Fotoausstellungen

WINNER: WORLD PRESS PHOTO OF THE YEAR 
2020 Photo Contest, World Press Photo of the Year 
Title: Straight Voice 
©Yasuyoshi Chiba, Agence France-Presse 

 „Straight Voice“ heißt das diesjährige Gewinnerbild des japanischen Agence France-Presse Fotografen Yasuyoshi Chiba. Es zeigt einen jungen Aktivisten im Sudan, der bei einer Protestkundgebung gegen die Militärregierung am 19. Juni 2019 ein Gedicht rezitiert. Aufgenommen während eines Stromausfalls wird die Szene von den Mobiltelefonen der Demonstrant_innen beleuchtet. Die Armee hatte das Internet blockiert und absichtlich Stromausfälle produziert, um die Aufständischen zu zerstreuen. „Es war der einzige friedliche Protestmoment, den ich während meines Aufenthalts erlebt habe. Ihr ungebrochener Zusammenhalt fühlte sich an wie eine Glut, die jeden Moment wieder aufflammen kann“, sagt Chiba zu seinem Foto. 

2020 Photo Contest, World Press Photo of the Year
Nominee and Contemporary Issues, Singles, 1st Prize 
Nothing Personal - the Back Office of War 
©Nikita Teryoshin 

Ein Geschäftsmann sperrt am Ende eines Ausstellungstages auf der Internationalen Verteidigungsausstellung und -konferenz (IDEX) in Abu Dhabi, Vereinigte Arabische Emirate, zwei Panzerabwehrgranatenwerfer weg.

2020 Photo Contest, World Press Photo Story of the Year
Nominee and General News, Stories, 1st Prize 
Hong Kong Unrest 
©Nicolas Asfouri, Agence France-Presse 

Die Schüler in Hongkong auf dem Schulweg, nachdem sie an einer Kundgebung der Menschenkette teilgenommen haben. Die Proteste begannen Ende März in Hongkong als Reaktion auf Regierungsvorschläge zur Änderung bestehender Rechtsvorschriften und zur Auslieferung an das chinesische Festland. Anti-Regierungs-Demonstrationen nahmen in den folgenden Wochen Fahrt auf, als sich demokratiefreundliche Gruppen zusammenschlossen und Studenten eine große Rolle bei Protesten und Kundgebungen der Menschenkette spielten. 

2020 Photo Contest, Contemporary Issues, Stories, 2nd Prize
The Tigers Next Door 
© Steve Winter for National Geographic 

Kevin Antle posiert mit seinen Mitarbeitern in einem Schwimmbad, das sie in einer Tigershow in South Carolina, USA, benutzen. Touristen zahlen ab 399 US-Dollar pro Stück, um an einer morgendlichen Tour teilzunehmen, bei der sie spielen und mit Jungen fotografiert werden.

THIS IS LONDON, 2019
© David Drebin / Courtesy of CAMERA WORK

Die Austellung "15 Years – Collected Dreams" umfasst mehr als 15 großformatige Fotografien, darunter selten ausgestellte Hauptwerke wie »Movie Star« und »Dreams of Central Park«, neue Arbeiten und spektakuläre Lightboxes. Anlässlich der Ausstellung erscheint das Fotobuch »Collectors Edition« (teNeues).

ME AND ME, 2008
© David Drebin / Courtesy of CAMERA WORK

Seit 15 Jahren wird David Drebin von der Galerie CAMERA WORK vertreten. In dieser Zeit hat er sich zu einem einflussreichen und bedeutenden zeitgenössischen Fotokünstler entwickelt. In der Ausstellung, die Drebins künstlerische Entwicklung der letzten 15 Jahre anhand ausgewählter Hauptwerke nachzeichnet, können die Besucherinnen und Besucher einen Einblick in das Schaffenswerk des Künstlers erhalten.

ILOVEYOU WITH GIRL, 2006
© David Drebin / Courtesy of CAMERA WORK

David Drebins Leitmotiv ist die Darstellung der Frau in Verbindung mit Sehnsüchten, Fantasien und ihrer Beziehung zur Großstadt. Unnahbar, unerreichbar und zugleich unwiderstehlich umgibt die Frauen in den Fotografien eine aufregend-reizvolle Atmosphäre. Zum Voyeur werdend, genießt der Betrachter einen Blick in Apartments und Stadtszenerien, in denen glamouröse Frauen geheimnisvoll inszeniert sind. Dabei lässt Drebin den Betrachter an Sehnsüchten, Träumen und Hoffnungen der Frauen teilhaben. So gelingen dem Künstler Szenerien voll ergreifender Intimität und Nähe, die Humor, Liebe, Erotik, Einsamkeit und Melancholie miteinander kombinieren. David Drebins cineastische Bildsprache spiegelt sich auch in seinen epochalen Panoramen wider. Von New York und Los Angeles bis Paris, London und Hongkong: Die Großstadtpanoramen, in ihrem Format eine Hommage an das Kino Hollywoods, bilden mit den imposanten Häuserdschungeln eine nahezu unendliche Projektionsfläche für die Vielfalt an Verführungen und die Einsamkeit des Individuums im Umgang mit seinen Gedanken und Sehnsüchten. Dabei wird für den Betrachter auch die moderne Erhabenheit im Form der Großstadt erlebbar.

DREAMS OF HONG KONG, 2009
© David Drebin / Courtesy of CAMERA WORK

David Drebin

David Drebin (geb. 1970) verbrachte seine Kindheit in Toronto, bevor er für sein Studium an der Parsons The New School for Design nach New York zog. Nach seinem erfolgreichen Abschluss 1996 erlangte er schnell eine hohe Reputation als internationaler Werbe- und Modefotograf. Bereits 2005 hatte David Drebin seine erste Einzelausstellung bei CAMERA WORK. Eine Auswahl seiner Bilder erschien 2007 in der Monografie »Love And Other Stories«, es folgten die Bildbände »The Morning After« (2010), »Beautiful Disasters« (2012), »Chasing Paradise« (2015), »Dreamscapes« (2016), »Love & Lights« (2017), »Before They Were Famous« (2019) und »Collectors Edition« (2020) im teNeues Verlag. Heute zählt David Drebin mit seiner bekannten Bildsprache zu den einflussreichsten Künstlern im Bereich der zeitgenössischen Fotografie. Auf dem internationalen Fotokunstmarkt werden für seine Werke in Ausstellungen, auf Kunstmessen und auf Auktionen Preise von bis zu 100.000 € erzielt. Der Künstler lebt in New York.

Camera Work, Kantstraße 149, Berlin

Copyright René Groebli, Courtesy in focus Galerie, Köln

Großen Einfluss auf das frühe fotografische Werk René Groeblis hatte sein Freund, der bekannte Schweizer Fotograf Robert Frank. Die Subjektivität in Robert Franks Werk beschäftigte René Groebli und führte ihn hin zu seiner eigenen subjektiv-poetischen Bildsprache. Groebli wollte fotografieren, was nicht greifbar ist: Bewegung, Dynamik und Geschwindigkeit - wie bei „Magie der Schiene", einem wegweisenden Fotoessay, welches 1949 entstand und in einem Zusammenspiel von Rauch, Geruch, Landschaft, Romantik und Stimmung die französische Dampfeisenbahn als Symbol der Kraft versinnbildlicht hat und Gefühle - wie bei „Das Auge der Liebe", ein fotografisches Liebesgedicht, ein Werk voll zeitloser Poesie, welches 1953 entstand.

