli ihre  Begeisterung und ihren Stolz für das Festival äußerte und Lois Lammerhuber für sein Engagement dankte.

Begrüßungsredner (v.l.n.r.):Lois Lammerhuber, Silvia Lammerhuber, Carmen Jeitler-Cincelli, Bürgermeisterin Baden, Lindsay Skoll, Botschafterin UK, Matthieu Peyraud, Botschafter Frankreich, Anton Kasser, Landesrat Niederösterreich.
© Heiner Henninges

Als Ehrengäste und Redner waren unter anderem bei der Eröffnung die Botschafterin des Vereinigten Königreiches Lindsay Samantha Skoll, die über die Bedeutung der britischen Fotografen berichtete, die das Medium wesentlich geprägt haben oder Helmut Habersack, World Water Chair of UNESCO, der fachkundig über Wasserprogramme referierte, vor Mikroplastik im Wasser warnte und Flüsse aus dem Orbit aufgenommen, zeigte. Wasser ist eine Lebensgrundlage – zu diesem Thema waren auch Günter Köck auf der Bühne, der arktische Ökosysteme erforscht und Christin Gerstorfer, die einem in die faszinierende Welt des Apnoetauchens abtauchen ließ und Laurent Ballesta Unterwasserwelten dokumentierte während die französische Fotografenlegende Robert Doisneau das idyllische Strandleben fotografierte.

Helmut Habersack World Water Chair of UNESCO: Wasser eine rare Resource.
© Heiner Henninges

Ein Videobeitrag von Queen-Gitarrist Brian May, Gitarrist bei Queen, widmete sich der historischen Stereofotografie. Er sprach über die „Diableries“, eine Fantasy-Welt aus den 1850er/60er Jahren, die in stereoskopischen Bildern (3D) auf dem Festival präsentiert wird.

Installation der Stereoskopie-Ausstellung der Sammlung Diableries von Queen Gitarristen Brian May. wo zahlreiche Betrachtungsgeräte den Zuschauern ermöglichen die historischen Bilder in 3-D zu bewundern.
© Heiner Henninges

Der in Baden aufgewachsene Dokumentarfilmer Richard Ladkani bewegte das Publikum mit der Erzählung seiner Freundschaft mit der verstorbenen Verhaltensforscherin Jane Goodall und deren Einsatz für Natur und Mensch: Er berichtete über den 90. Geburtstag von Jane als die Schimpansin Gremlin aus den Bergen herabkam, um sich von  Jane zu verabschieden.

Richard Ladkani berichtete berührend über seine letzten Begegnungen mit Dame Jane Goodall.
© Heiner Henninges

Ebenfalls ein Höhepunkt der Auftritt der Fotografenlegende Sir Don McCullin, 91 Jahre alt, der spannend über seinen Weg zur Fotografie und über seine Fotografie berichten konnte.

Zur Musik, die ebenfalls den Abend zu einem unvergesslichen Erlebnis machte und natürlich den Festival-Motto SO BRITISH! gewidmet war . Großflächige Projektionen der Fotografien des Festivals begleitete ein Medley  aus den berühmtesten Songs der Beatles und von Queen, arrangiert vom Komponisten Pavel Singer und gespielt vom Orchester der Bühne Baden unter dem Dirigat von Michael Zehetner. Da verlangte das begeisterte Publikum noch nach einer Zugabe und bekam „Hey Jude“ geschenkt.

Mit Songs der Beatles und Queen wurden im Schnelldurchgang einige der wichtigsten Bilder aller ausstellenden Künstler präsentiert.
© Heiner Henninges

Fotografie trifft Beatles und Queen.
© Heiner Henninges

Bei der Präsentation der Fotografien des Festivals der Schulen in Morbihan, Frankreich und Niederösterreich am Schluss der Eröffnungsfeier, hielt es das Publikum nicht mehr auf den Sitzen: Mit Standing Ovations und lauthalsem Mitsingen des Schlussongs „We are the Champions“ bedankte es sich für die großartige Eröffnungsfeier.
© Heiner Henninges

Welchen beeindruckenden faszinierenden Bilderreigen das Festival in diesen Jahr in einer Open-Air-Galerie von sieben Kilometern Länge, in der Gartenkunst und Fotokunst verschmelzen, zu bieten haben, werden wir Ihnen in weiteren Beiträgen vorstellen. Das Festival La Gacilly-Baden Photo läuft noch mit zahlreichen Programmpunkten und weiteren Präsentationen, Führungen und vielen Events mehr bis zum 12. Oktober 2026. Empfehlenswert ist auch der zum Festival im Verlag Lammerhuber erschienene, umfangreiche Katalog „So British“.

Brigitte Henninges DGPh

The post Glanzvolle Eröffnung: La Gacilly-Baden Photo – Ein Feuerwerk
aus Bildern, Musik und Information first appeared on Das FotoPortal.

Im Zentrum des 19. Fotofestivals »horizonte zingst« stand vom 29. Mai bis 06. Juni 2026 der MENSCH. Die 19 Ausstellungen ergaben in ihrer Summe einen facettenreichen Blick auf den Menschen. „In diesem Jahr haben wir in allen Ausstellungen vor allem über Menschlichkeit nachgedacht. Und darüber, wie wir gemeinsam ein weltoffenes und lebenswertes Umfeld für alle Menschen – jetzt und für die Zukunft – schaffen können. Apropos Zukunft: Im kommenden Jahr, zum Jubiläum von »horizonte zingst«, lautet das Thema ECHO! Aus dem Klang der vergangenen 19 Jahre entstehen also Ausstellungen, die die Zeit aufnehmen, reflektieren und in der Folge ein neues Festival-Ausstellungsprogramm entstehen lassen“, so Edda Fahrenhorst, Kuratorin des Festivals.

12 Ausstellungen sind auch nach dem Festival in Zingst zu sehen wie unter anderem
Richard Renaldi – Touching Strangers auf dem Bibliotheksplatz
Dauer der Ausstellung: bis Februar 2027
Partner der Ausstellung: Epson / Multipanel UK / deutsche adp
Seit 2007 arbeitet Richard Renaldi an „Touching Strangers“. Auf den Straßen und Plätzen der Vereinigten Staaten begegnet er völlig unbekannten Menschen und lädt sie ein, für ein Porträt zu posieren – in Haltungen, die normalerweise nur engen Freunden oder Familien vorbehalten sind. Im
Zentrum der Idee steht dabei, auch Fremden mit Offenheit und Freundlichkeit zu begegnen und einer positiven Begegnung Raum zu lassen.

Rubén Salgado Escudero – Solar Portraits auf dem Postplatz
Dauer der Ausstellung: 30. April 2027
Partner der Ausstellung: Epson / ChromaLuxe / WhiteWall
Wie stark der Zugang zu Licht das menschliche Leben beeinflusst und wie unterschiedlich Menschendamit umgehen, wenn Strom nicht selbstverständlich ist, zeigt die Arbeit von Rubén Salgado Escudero. Alltag, Arbeit, Wohnräume und sozialen Zusammenhänge werden darin ausschließlich mit Licht aus Solarenergie sichtbar gemacht. Jede Aufnahme stellt die Person in Beziehung zu ihrer unmittelbaren Umgebung und ihren Tätigkeiten, sodass die Vielfalt menschlicher Lebenswelten erkennbar wird.

Robbie Shone – Höhlenwelten in der Jordanstraße
Dauer der Ausstellung: bis Februar 2027
Partner der Ausstellung: Epson / Multipanel UK / deutsche adp
Medienpartner: GEO
Robbie Shone ist Fotograf, Kletterer, Begleiter wissenschaftlicher Expeditionen, Abenteurer und Entdecker. Sein Antrieb ist eine zutiefst menschliche Eigenschaft: die Neugierde. Seit Jahren folgt er ihr in Höhlen, Gletscherspalten und unterirdische Flüsse – Orte, die kaum jemand zu Gesicht bekommt. Seine Bilder zeigen Räume von beeindruckender Klarheit und Größe, den Blick auf die Dimension unseres Planeten von innen. Der Mensch erscheint darin oft klein – als Maßstab in einer Landschaft, die lange vor ihm existierte.