Copyright René Groebli, Courtesy in focus Galerie, Köln

Die Bilder bestechen durch die Schönheit der Bewegungen, das Spiel mit der Silhouette, dem gedämpften Licht, den tiefen Schatten, dem Kontrast von Schärfe und Unschärfe, dem Verhüllen und Enthüllen. Sie leben von der Andeutung und der Assoziation. Man erblickt Stillleben, ein Interieur des Hotelzimmers, einen Blick aus dem Fenster, gar eine Szene im benachbarten Cafe - aber im Mittelpunkt steht etwas, das der Fotograf mit den Augen der Liebe betrachtet: seine Frau Rita.

Copyright René Groebli, Courtesy in focus Galerie, Köln

Auch der Fotograf Edward Steichen, damals bereits Kurator am Museum of Modern Art (MoMA) in New York, war beeindruckt von der Serie „Das Auge der Liebe", welche 1954 als kleines Buch in einer Auflage von 1000 Stück erschien. Zusammen mit Robert Frank kam Edward Steichen 1953 nach Zürich, um für sein großes Ausstellungsprojekt „The Family of Man" zu recherchieren. Steichen besuchte den damals 26- jährigen Fotografen Groebli, dessen sitzender Akt aus der vorliegenden Serie er sogleich für die renommierte fotografische Sammlung des MoMA erwarb. Außerdem wählte er ein Foto einer Tanzszene für die Ausstellung „The Family of Man" aus.

Die perfekte Beherrschung der fotografischen Technik, gepaart mit einer enorm starken künstlerischen Energie haben René Groebli zu einem wahren Meister der Fotografie gemacht. Stilbildend hat er die Fotografie von heute beeinflusst.

Weststrand - Mecklenburg-Vorpommern von einer seiner schönsten Seiten.

 © Timm Allrich - Partner Zeiss

Eine Augenweide wird die Ausstellung in Zingst werden, die inspirierend vor allem eines vermittelt: Die Freude an kreativer Fotografie. In dieser Bilderschau wird sichtbar, was die Fotografie zu leisten vermag. Die Bilder sprechen in unterschiedlicher Weise Emotionen an und bleiben damit geradezu unauslöschlich in der Erinnerung. Es sind besondere Könner mit der Kamera, die diese Bilder gemacht haben.

Mit Phantasie lassen sich in den flüchtigen Formen der Wellenbilder
Tiere und Landschaften entdecken.

© Ray Collins Partner: Epson

Life on the Edge. Detailaufnahme des Rio Tinto in Spanien.

© Mark James Ford
Partner: Sigma

Zusammengestellt wurde die Ausstellung von Fachleuten aus der Fotoindustrie und von Medien-Machern. In der Summe ist es das Bekenntnis einer Branche zum besseren Bild. Mit den Marken, die hier vertreten sind, verbinden sich zeitgemäße Fototechnik und Produkte, ohne die fotografische Abbildungen auf dem hier gezeigten Niveau nicht machbar wären.

Auf Futtersuche. Eine Eisbärenmutter und ihr Junges erscheinen im hellen Schein-
werferlicht des „Polarsterns“. Sie sehen sich die Flaggen und die Ausrüstung auf der Eisscholle an. Mit diesem Foto hat die Fotografin Esther Horvarth 2020 den World Press Photo Award gewonnen.

© Esther Horvath Partner: Geo-Magazin

© Tanja Brandt - Partner Nikon

Besondere Bewunderung verdienen die Fotografinnen und Fotografen, die mit ihren Bildern die Augen der Betrachter auf Motive lenken, die ohne die großartige kreative Leistung im Verborgenen blieben. Diese Bilderschau soll eine Augenweide sein – voller visueller Überraschungen, bewegender Eindrücke und der Vermittlung nachhaltiger Erkenntnisse.

Reiss-Engelhorn-Museen, Forum Internationaale Photographie, Museum Zeughaus C5, Mannheim

Nico Jana Weber, tropic Telecom, Film Still, VG Bild-Kunst, Bonn 2020

In verschiedenen künstlerischen Medien verhandelt Nico Jana Weber die ästhetischen und politischen Prägungen von Architektur und Landschaft in transkulturellen Kontexten. Bei Webers Arbeit Tropic Telecom ist der Protagonist der Videoinstallation ein Albino-Alligator, der die Betrachter durch Orte französischer Kolonial- und Migrationsgeschichte sowie ab 1970 entstandene Großsiedlungen am Stadtrand von Paris führt. Die 3D-Animation des Alligators wurde in Kooperation mit dem DNEG Greenlight Trainee Programme, London entwickelt. Eingebettet wird das Video in eine eigens geschaffene Rauminstallation, für die Weber präzise bildhauerische Setzungen vornimmt. Die verwendeten Materialien und Formen greifen Motive von Art Déco-Architektur im Geiste des Exotismus ebenso auf wie Elemente brutalistischer und postmoderner Bauten. So entsteht ein konzeptuell dichtes und zugleich luftig assoziatives Gefüge aus Referenzen und neu geschaffenen Bildern, die das gegenwärtige Paris in seiner hybriden postkolonialen Realität reflektieren.

Nico Jana Weber, tropic Telecom, Film Still, VG Bild-Kunst, Bonn 2020

Seit seiner Neukonzipierung im Jahr 2009 ist der Bonner Kunstpreis, der alle 2 Jahre vergeben wird, an ein drei- bis sechsmonatiges Arbeitsstipendium in einer frei wählbaren europäischen Metropole gekoppelt. Seit 2019 wird das Stipendium von Dr. Stephanie und Wolfgang Bohn mit einer Summe von 10.000 Euro unterstützt. Zusätzlich stiftet das Ehepaar Bohn weitere 5.000 Euro, um einen Ankauf aus der Bonner Kunstpreis-Ausstellung für die Sammlung des Kunstmuseum Bonn zu ermöglichen.

Kuratorin der Ausstellung: Dr. Barbara J. Scheuermann

Kunstmuseum Bonn, Helmut-Kohl-Allee 2, Bonn

Yi Sun ist in China geboren und seit vielen Jahren in England zu Hause. Er ist ein Multitalent mit einer seltenen Karriere-Kombination als Wissenschaftler und Künstler. Im Jahr 2009 ergatterte er einen hoch begehrten Stipendien-Platz an der Universität Cambridge und machte dort seinen Ph.D. in Biowissenschaften. Heute leitet er seine eigene Forschungsgruppe an der Universität Birmingham, um neue Therapien für Herz-Kreislauf-Erkrankungen zu entwickeln.

Schon in jungen Jahren fühlte Yi sich zu den visuellen Künsten hingezogen, was ihn – zusammen mit seiner Liebe für die Natur motivierte, Luftbildfotograf zu werden. Sein Vorgehen ist dabei akademisch und analytisch, mit dem Sinn eines Künstlers für Romantik. Stets strebt er nach der besten Komposition und scheut sich dabei nicht, kräftige Farben einzusetzen, um beim Betrachter tiefe Emotionen zu erwecken. Sein Fokus liegt dabei zum einen auf der ungezähmten, unverfälschten Wildnis, anderseits auf dem menschlichen Einfluss auf diesen Planeten. Indem er atemberaubende fotografische Werke schafft, möchte er das Bewusstsein für vernachlässigte Umweltfragen schärfen und die Liebe für unseren schönen, aber zerbrechlichen Planeten stimulieren.