Auch das Vortragsprogramm soll weiter ausgebaut werden, nachdem die kostenfreien Vorträge von den Gästen so gut angenommen wurden“, so Rico Nowicki, Leiter des Fotofestivals. Bereits im Vorfeld des 20. Jubiläums sind spannende Aktionen geplant. Stay tuned: zingst.de/fotofestival-horizonte

The post Umweltfotofestival Horizonte Zingst: Thema 2027 – Echo first appeared on Das FotoPortal.

Maria VMier,
linking one to the other, holding their difference [∞], 2024-25,
Pigmentierte Kalligraphietinte, Tusche, Pigmente, Graphit, Vinyl und Acryl auf Butcher Paper,
500 × 355 cm
Foto: Maria VMier

Für das neue Auftragswerk hat VMier das Gespräch mit den Menschen gesucht, die hier arbeiten – manche seit Jahrzehnten, andere erst seit wenigen Jahren. Ihre Erzählungen hat VMier in eine Auftragsarbeit übersetzt, die das Gebäude von einer Seite zeigt, die sonst verborgen bleibt.
Mit „Tao Schirrmachers Sammlung. Eisbach Treasures“ zeigt der Europameister im Flusssurfen erstmals in dieser Fülle jene Funde, die er seit 2008 vom Grund des Eisbachs birgt. So begeben sich Maria VMier und Tao Schirrmacher jeweils auf eigene Weise auf Spurensuche und öffnen zugleich den Blick für die vielen Geschichten, die zwei vertraute Orte in sich tragen.

Maria VMier. I follow the wind through the stone
26.6.26 – 7.2.27 | Personaleingang, Passage, Mittelhalle & Eingangsbereich

Seit 2021 vergibt das Haus der Kunst jährlich ortsspezifische Aufträge an Künstler*innen, die den Personaleingang und darüber hinaus gestalten. Aus einer Idee der Pandemiezeit gewachsen, schenkt die Reihe dem Team beim täglichen Betreten des Hauses einen Moment der Inspiration und begleitet zugleich Künstler*innen aus München und der Region an einem entscheidenden Punkt ihrer künstlerischen Entwicklung. Auf Cyrill Lachauer, Jan Erbelding, Paul Valentin, Luisa Baldhuber und Gülbin Ünlü folgt nun Maria VMier.
Mit I follow the wind through the stone gestaltet Maria VMier (geb. 1985 in Passau), in New York lebend, das jährliche Auftragswerk des Haus der Kunst. Aus VMiers Begegnungen mit dem Haus und seinen Menschen ist eine Konstellation miteinander verbundener Werke entstanden, die sich vom Personaleingang über die Passage bis in die Mittelhalle erstreckt.

Maria VMier
“I follow the wind through the stone”
Foto: Courtesy of the artist, 2026

Am Personaleingang beginnend, hat VMier die großen Außenbuchstaben, die einst als Fassadenschriftzug dienten (2011 – 2020), neu zusammengesetzt und installiert. Aus ihrer Funktion entlassen, fügen sich die verwitterten Metallbuchstaben zu einer neuen Wendung, „Bauch der Kunst“, die in den Bauch des Hauses führt und jenen gewidmet ist, die es täglich am Laufen halten. In der Passage, einem neuen Raum für Einzelprojekte, der an das Auditorium angrenzt, folgen zwei großformatige Zeichnungsinstallationen, die das Gebäude selbst zur Vorlage nehmen und seine Oberflächen in dichte Pinselarbeiten auf Papier übersetzen. In der Mittelhalle sowie dem Eingangsbereich tritt eine Serie kleiner Aluminiumskulpturen aus den Ecken und Ritzen der Marmorpfeiler hervor, inspiriert von den Fossilien im Saalburger Marmor. Das Material sollte der
Mittelhalle Erhabenheit verleihen, während sie in den 1930er Jahren für nationalsozialistische Propaganda genutzt wurde. Irgendwo zwischen Gesicht und organischem Wuchs wirken die Skulpturen wie ein leises Aufbegehren im monumentalen Innenraum. Begleitend zur Arbeit erscheint ein eigens produziertes Künstler*innenbuch, das die aufgespürten Details des Hauses zum Mitnehmen festhält und in der Buchhandlung Walther König im Haus der Kunst zu finden ist.

Credit
Maria VMier
Foto: Estefanía Landesmann

Xue Tan, Leiterin Programm und Ausstellungen, Chefkuratorin: „Es ist außergewöhnlich, wie tief Maria VMier in die unbekannten Geschichten der Institution eintaucht – einerseits, indem sie den Menschen Anerkennung zollt, die sie tragen, und andererseits, indem sie ihren unausgesprochenen Geschichten eine Stimme verleiht. VMiers Arbeit eröffnet unerwartete Zugänge zur Geschichte des Haus der Kunst und offenbart die Institution als einen lebendigen, vielschichtigen Organismus.“
Kuratiert von Xue Tan.
Das Auftragsprojekt von Maria VMier wird großzügig unterstützt von Sabine und Thomas Bachmaier.

Tao Schirrmachers Sammlung. Eisbach Treasures
26.6.26 – 7.2.27 | Archiv Galerie
„Da unten ist eine völlig andere Welt. Während oben das Chaos der Welle tobt,
liegen am Grund die stillen Zeugen der Stadtgeschichte.“ – Tao Schirrmacher
Seit 2008 taucht Tao Schirrmacher, Europameister im Flusssurfen, auf den Grund des Münchner Eisbachs hinab und holt an die Oberfläche, was Menschen dort verloren haben. Begonnen hat alles mit einem einzelnen Goldring. Über die Jahre ist daraus eine umfangreiche Sammlung von Fundstücken gewachsen: Schmuck, Autoschlüssel, Uhren, Devotionalien, Papiere, Werkzeuge, Telefone, Kameras und vieles mehr. So unterschiedlich die Funde sind, so verschieden sind die Geschichten, die sie mit sich bringen. Doch wem haben diese Dinge einmal gehört, bevor sie im Eisbach landeten? Manche scheinen versunken und vergessen, andere geben einen Hinweis auf ihre Vergangenheit – wie zwei Eheringe, die durch gleiche Details und Gravur offensichtlich zusammengehören. Ihre Geschichte aber erzählen die Funde nie ganz zu Ende.

Tao Schirrmacher. Foto: Matthias Springer Tao

Bedeutsam werden diese Dinge nicht durch ihren materiellen Wert, sondern durch das, was in ihnen mitschwingt – Erinnerungen und Verbindungen zu Menschen, Orten und besonderen Momenten. Schirrmachers Sammlung, die er 2008 „Lost and Drowned“ taufte, entstand aus dem Wunsch, den
Objekten ihre Geschichten zurückzugeben oder neue über sie zu erzählen. „Eisbach Treasures“ schafft damit Verbindungen zwischen dem Haus der Kunst, dem Eisbach und dem Englischen Garten. Gezeigt wird „Eisbach Treasures“ in der Archiv Galerie, jenem zentral gelegenen Ausstellungsraum, der das sichtbare Gedächtnis der komplexen Geschichte des Haus der Kunst bildet.