Die meisten seiner Bilder nimmt er aus kleinen Flugzeugen oder Hubschraubern mit offenen oder gar keinen Türen heraus auf. Sein Markenzeichen sind Fotos, die gerade nach unten aufgenommen werden, während die Maschine akrobatische Flugmanöver absolviert. Dies erfordert es, innerhalb von Sekundenbruchteilen Bildkompositionen zu entwerfen und aufzunehmen. Yi konzentriert sich darauf, wirklich einmalige Bilder zu schaffen. Der Einfluss moderner, abstrakter Kunst führt ihn zu einfachen, kräftigen Kompositionen und Farben. So sehen seine Kunstwerke oft wie moderne, abstrakte Gemälde aus.

Durch viele Jahre disziplinierter Selbstreflektion ist Yi zu einem international anerkannten Fotografen geworden, der etliche renommierte Fotografie-Auszeichnungen gewonnen hat. Seine fotografische Reise hat ihn bislang in über 30 Länder geführt, zu rauen Wüsten, riesigen Ozeanen, stillen Seen, schlängelnden Flüssen, fremdartigen Vulkanmassiven, farbprächtigen Regenwäldern und imposanten Gletschern.

Die Taunus Foto Galerie arbeitet in enger Kooperation mit www.boshamgallery.com, einer ähnlichen Galerie mit langjähriger Erfahrung in England. In der Galerie findet sich die Gelegenheit, Original-Abzüge in allerbester Qualität von Werken bekannter Fotografen hautnah zu erleben. Wie bei klassischen Kunstwerken ist das tatsächliche Erleben um ein Vielfaches besser als jeder Screenshot.

Taunus Foto Galerie, Audenstr.6, Bad Homburg 

Foto: Thomas Damm

EIne der größten Katastrophen des letzten Jahrhunderts waren de Atombombenabwürfe auf die japanischen Städte Hiroshima und Nagasaki. Am 6. August jährt sich der Tag des Atombombenabwurfs auf Hannovers Partnerstadt Hiroshima zum 75. Mal.
Die Bilanz des ersten Einsatzes einer Atombombe war verheerend. Der Feuerball mit einer Temperatur von 6000 Grad Celsius verbrannte alles. 100.000 Menschen starben unmittelbar, weiter 130.000 bis Ende 1945 an den Folgeschäden, viele weitere in den Jahren danach. 

Foto: Thomas Damm

Während den unmittelbaren Opfern des Atombombenabwurfs auf Hiroshima  noch immer in der Öffentlichkeit gedacht wird, sind die Opfer des »Schwarzen Regens«, als solchen bezeichnet man den radioaktiven Niederschlag, weitgehend unbeachtet. Viele von ihnen werden sogar Opfer von Diskriminierung und verheimlichen deshalb aus Angst davor Hibakusha zu sein. 
 
Fotograf Thomas Damm hat zahlreich Hibakusha während zwei Aufenthalten in Japan besucht, mit ihnen gesprochen und sie fotografiert. Seine dichten und intensiven Portraits sollen den vergessenen Opfern von Hiroshima ein Gesicht geben.
Thomas Damm, geb. 1984 in Gießen, hat Fotojournalismus und Dokumentarfotografie an der Hochschule Hannover studiert und 2016 mit dem Bachelor of Arts abgeschlossen. Zuvor hat er von 2005 bis 2008 Politik, Philosophie und Soziologie an der Justus-Liebig-Universität Gießen studiert und 2013 ein Auslandssemester Visual Communication an der Hiroshima City University absolviert. Dort erhielt er für »Black Rain Hibakusha« den Hiroshima City University Student Award.

Foto: Thomas Damm

 
Die Ausstellung in der GAF ist umrahmt von einer Kunstausstellung in der Weißen Halle, einem Tanztheaterstück der Commedia Futura, zwei Filmvorführungen in der Eisfabrik und einer szenischen Lesung in der Aegidienkirche.

Galerie für Fotografie Hannover (GAF), Eisfabrik, Seilerstraße 15d, Hannover 

Astrid Klein 
Eine Frau muß geliebt werden…
1978
Fotoarbeit, 181 x 140 cm
Seit 2019 Michael & Eleonore Stoffel Stiftung in den Bayerischen Staatsgemäldesammlungen, München
Foto: Sprüth Magers
© Astrid Klein

Peter Lebeda formt aus Plastikverpackungen geheimnisvolle Tiefsee-Wesen, die mit Hilfe von Lichteffekten eine ganz eigene Kraft erzeugen. Die Arbeit thematisiert den gedankenlosen Konsum von Plastik als Verpackungsmaterial, der die Natur und die Menschheit durch die Vermüllung der Ozeane in eine Katastrophe treibt. Der fotografische Ansatz ist dabei nicht dokumentarisch, sondern Lebeda inszeniert seinen eigenen Plastikmüll im Fotostudio und benutzt dabei gelernte Bildwelten.

Mit polarisiertem Licht fotografiert, werden aus Plastikverpackungen geheimnisvolle Tiefsee-Wesen, die im Scheinwerferkegel eines Tauchboots erscheinen. Zeitlos treiben sie im ewigen Dunkel der Tiefsee. Kein Ort, kein Standpunkt, der uns hilft, sie zu bestimmen. Eine apokalyptische Vision oder Realität? Ein großer Anteil des Plastikmülls landet in den Ozeanen unserer Welt. 

Laut aktuellen Schätzungen haben sich dort allein am Meeresboden etwa 80 Millionen Tonnen Plastikmüll angesammelt. Der Fotograf arbeitet ausschließlich mit den klassischen Mitteln Kamera und Licht, was Sorgfalt und Zeitaufwand erfordert. Eine nachträgliche, stark verändernde digitale Bildbearbeitung erfolgt nicht.

„Digigraphie“ beschreibt ein zertifiziertes Verfahren für den digitalen Kunstdruck. Dabei werden Fotografien unter strengen einheitlichen Produktionsstandards in limitierter Auflage gedruckt. Qualitative Inkjet-Drucktechnologie in Kombination mit hochwertigen Fotopapieren sorgen hier für größtmögliche Qualität sowie Haltbarkeit. Alle Werke der Ausstellung werden nach dem Epson Digigraphie-Standard produziert.

Im Jahre 1967 wurde  Michael Friedel (*1935) mit dem Titel „Masters of the Leica“ geehrt. Seine großen Reportagen für Quick, Stern oder GEO haben Geschichte geschrieben, oft wurden seine Bilder zu Titelseiten jener großen Magazine.

In jüngerer Zeit kaum gezeigt oder publiziert wurden seine frühen Fotografien in Schwarz-Weiß, seine gut gesehenen Straßenbilder oder überraschenden Porträts prominenter Zeitgenossen wie Sophia Loren, Elvis Presley oder Rainer Werner Fassbinder.