Tao Schirrmacher. Foto: Matthias Springer

Seit Mitte der 1990er-Jahre gehört die Befragung von Architektur und Erbe zum Programm des Hauses,
Künstler*innen, die hier ausstellen, greifen aktiv in diese Auseinandersetzung ein. In der Galerie haben über die Jahre unabhängige und subkulturelle Archive ihren Ort gefunden, vom Forum Queeres Archiv München bis zum Plattenlabel Trikont. So widmet sich die Galerie gerade jenen Sammlungen, die unter dem Nationalsozialismus nicht existieren hätten können. In diesem Raum lässt Schirrmachers Sammlung das Gedächtnis der Stadt und das des Hauses für einen Moment nebeneinandertreten.

Tao Schirrmacher. Foto Rainer Tögel

Sabine Brantl, Leitung Archiv, Kuratorin der Ausstellung: „Tao Schirrmachers Sammlung eröffnet einen ungewöhnlichen Blick auf die Stadt und ihre Menschen, erzählt durch die Dinge, die über die Zeit hinweg auf dem Grund des Eisbachs lagen. In einem der bekanntesten Gewässer Münchens, unweit des Haus der Kunst, ist so ein verborgenes Archiv entstanden, das Spuren und Zeugnisse urbanen Lebens bewahrt. Die Ausstellung bringt diese Zeugnisse ans Licht und zeigt, was die Stadt längst verloren glaubte.“
Kuratiert von Sabine Brantl.

The post München: Maria VMier und Tao Schirrmachers – Haus der Kunst und Eisbach first appeared on Das FotoPortal.

Tokyo Colours by night XX (c) NISCHKE

Die Technik der Handkolorierung entstand kurz nach der Erfindung der chem. Fotografie (1826 – die 1. Heliographie vor 200 Jahren in Frankreich), wurde jedoch in Japan erst ab den 1860er-Jahren wirklich relevant und mit dem Aufkommen echter Farbverfahren ab zirka 1910 nach und nach verdrängt.

Tokyo Colours vibes II (c) NISCHKE

Die klassische Handkolorierung von schwarzweißen Fotografien fand damals – in luxuriösen Souvenir-Alben verpackt – viele Liebhaber. Die Motive spiegelten oft ein idealisiertes Bild des „alten Japan“ wider. Landschaften und berühmte Orte, Szenen des täglichen Lebens sowie bekannte Bauwerke und Tempel waren sehr beliebt.

Tokyo Tower vibes by night II (c) NISCHKE

Graves of the martyrs Nikko (c) NISCHKE

Heute nutzt Michael Nischke diese besondere Kombination aus fotografischer Genauigkeit und malerischer Interpretation für seine auf vielen Reisen in Japan in den Jahren 2019 bis 2025 entstandenen Motive. Dabei setzt er transparente Wasserfarben (Lasuren) ein und erzeugt so eine Art Holzschnitt-Ästhetik (Ukiyo-e). Das Besondere: Seine aktuelle Motivauswahl, die einen vielfältigen Einblick in das Leben und die Kultur Japans bietet. Die Verwendung von speziellem Papier mit einer silbrig-glänzenden Beschichtung verleiht den Farben zudem eine einmalige Transparenz und Leichtigkeit. So entstehen mit dieser traditionelle Technik einmalige, magische Unikate: Jedes Bild ist unverwechselbar.

Kanazawa Kenrokuen Garden O-Hanami II (c) NISCHKE

Daneben nutzt Michael Nischke den Pigmentdruck auf Aluminium für einzelne, ausgewählte und ebenfalls handkolorierte Motive, die als Editionen aufgelegt sind. Schließlich runden klassische Schwarzweiß- Fotografien die sehr umfangreiche, vielfältige Ausstellung von Naturszenen und urbanen Motiven aus Japan ab.

Tokyo Colours vibes by night (c) NISCHKE

Der Titel der Ausstellung – YELLOW LINE (KIIROI SEN) entstammt einer sich ständig wiederholenden Ansagein den JR Bahnhöfen von Tokyo, die vollständig heißt: „Please stand behind the yellow line“. Dieser Satz hat sich bei Michael Nischke so sehr in sein Gedächtnis gedrängt, dass er sogar nachts davon im Traum verfolgt wurde. Diese Anweisung und die dazugehörige gelbe Linie sind extrem typisch für Japan.