Es war eine Zeit, die in unserer Erinnerung verblasst, die aber in vielerlei Hinsicht die Basis ist für unsere heutige Gesellschaft, für unsere oft als selbstverständlich empfundene Freiheit, für unseren Wohlstand und unsere Wirtschaftskraft. Diese Zeit dem Vergessen zu entreißen, und das Bewusstsein für die Bedeutung dieser Phase unserer Geschichte zu stärken, das soll mit den fast 40 Fotografien versucht werden, die die Leica Galerie Nürnberg ausstellt. Und es sollen Bilder gezeigt werden, die das Werk eines großartigen Fotografen sind.

Leica Galerie Nürnberg - Obere Wörthstraße 8 - Nürnberg

Boris Becker: Saarbrücken, Burbacher Markt, 1986
© Boris Becker, VG Bild-Kunst, Bonn 2020

Die heute noch zahlreich vorzufindenden Bunkergebäude aus der Zeit des Zweiten Weltkriegs spielen für Boris Becker seit Beginn seiner künstlerischen Laufbahn eine wichtige Rolle und boten ihm Anlass zur Erarbeitung der ersten umfangreichen Serie seines Werks. Als Relikte der Vergangenheit scheinen die Bauten ihrer ursprünglichen Funktion beraubt, sind sie doch vielfach in eine neue Nutzung überführt. Dennoch ist ihr Verweis in die Geschichte stets vorhanden. Boris Becker lotet die höchst unterschiedlichen Bauformen mittels Schwarz-Weiß-Fotografie sowie auch in Farbe aus, betrachtet sie in ihrem zumeist städtebaulichen Umfeld und bildet Oberflächenstrukturen und vorgefundene Details ab.

Boris Becker: Hochbunker, Hamburg, Marckmannstraße, 1986
© Boris Becker, VG Bild-Kunst, Bonn, 2020

 Von 1984 bis 1990 schuf Boris Becker (Jg. 1961) die Reihe „Hochbunker“, die in unserer Ausstellung ausführlich vorgestellt wird. Seine ersten Bunker-Bilder entstanden noch bevor er bei Bernd Becher an der Düsseldorfer Kunstakademie zu studieren begann. Für diese Ausstellung hat der Künstler sein umfangreiches Archiv der Bunker-Aufnahmen ausführlich gesichtet und aus gegenwärtiger Perspektive reflektiert. 

 Boris Becker: Hochbunker, Bremen, Hauptbahnhof, 1986
© Boris Becker, VG Bild-Kunst, Bonn, 2020

Boris Becker arbeitete einige Male auch in Saarbrücken - ein erstes Mal im Kontext der „Hochbunker“: 1985 entstanden SW-Aufnahmen der Bunker in der Schmoller-, Breitenbacher- und Richard-Wagner-Straße. Ein Jahr darauf fertigte er eine Farbaufnahme des Bunkers am Burbacher Markt. 2014/15 nahm Boris Becker an dem Projekt „Mapping the Museum“ in der Modernen Galerie des Saarlandmuseums teil. Hierbei entstanden Bilder aus dem damals noch im Rohbau befindlichen Erweiterungsgebäude der Modernen Galerie, von denen einige nun in unserer Ausstellung zu sehen sind. 

Der Künstler kannte die „Bunker – Archéologie“ des französischen Philosophen Paul Virilio, der ein fotografisches Inventar der von den Deutschen erbauten Atlantikwall- Bunker schuf. Der Katalog der gleichnamigen Ausstellung von 1975 ist ein dokumentierendes Exponat der Ausstellung und zeigt, dass Boris Beckers „Hochbunker“ als der deutsche Beitrag zu diesem Thema mit Virilios Projekt korrespondieren. 

Die dreisprachige Publikation (dt./engl./frz.) stellt, über die Exponate der Ausstellung hinaus, den gesamten Werkkorpus der Hochbunker in über 890 Fotografien vor, die Becker sowohl mit Mittel- als auch Großformatkamera aufgenommen hat. Sie ist erschienen im Snoeck Verlag, mit Texten von Gabriele Conrath-Scholl, Roland Augustin, und einem Langgedicht von Marcel Beyer; Preis: 68 EUR. Das Buch wurde 2019 von der Photographischen Sammlung / SK Stiftung Kultur, Köln herausgegeben. 

Stiftung Saarländischer Kulturbesitz, Bismarckstraße 11-19 D Saarbrücken 

 Wolfgang Schulz, Selbstportrait, Riesweiler, 1978, Silbergelatine, Privatsammlung,
© Wolfgang Schulz

In den Jahren um 1980 erlangte die Fotografie einen neuen Stellenwert im Kunstbetrieb. Neue fotografische Herangehensweisen wurden erprobt, Museen begannen, sich für das Medium zu interessieren, erste Fotogalerien wurden gegründet, 1977 hatte die Fotografie auf der documenta ihren ersten großen Auftritt, und es wurden Zeitschriften gegründet. Ausgangspunkt der Ausstellung zu dieser spannenden Umbruchszeit ist das Magazin „FOTOGRAFIE. Zeitschrift internationaler Fotokunst“ (später „Fotografie: Kultur jetzt“), das zwischen 1977 und 1985 vierzigmal erschien und von Wolfgang Schulz herausgegeben wurde.

Heinrich Riebesehl, Schillerslage (Hannover), Okt. 78,
aus der Serie „Agrarlandschaften“, 1978, Silbergelatinepapier,
Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, © VG Bild-Kunst, Bonn 2020

Verena von Gagern, Barbara, 1978, Silbergelatinepapier,
Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, © Verena von Gagern

Das Magazin entwickelte sich schnell zu einem viel beachteten, häufig umstrittenen überregionalen Szeneblatt: ein überaus lebendiges Forum für einen weitverzweigten Aufbruch, in dem Kunstkommerz noch keine prägende Rolle spielte. Wolfgang Schulz versuchte, sich festschreibenden Normen zu entziehen und verfolgte als Redakteur der Zeitschrift wie auch als Fotograf, der ein beachtliches Werk geschaffen hat, sehr unterschiedliche Stile und Sujets. Die Zeitschrift scheint heute beinahe vollständig vergessen. Doch die Leistungen des Herausgebers und der beitragenden Autor*innen und Fotograf*innen verdienen es, genauer betrachtet zu werden. Die von ihnen gefundene Mischung aus Bildern und Texten ist eine bedeutende Quelle zur Erkundung einer fotografischen Szene, die um 1980 mit Nachdruck an der Etablierung der Fotografie als einer eigenständigen Kunstform arbeitete.

 Miron Zownir, Berlin, 1980, Silbergelatinepapier, Leihgabe des Künstlers,
© Miron Zownir

Das Projekt ist ein erster Versuch, ein wichtiges Stück Fotogeschichte in Westdeutschland wiederzuentdecken. Die Ausstellung gliedert sich in vier Abschnitte: Sie würdigt das fotografische Werk von Wolfgang Schulz aus der Zeit um 1980, stellt Werke verschiedener Fotograf*innen vor, deren Arbeit prägend für die Jahre um 1980 wurde, präsentiert alle vierzig Ausgaben der Zeitschrift „Fotografie“ (die in ihrem Nebeneinander ein eindrucksvolles gestalterisches Panorama ergeben) und lässt in Video-Interviews Zeitzeugen im Sinne einer „Oral History“ zu Wort kommen.