Shiodome II JC (c) NISCHKE

Tatsächlich gilt Japan als Pionier dieses Sicherheitssystems. Die gelben, texturierten Linien (offiziell Tenji Blocks oder taktile Leitsysteme genannt) wurden 1965 in Japan von Seiichi Miyake erfunden. Er wollte damit seinem sehbehinderten Freund helfen, sich sicher an Bahnsteigen und auf Straßen zu bewegen. Japan war das erste Land, das diese Markierungen flächendeckend installierte. Dort ist es ein fester kultureller Standard, sich strikt an diese Linien zu halten. Was im symbolischen Sinne so auch für alle anderen gesellschaftlichen Linien gilt, die in diesem Land das Zusammenleben regeln.

Galerie arToxin
Kirchenstraße 23
München

The post Galerie arToxin München: Miichael Nischke – Yellow Line first appeared on Das FotoPortal.

Die jüngste Ausgabe der Leitz Photographica Auction hat erneut gezeigt, welche wirtschaftliche Bedeutung seltene Kameras und fotografische Sammlerstücke inzwischen besitzen. Die Versteigerungsergebnisse einiger Leica-Modelle, lagen deutlich über den Erwartungen.

Die Leica MP-33 erzielte 600.000 Euro.

Den höchsten Zuschlag erhielt eine Leica MP-33 aus dem Jahr 1957. Das für die Reportagefotografie entwickelte Modell wechselte für 600.000 Euro inklusive Aufgeld den Besitzer. Von der Leica MP wurden insgesamt lediglich 402 Exemplare gefertigt, darunter nur 141 Kameras in schwarzer Lackierung. Die nun versteigerte Kamera wurde ursprünglich nach Schweden ausgeliefert und zusammen mit passendem Leicavit-Schnellaufzug sowie einem Summicron-Objektiv angeboten.

Fast ebenso hoch fiel das Ergebnis für den Leica Ig Prototyp mit der Seriennummer 750000 aus. Das Vorserienmodell der Schraubgewinde-Kameras erzielte 540.000 Euro. Für Sammler besitzt das Einzelstück nicht nur wegen seiner konstruktiven Besonderheiten Bedeutung. Auch die markante Seriennummer trägt zur Attraktivität des Prototyps bei.

Der Leica Ig-Prototyp-Nr.-750000 kamm für 540.000 Euro unter den Hammer.

Für die größte Überraschung der Auktion sorgte jedoch eine Leica IIIb in schwarzer Lackierung aus dem Jahr 1938. Das Modell erzielte 312.000 Euro und lag damit nahezu beim Zehnfachen des zuvor angesetzten Schätzwertes. Nach Archivunterlagen wurden lediglich fünf Exemplare dieser Ausführung produziert und in die USA ausgeliefert. Die extreme Seltenheit erklärt die starke Nachfrage unter internationalen Bietern.

Die-Leica IIIb Back-Paint mit der Seriennummer 295302 erzielte einen Auktionspreis von 312.000 Euro.

Bemerkenswert entwickelte sich auch die Nachfrage nach jüngeren Sondereditionen. Sogar Kameras, die innerhalb der letzten zehn Jahre produziert wurden, können eine hohe Nachfrage generieren. Dies stellten unter anderem das Leica M6 Black Paint ‚Leitz Auction‘ Set und die Leica M Edition 70 unter Beweis. Als Teil einer auf 20 Stück limitierten Edition, kostete das Set in seinem Erscheinungsjahr (2023) 25.980 Euro und erzielte nun bereits 48.000 Euro inklusive Premium. Die Leica M Edition 70 (2024) übertraf mit einem Erlös von 36.000 Euro inklusive Premium ihren ursprünglichen Verkaufspreis von 22.500 Euro deutlich.