Angela Neuke, Begräbnis Baader, Ensslin, Raspe, 1977,
Silbergelatinepapier, LVR Landesmuseum Bonn,
© L. Lutz, 2020

Wolfgang Schulz war nicht nur Herausgeber dieser Zeitschrift, sondern auch ein bemerkenswerter Fotograf. Er versuchte sich festschreibenden Normen zu entziehen und verfolgte unterschiedliche Stile und Sujets. So folgte er bei seinen Irland-Bildern der erzählerischen Tradition der Bildreportage, erstellte aber auch eine streng dokumentarisch anmutende Typologie von Scheunen und deren Erscheinungsformen. Mit einer Serie über Unterholz wendete er sich dem Unspektakulären zu und er porträtierte seinen Freundeskreis und die Fotoszene, die bei ihm ein- und ausging. Die Ausstellung zeigt zum ersten Mal überhaupt die fotografischen Arbeiten von Wolfgang Schulz aus der Zeit um 1980.

 Wolfgang Schulz, Michael, 1980, Silbergelatinepapier, Privatsammlung,
© Wolfgang Schulz

Vorgestellt wird außerdem eine breite Auswahl von Werken der in der Zeitschrift vertretenen Fotografen aus der Sammlung des Museums für Kunst und Gewerbe Hamburg und von zahlreichen weiteren Leihgebern. Ihre Arbeiten stehen stellvertretend für die verschiedenen Konzepte und künstlerischen Ansätze und lassen die fotografische Szene jener Zeit in Ausschnitten lebendig werden. Die Fotografien stammen von Hans Christian Adam, Gosbert Adler, Dieter Appelt, Heiner Blum, Joachim Brohm, Dörte Eißfeldt, Verena von Gagern, André Gelpke, Dagmar Hartig, Andreas Horlitz, Hans-Martin Küsters, Reinhard Matz, Angela Neuke, Heinrich Riebesehl, Wilhelm Schürmann, Holger Stumpf, Ulrich Tillmann/Wolfgang Vollmer, Petra Wittmar und Miron Zownir

Die Ausstellung wird kuratiert von Reinhard Matz, Steffen Siegel und Bernd Stiegler in Zusammenarbeit mit Esther Ruelfs, Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg. Für die Ausstellungsstation in Berlin wurde sie in Zusammenarbeit mit Ludger Derenthal, Kunstbibliothek, erweitert.

Zur Ausstellung ist bereits ein Katalog bei Spector Books, Leipzig erschienen: 240 Seiten, ISBN: 9783959052825, Buchhandelspreis: 28 €.

Die Anzahl der zeitgleich im Museum zugelassenen Besucher ist begrenzt, das Tragen einer Mund-Nasen-Bedeckung ebenso verpflichtend wie die Einhaltung des Mindestabstands von 1,5 Metern. Um Schlangenbildungen vor Ort zu vermeiden, ist der Besuch ausschließlich mit einem Zeitfensterticket möglich. Es wird empfohlen, Tickets im Vorfeld online zu buchen: www.smb.museum/tickets.

Museum für Fotografie, Jebensstraße 2, Berlin-Charlottenburg

© Daniela Comani, aus der Serie:
Eine glückliche Ehe, fortlaufende Serie seit 2003

Die Ausstellung stellt die bildnerischen Konzepte von Daniela Comani, Kata Geibl und Sauna Kannisto vor, die an soziologische, empirische, wissenschaftliche oder naturwissenschaftliche Zusammenhänge erinnern, diese aber in künstlerisch-individuelle und illusionistische Bildwelten überführen. Die farbfotografischen und schwarzweißfotografischen Arbeiten der Künstlerinnen basieren dabei auf unterschiedlichen Inszenierungsformen und interpretieren wie bei der Werkgruppe „Planet Earth:21st Century“ von Daniela Comani auch vorgefundene digitale Bilder.  

Die italienische Künstlerin Daniela Comani bezieht sich in vielen ihrer konzeptuell mehrteilig angelegten Werkgruppen in humorvoll ebenso wie subtil kritischer Weise auf Aspekte geschlechtsspezifischer Zuordnungen in sozio-kulturell unterschiedlich geprägten Bereichen unserer Gesellschaft. Beispielhaft hierfür ist u.a. das fortlaufende Projekt „Eine glückliche Ehe“ (seit 2003), in dem die Künstlerin in unterschiedlichen Szenen des Alltags gleichzeitig als Mann und Frau erscheint. Die Ausstellung zeigt eine Auswahl aus der Werkgruppe und stellt darüber hinaus die schon erwähnte jüngste Werkgruppe von Daniela Comani „Planet Earth: 21st Century“ 2015-19, eine Inszenierung mit Postkarten von Stadtansichten, vor. Ausgangspunkt der Werkgruppe ist die Auseinandersetzung mit den virtuellen Repräsentationsmodellen von Städten wie sie in den kartografischen 3D-Softwares bei Google und Apple im Internet eingesetzt werden, um scheinbar repräsentativ Großstädte vorzustellen. Daniela Comani manipuliert die eigentlich selektiven Bilder der digitalen Großfirmen in eigenen Ansichten.

© Kata Geibl, aus der Serie „There is Nothing New Under the Sun“, 2018-19

Erstmals in einer Ausstellung in Deutschland zu sehen ist die Arbeit der ungarischen Künstlerin Kata Geibl. In ihrer mehrteiligen Werkgruppe „Sisyphus“ (2018) setzt sich die aktuell in Den Haag und Budapest lebende Künstlerin in poetisch-illusionistischen Bildern mit scheinbaren Versuchsmodellen der Wissenschaft auseinander. Ihr Titel wirkt metaphorisch und spielt auf die Diskrepanz zwischen Vertrauen in die rationale Wissenschaft und die stets sich neu ergebenden neuen Rätsel existentieller Zusammenhängen an.

© Kata Geibl: aus der Werkgruppe „Sisyphus“, 2018,
Archival pigment prints

Wie für Sisyphus, der in der Mythologie als Strafe immer wieder einen Stein den Berg hinaufrollen muss, gibt auch die Existenz in ihren unterschiedlichen Formen der Forschung und dem Menschen immer wieder neue Rätsel auf. Die Entstehung bedrohlicher Viren wie COVID-19 sind hierfür ein aktuelles Beispiel.  An „Sisyphus“ anknüpfend, spielt auch die aktuelle Serie „There is Nothing New Under the Sun“ (2019) von Kata Geibl mit ihren bisweilen mythisch wirkenden Bildwelten auf wiederkehrende existientielle Fragestellungen an und schafft Bilder mit psychologischer Intensität. Bezugspunkt des Titels ist hierbei ein Bibelzitat.

Sanna Kannisto, Corduelis spinus, 2015, Ink-Jet Print, 65 x 92 cm

Wie Bühnen zum Studium der Natur wirken die Szenarien, mit denen die finnische Fotokünstlerin Sanna Kannisto in ihren unterschiedlichen Werkserien der vergangenen Jahre Bildwelten schafft, in denen Insekten, Pflanzen, Vögeln u.a.m. ästhetisch in eine eigene Zeitlosigkeit überführt erscheinen. Seit etwa zwei Jahrzehnten liegt der Fokus der fotografischen Arbeit von Sanna Kannisto auf der Beobachtung von Natur und ihren besonderen Erscheinungsformen, wie sie sich in den Landschaften des Regenwaldes, der Flora und Fauna samt ihren unterschiedlichen Spezies von Reptilien, Insekten, Fröschen, Fledermäusen oder  auch in der besonderen Schönheit von Vögeln darstellt.
Während im Bereich naturwissenschaftlicher Forschung im Vordergrund steht, Pflanzen, Tiere und Phänomene der Natur über Zeiträume in ihrem jeweiligen Lebensraum und in ihrer Artenvielfalt zu beobachten, sie zu klassifizieren und Erkenntnisse mit objektivierenden Aussageansprüchen zu erlangen, geht es in den Arbeiten von Sanna Kannisto eher darum, die Besonderheit der Natur und die vom Menschen entwickelten Methoden ihrer Beobachtung, Erforschung und Wahrnehmung zu thematisieren, um diese in individuelle ästhetische Modelle zu überführen.
Die Ausstellung zeigt Arbeiten aus unterschiedlichen Werkphasen der Künstlerin, die aktuell auch eine große Überblickausstellung im Finnish Museum for Photography mit dem Titel „Sanna Kannisto: Sense of Wonder“ hat.

Portrait Claus Friedrich Rudolph

Claus Friedrich Rudolph wurde am 26.01.1954 in Stuttgart geboren. Von 1972 bis 1974 durchlief er seine Ausbildung bei Karin Weishaupt Matthes. Bis zum Beginn seiner selbstständigen Fotografentätigkeit mit eigenem Studio im Jahre 1982 war er als Assistent in Stuttgart, Düsseldorf und New York beschäftigt. Unter Ivan Nagel war er als Theaterfotograf (1985 bis 1987) tätig.

Blüten, 2019 © Claus Friedrich Rudolph

Heilpflanzen 2020 © Claus Friedrich Rudolph

Dabei wäre Claus Friedrich Rudolph fast in einem anderen Beruf gelandet. Auf seinem Weg zur Schule musste er täglich an einer Straßenbahnhaltestelle umsteigen, die unmittelbar an einem Kino lag. Die Darstellungen der damaligen Kinoplakate, auf welchen der Film in vielen Facetten verdichtet abgebildet wurde, übte eine große Faszination auf ihn aus und ließ ihn zunächst die Ausbildung zum Plakatmaler einschlagen. Eine Tätigkeit als Serigraph (Künstlerischer Siebdruck) schloss sich an. Sowohl die Detailvielfalt der Kinoplakate wie auch der Kunstdrucke und die gewissenhafte, penible Ausarbeitung finden sich in seinen Fotografien wieder.

Ihr seid alle gleich, 2019 © Claus Friedrich Rudolph

Wo geht die Liebe hin wenn Du weg bist, 2011 © Claus Friedrich Rudolph

Die Ausstellung in der Leica Galerie Stuttgart zeigt Rudolphs Schaffen in einem breiten Spektrum. So wird auch eines seiner bekanntesten Werke „Wo geht die Liebe hin, wenn Du weg bist“ in einer Größe von 180 x 270 cm gezeigt. Eigens dazu verfrachtete Claus Friedrich Rudolph ein Museums-Rhinozeros an einem nebeligen Morgen auf den Bodensee, um es abzulichten.

Ebenso Bestandteil der Stuttgarter Fotoschau ist eine erst unlängst entstandene Fotoserie, ein künstlerisches Inszenierungsprojekt, das auf den der niederländischen und flämischen Malerei ab Mitte des 16. bis frühen 18. Jahrhunderts basiert. Bildtitel wie Blüten, Obst, Fisch, Mehl, Käse oder Kaffee geben einen Vorgeschmack auf opulente, sorgfältig arrangierte Fotokunstwerke, die Claus Friedrich Rudolph gemäß dem Ausstellungstitel „Voll. Fett. Lecker.“ kunstvoll arrangiert hat. Auf den Fotos ist ein gewisser Überfluss dargestellt, in einer präsentativ-ansprechenden Anordnung:

Röter kann die Tomate nicht sein, glänzender und knackiger kein Apfel, frischer kein Fisch. Wenn man aber genau hinschaut, entdeckt man, dass bewusst Accessoires der heutigen Zeit eingebaut wurden: Badelatschen wurden mit alten Gefäßen kombiniert, Gummistiefel oder russische Stoffschuhe mit alten Gewändern. Trotz all der überfließenden Pracht, trotz des Reichtums der Bilder schwingt ein nachdenklicher Ton mit: Wir leben in der Verschwendung, im Überfluss, in Wollust, im Luxus und wissen es so oft nicht mehr zu schätzen. Wir werfen es weg, dabei ist es doch ein Wunder!

Seit Februar 2019 ist Claus Friedrich Rudolph mit der russischen Künstlerin Tanya Krylowa verheiratet – standesgemäß fand die Hochzeit in einem Zirkuszelt statt. Ihre Plastiken aus Bronzeguss und Cartapesta sind Teil dieser Ausstellung und als Figuren aus den Fotowerken entnommen.

Jean Michel Basquiat May 29 1984
(c) Christopher Makos

Die 1980er Jahre in den USA waren geprägt vom wirtschaftlichen Aufschwung und einer aufstrebenden Konsumkultur, die Künstler*innen aus der ganzen Welt inspirierte. Andy Warhol wurde zum Gesicht einer popkulturellen Bewegung, die den Konsum ebenso feierte wie sie ihn kritisierte. Mittelpunkt der Party war Warhols Studio „The Factory“ in New York City, wo sich die berühmtesten Künstler*innen, Musiker*innen und Schauspieler*innen dieser Zeit fast zufällig begegneten. Mittendrin: der Fotograf Christopher Makos, ein enger Vertrauter Warhols. 

Liza Minnelli and John Lennon (c) Christopher Makos

 Im Inneren von Warhols „The Factory“ 

Makos‘ Fotografien öffnen den Ausstellungsbesucher*innen die Türen zur 860 Broadway Factory. Dem Ort, an dem Schauspielerin Liza Minnelli mit Ex-Beatle John Lennon über sein neues Album sprach. An dem der Künstler Jean-Michel Basquiat seine ersten Erfolge feierte und Mick Jagger von den Rolling Stones ein und ausging. Makos porträtierte die Ikone Warhol ebenso wie dessen Freund*innen und fing in Schnappschüssen den „American Way of Life“ in den 1980er Jahren ein. Wenn er Andy Warhol mit einer Frauenperücke zeigt oder Elizabeth Taylor inmitten eines Biker-Treffens fotografiert, paart sich Banalität mit Glamour und Realität mit Fiktion. 

Andy Warhol American Flag (c) Christopher Makos

 Eine Ikone unter Ikonen 

In der Fotografenszene war Makos kein Unbekannter. Anfang der 1970er Jahre zog Makos nach Paris, um Architektur zu studieren und absolvierte eine Ausbildung bei dem berühmten Fotografen Man Ray, kehrte aber anschließend nach New York zurück. Sein 1977 erschienenes Buch White Trash, das die Punkszene New Yorks dokumentierte, katapultierte ihn mitten hinein in New Yorks Fotografenszene, die seinen grafischen, teils provokativen fotorealistischen Stil feierte. Andy Warhol wurde auf Makos aufmerksam und bot ihm einen Job in seiner „Factory“ an. So wurde Makos fortan nicht nur künstlerischer Berater Warhols, er begleitete ihn auch auf unzähligen Reisen, unter anderem nach West-Berlin. Einige Aufnahmen dieser Reise sind auch in der Ausstellung zu sehen. 