Leica M6 Black Paint „Leitz-Auction-Set“ erzielte weit mehr als den Schätzwerts.

Als noch begehrter erwies sich das Leica MP 10323 ‚Meister Edition Berlin‘ Outfit. 2017 anlässlich des 10 jährigen Jubiläums des Leica Stores Berlin in einer Edition von zehn Stück aufgelegt, hatte das Outfit seinen Schätzwert von 26.000 bis 30.000 Euro bereits bei den Vorgeboten deutlich übertroffen und wurde letztlich um 132.000 Euro inklusive Premium versteigert. Ebenso konnten auch andere limitierte Modelle der vergangenen deutliche Wertsteigerungen verzeichnen.

Auch moderne Raritäten wie die Leica-MP-10323 der Meister Edition Berlin erzielten unerwartet hohe Preise.

Alexander Sedlak, Geschäftsführer der Leitz Photographica Auction, sieht darin eine Bestätigung der Entwicklung des Sammlermarktes. Die Nachfrage nach historischen Kameras und Zubehör bleibe auf hohem Niveau. Gleichzeitig steige das Interesse an seltenen Sondereditionen jüngerer Baujahre.

Alexander Sedlak, Geschäftsführer der Leitz Photographica Auction.

Aus wirtschaftlicher Sicht verdeutlichen die Ergebnisse die zunehmende Rolle hochwertiger Sammlerobjekte als alternative Anlageklasse. Während klassische Finanzmärkte Schwankungen unterliegen, profitieren außergewöhnlich seltene Kameras von ihrer begrenzten Verfügbarkeit und ihrer historischen Bedeutung. Allerdings bleibt dieser Markt stark von Emotionen, Sammlerleidenschaft und individueller Zahlungsbereitschaft geprägt.

Neben den hochpreisigen Losen wurde auch ein Prototyp der Leica M10-P Safari für einen guten Zweck versteigert. Die Kamera erzielte 16.000 Euro. Der Erlös geht an die österreichische Hilfsorganisation „Licht ins Dunkel“.

Wurde für 16. 000 Euro für einen guten Zweck, versteigert: der Prototyp der Leica M10-P-Safari.

Weitere Auktionen sind bereits geplant. Im Oktober findet die Fotografie-Auktion „Perspectives“ in Wien statt. Ende November folgt die 49. Leitz Photographica Auction erneut in Wetzlar.

Fazit

Die Ergebnisse der Auktion unterstreichen die anhaltende Bedeutung seltener Kameras als Sammelobjekte mit internationaler Nachfrage. Für passionierte Sammler stehen dabei häufig nicht technische Eigenschaften im Vordergrund, sondern historische Einordnung, Provenienz, Produktionszahlen und die Geschichte einzelner Exemplare. Gerade Prototypen und seltene Sonderausführungen entwickeln sich dadurch zu Kulturgütern der Fotografiegeschichte.

Gleichzeitig werfen Versteigerungsergebnisse im sechsstelligen Bereich auch gesellschaftliche Fragen auf. Wenn für einzelne Kameras Summen ausgegeben werden, die weit über den finanziellen Möglichkeiten vieler Menschen liegen, stellt sich zwangsläufig die Frage nach Maßstäben, Haltung und Verantwortung im Umgang mit Wohlstand. Der Sammlerwert solcher Objekte ist unbestritten. Ob der Einsatz derart hoher Beträge für fotografische Raritäten in einer Zeit vielfältiger gesellschaftlicher Herausforderungen angemessen erscheint, bleibt jedoch eine Frage persönlicher Prioritäten.

Die wichtigsten Versteigerungsergebnisse:

Leica MP-33: 600.000 Euro

Leica Ig Prototyp Nr. 750000: 540.000 Euro

Leica IIIb Black Paint:  312.000 Euro

Leica MP 10323 „Meister Edition Berlin“ Outfit: 132.000 Euro

Leica M6 Black Paint „Leitz Auction“ Set: 48.000 Euro

Leica M Edition 70: 36.000 Euro

Leica M10-P Safari Prototyp: 16.000 Euro

The post Leica-Raritäten erzielen sechsstellige Summen first appeared on Das FotoPortal.