Mick Jagger (c) Christopher Makos

Bilder mit Symbolcharakter 

From a New Yorker’s Perspective – Photography by Christopher Makos ist eine Hommage an die „Celebrity Culture“ der 1980er Jahre und erzählt dabei eine ganz eigene Geschichte über das Selbstverständnis Amerikas in dieser Zeit. LGBTQ-Ikone Divine findet hier ebenso ihren Platz wie Ivana Trump, die Makos kurz nach ihrer Scheidung vom jetzigen US-Präsidenten Donald Trump im Trump Tower trifft. Sie sind die neuen Superstars, die dank Film und Fernsehen Erfolge feierten und so zur Blaupause für die Generation MTV wurden. Mit einem Porträt von Nicola Formichetti, Modedesigner und Fashion Director von Lady Gaga, aus dem Jahr 2011 schließt sich der Kreis zwischen der It-Crowd von gestern und der It-Crowd von morgen. 

Jedes der 25 Fotos der Ausstellung, die im Foyer des wiedereröffneten Amerikahauses am Karolinenplatz zu sehen ist, wird von Christopher Makos selbst kommentiert. Die Videos sind sowohl per QR-Code in der Ausstellungsfläche als auch auf der Website www.amerikahaus.de abrufbar. 

Eintritt frei

Amerikahaus, Karolinenplatz 3, München 

Foto Volkmar Herre

Ursprünglich geplant als Teil des leider nicht stattfindenden Fotofestivals "horizonte zingst", hat die Thematik die Künstler der Galerie zu Kunstwerken zum Staunen, Geniessen und Verzaubern inspiriert.

Foto Volkmar Herre

Alain Cornu, Beat Presser, Volkmar Herre, Edvardas Racevicius, Alfons Alt, Ramona Czygan, Silverfineart, Lars Heidemann, Tomasz Myjak, Ulvis Alberts, Francois Delebecque, Peter Mathis.

Foto Alain Cornu

Galerie STP, Mühlenstraße 20, Greiswald

© RB Photos, ©Magnum Photos, René Burri, Rio de Janeiro, Brazil, 1967

© MARTIN SCHOELLER, JAY-Z WITH CAT, NEW YORK, 2007

Unter den ausgestellten Werken befinden sich zahlreiche neue und nie zuvor ausgestellte Porträts aus der berühmten Serie »Close Up«, darunter von Metallica, Herbert Grönemeyer, Michael Douglas, Campino, Toni Garrn, Marius Müller-Westernhagen und Natalie Portman. Im Februar 2020 ist das Fotobuch »Works« erschienen (Steidl).

© MARTIN SCHOELLER, ANNE HATHAWAY, 2014

Die Serie »Close Up« bildet den Hauptteil der Ausstellung. Eine Auswahl international bekannter Persönlichkeiten wie Angelina Jolie, Anne Hathaway, Christopher Walken, Robert De Niro und Jack Nicholson wird gezeigt und in der für Martin Schoeller charakteristischen Bildsprache der Serie dargestellt. In der Galerie Camera Work werden zahlreiche neue Werke weltweit erstmals gezeigt. Martin Schoeller wird in Deutschland exklusiv von der Galerie Camera Work vertreten.

© MARTIN SCHOELLER, MICHAEL DOUGLAS

Martin Schoeller gelingt es mit seinem künstlerischen »Close Up«-Konzept, seine Models – ungeachtet verschiedener sozialer und kultureller Hintergründe – gleichrangig darzustellen. Somit lädt er auf »demokratische Art« zu einem Vergleich von Porträts ein, für die berühmte Persönlichkeiten wie Christian Bale, Wolfgang Niedecken und George Clooney mit derselben Technik und demselben Licht fotografiert werden. Mit der Serie »Close Up« begann Martin Schoeller vor mehr als 22 Jahren – im Jahr 2005 fand die erste Ausstellung der Serie in der Galerie Camera Work statt.

© MARTIN SCHOELLER, LARS EIDINGER

Die Ästhetik der Arbeiten aus der Serie hat einen hohen Wiedererkennungswert. Die Gesichtsausdrücke sind durchweg neutral, ernst und doch entspannt, im Bestreben die Unterschiede der Porträtierten in einem Moment herauszuzeichnen, »der sich intim und nicht gestellt anfühlt«. Die porträtierten Personen akzeptieren die Regeln des Fotokünstlers, die seinen einzigartigen Stil geprägt haben und zu seinem weltweit bekannten Markenzeichen wurden. Das Ergebnis dieser Ausdrucksform ist eine verletzliche und maskenlose Darstellung, die den Betrachter anregt, sich mit den Gesichtern und Persönlichkeiten auseinanderzusetzen und Darstellungsmodi der Selbstinszenierung zu hinterfragen.

Martin Schoeller

Martin Schoeller, geboren 1968 in München, zählt zu den renommiertesten Porträtfotografen der Welt. Nachdem er Fotografie am renommierten Lette Verein in Berlin und in Hamburg studierte, zog er Mitte der 1990er Jahre nach New York, wo er nach einer Assistenz bei Annie Leibovitz seine Karriere begann. Martin Schoeller arbeitet regelmäßig für Zeitschriften wie »National Geographic«, »The New Yorker« und das »Time Magazine«. Sein erstes Buch »Close Up« (teNeues) wurde 2005 veröffentlicht, gefolgt von mehreren Monografien, jede repräsentativ für eine andere Facette von Martin Schoellers Werk. Seine Fotografien, die in exklusiven Editionen erhältlich sind, sind auf dem Kunstmarkt äußerst gefragt und werden weltweit in Museen und anderen Kunsteinrichtungen ausgestellt.

CAMERA WORK · Kantstraße 149 · 10623 Berlin

Christoph Borchert
Schlossruine am Theaterplatz, 1980
Staatliche Kunstsammlung Dresden
Kupferstich-Kabinett
Coyright SLUB Dresden / Deutsche Fotothek

Mit fotografischen Beobachtungen unspektakulärer Alltagsmomente verwies Christian Borchert ( 1942-2000) in der
ideologiegesättigten Atmosphäre der 1 980er-Jahre in besonderer Weise auf Möglichkeiten künstlerischer Integrität.
In seinem von einem hohen zeitgeschichtlichen Bewusstsein getragenen Werk liegen archivarisch-dokumentarische
und künstlerisch-poetische Strategien nahe beieinander.

Christoph Borchert
Reinigung des Fürstenzuges, 1978
Staatliche Kunstsammlung Dresden
Kupferstich-Kabinett
Coyright SLUB Dresden / Deutsche Fotothek

Seit Mitte der 1950er-Jahre fand der Fotograf seine Motive vor allem in seiner Geburtsstadt Dresden und in Berlin.
Hierher war er 1968 nach einem Ingenieur-Studium, einer Tätigkeit als technischer Leiter an der Deutschen
Hochschule für Filmkunst, Potsdam Babelsberg, und einer Ausbildung als Fotograf in Potsdam gezogen und hatte,
neben einem Fernstudium Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig, sechs Jahre als Bildreporter für die wöchentlich erscheinende Neue Berliner Illustrierte gearbeitet.