Rollei Fotolinder Ocean Bag L

Die neue Fotoliner Ocean Rolltop Bag L richtet sich an Anwenderinnen und Anwender, die ihre Ausrüstung je nach Einsatzumfang unterschiedlich transportieren möchten. Das bereits von Rollei-Rucksäcken bekannte Rolltop-System ermöglicht eine Anpassung des Taschenvolumens. Im eingerollten Zustand misst die Tasche 30 x 43 x 16 Zentimeter, ausgeklappt vergrößert sich die Höhe auf 43 Zentimeter. Im Hauptfach sorgen variable Trennwände für eine individuelle Organisation der Ausrüstung. Hinzu kommen separate Fächer für Speicherkarten, Tablet, Smartphone und Powerbank.

Innenaufteilung des Rollei Fotoliner Ocean L.

Für klassische Fotoausrüstungen bietet Rollei die Modelle Fotoliner Ocean Bag M und Fotoliner Ocean Bag L an. Die kleinere Variante ist für eine Kamera mit Objektiv und weiteres Zubehör ausgelegt. Die größere Ausführung nimmt zusätzlich weitere Objektive und umfangreicheres Zubehör auf. Beide Taschen verfügen über flexibel anpassbare Innenfächer sowie separate Aufbewahrungsmöglichkeiten für mobile Geräte und Speichermedien.

Rollei Fotoliner Ocean Bag M.

Als kompakte Lösung ergänzt die Fotoliner Ocean Pocket Bag das Sortiment. Sie eignet sich für Kompaktkameras und Zubehör und kann dank ihrer Befestigungsgurte auch an Rucksäcken oder Gürteln angebracht werden. Damit richtet sie sich insbesondere an Reisende und Personen, die mit möglichst wenig Gepäck unterwegs sind.

Gemeinsam ist allen vier Modellen die Verwendung von recyceltem Kunststoff als Basismaterial. Das Gewebe ist wasser- und schmutzabweisend ausgeführt. Wasserdichte Reißverschlüsse sowie mitgelieferte Regenhüllen sollen die Ausrüstung zusätzlich vor Witterungseinflüssen schützen.

Fotoliner Ocean Pocket.

Zur Ausstattung gehören außerdem seitliche Kabeldurchführungen, Befestigungsmöglichkeiten für weiteres Equipment sowie gepolsterte Innenflächen. Verstellbare Gurte erlauben den Einsatz als Schulter-, Umhänge- oder Bauchtasche und erweitern die Einsatzmöglichkeiten im Alltag, auf Reisen oder bei Fotoaufträgen.

Die neuen Taschen der Fotoliner-Ocean-Serie sind ab sofort erhältlich.

Fazit

Mit den vier neuen Modellen deckt Rollei unterschiedliche Transportanforderungen innerhalb einer Produktfamilie ab. Besonders die Fotoliner Ocean Rolltop Bag L hebt sich durch ihr variables Rolltop-Konzept von klassischen Kamerataschen ab. Die Kombination aus flexibler Innenaufteilung, mehreren Tragevarianten und der Verwendung recycelter Materialien zeigt, dass die Serie sowohl auf praktische Anforderungen im Fotoalltag als auch auf nachhaltigere Materialkonzepte ausgerichtet ist.

Preise:

Fotoliner Ocean Rolltop Bag L: ca. 70 Euro
Fotoliner Ocean Bag M: ca. 40 Euro
Fotoliner Ocean Bag L: ca. 50 Euro
Fotoliner Ocean Pocket Bag: ca. 15 Euro

The post Rollei Fotoliner Ocean: Vier neue Kamerataschen für unterschiedliche Ausrüstungsgrößen first appeared on Das FotoPortal.