Christoph Borchert
Semperoper Dresden, Blick durchs Bühnenportal in
den Zuschauerraum, Oktober 1977
Staatliche Kunstsammlung Dresden
Kupferstich-Kabinett
Coyright SLUB Dresden / Deutsche Fotothek

Mit einem umfangreichen Projekt zu Künstlerporträts markierte Christian Borchert dann im Jahr 1976 einen
radikalen Bruch in seinem bisherigen Selbstverständnis als Fotograf. Ein von bildjournalistischen Vorgaben
unabhängiges Arbeiten ermöglichte ihm der Auftrag zu einer Langzeitdokumentation des Wiederaufbaus der
Semperoper Dresden. Freundschaften mit Lyrikern und Schriftstellern wie Elke Erb (*1 938) oder Richard
Pietraß (*1946) schärften die eigene Auseinandersetzung mit poetischer Bildlichkeit.

Christian Borcher 
Familie S. (BMSR-Meister, Rechnungslegerin),
Dresden, 1985
Staatliche Kunstsammlung Dresden
Kupferstich-Kabinett
Coyright SLUB Dresden / Deutsche Fotothek

Neben den Alltagsbeobachtungen ist es vor allem das umfangreiche, systematisch angelegte Langzeitprojekt der „FamiIienporträts" und sind es Publikationen zur jüngeren Geschichte seiner Geburtsstadt Dresden sowie zum Literaturwissenschaftler Victor Klemperer ( 1 881 -1 9 60), die wesentlich Strahlkraft gewannen.
In den 1990er-Jahren schließlich entstand „Tektonik der Erinnerung", ein fotografisches Porträt seiner Geburtsstadt
als Brennglas jüngerer deutscher Geschichte
Christian Borchert hinterließ bei seinem Unfall-Tod im Jahr 2000 etwa 230.000 Schwarz-Weiß-Negative, zu meist mit
den dazugehörigen Kontaktbögen, etwa 5.500 Farbdiapositive, rund 20.000 Arbeitsabzüge in kleineren Formaten
und 4.000 Abzüge in AusstelIungsformaten, diverse Karteisysteme sowie zahlreiche weitere Bilderschachteln, Mappen und Alben - all dies wohlgeordnet und weitestgehend beschriftet. Dennoch war sein Werk in den vergangenen zwei Jahrzehnten nahezu unsichtbar. über die Datenbank der Deutschen Fotothek öffentlich zugänglich waren lediglich 12.000 Arbeitsabzüge, zu meist aus früh verworfenen Arbeitsphasen.

Christian Borchert
Elke Erb, 1976
Staatliche Kunstsammlung Dresden
Kupferstich-Kabinett
Coyright SLUB Dresden / Deutsche Fotothek

„Christian Borchert. Tektonik der Erinnerung" ermöglicht nun nach vierjähriger Forschungsarbeit des Kunsthistorikers
Bertram Kaschek für das Kupferstich-Kabinett Dresden mit der nun auch in Hannover gezeigten Ausstellung und der
umfangreichen Publikation erstmals einen weitreichenden Zugang zu dieser an Brüchen reichen Fotografenbiografie

(Hrsg. Staatliche Kunstsammlungen Dresden, Kupferstich-Kabinett, Bertram Kaschek, Spector Books, 434 Seiten, Dt.
/ Eng 1 )
Kuratorin: Inka Schube

copyright Andrew Suryono

Knapp 30 ausgewählte Exponate der Ausstellung "We are the forest" werden im Tropenhaus Frutigen ausgestellt. Eingebettet in den Tropengarten können die berührenden Bilder aus einem besonderen Blickwinkel betrachtet werden. Es entsteht ein aussergewöhnliches Szenario, in dem sich Fotografie und Umgebung zu einem neuen Ganzen zusammenfügen.

copyright Marco Gaiotti

copyright Mark Edward Harris / BOSF / BOS / Schweiz

Die Ausstellung wird zudem von einem spannenden Rahmenprogramm für Kinder und Erwachsene begleitet. Im Shop des Tropenhauses finden unsere Plüsch-Orang-Utans, Turnbeutel und Schals für die Laufzeit der Ausstellung ein temporäres zu Hause.

copyright Bjoern Vaughn / BOSF / BOS Schweiz

copyright Tim Flach

Bilder folgender zehn Fotografen (unter anderem Preisträger und Nominierte des Sony World Photography Awards und der Wildlife, Nature und Environmental Photographer of the Year Awards) werden im Tropenhaus zu sehen sein: Tim Flach, Mark Edward Harris, Andrews Suryono, Jayaprakash Bojan, Marco Gaiotti, Maxime Aliaga, Björn Vaughn, Thomas Marent, Aaron Gekoski und Dikky Oesin.

Nähere Informationen:

https://www.bos-schweiz.ch/de/regenwald/fotoausstellung.htm

Die Exponate selbst, sowie Nachdrucke stehen in den meisten Fällen zum Verkauf. Alle Fotografen spenden einen Teil des Erlöses (in der Regel 50 Prozent) an BOS Schweiz. Dieses Geld kommt der Projektarbeit auf Borneo zugute. Bei Kaufinteresse bitte an info@bos-schweiz.ch wenden. 

Seit der Gründung im Jahr 2004 engagiert sich BOS Schweiz für den Schutz der letzten Borneo-Orang-Utans und den Erhalt ihres Lebensraumes. Mit Orang-Utan-Freunden in der Schweiz und  BOS-Partnerorganisationen sind ist die grosse BOS-Familie zusammen gewachsen.

Wie sehen Bilder aus, die zwischen Traum, Rausch und der Wirklichkeit einer sich radikal wandelnden Gesellschaft entstehen? Hin- und hergerissen zwischen den in der Kindheit und Jugend gesammelten Erfahrungen, ihrer Herkunft aus einem oft ländlich geprägten Umfeld und den neuen Herausforderungen, die ein Leben in Megastädten wie Peking, Shanghai oder Chengdu mit sich bringen, erzählen die Arbeiten von den höchst individuellen Lebenswelten der Künstler*innen, die unterschiedlicher nicht sein könnten. Die Themen kreisen unter anderem um Selbstwahrnehmung, subjektive Erfahrungen und alltägliche Lebensformen. Fast alle Gattungen von Porträt-, Landschafts- und Dokumentarfotografie bis hin zur experimentellen Fotografie und künstlerischen Fotoinstallationen sind vertreten und geben einen Eindruck von der Bandbreite, der in der Ausstellung vertretenen Positionen.

Liang Xiu, Fringe of Society: Male Roles, Female Roles, 2016
© Image Courtesy of the artist and Three Shadows +3 Galler

Chen Ronghui, Freezing Land 30, 2016-2018, Sammlung Alexander Tutsek-Stiftung
© Image courtesy of the artist and Three Shadows +3 Gallery

Romy Quiberon Foto Robert Lebeck

Robert Lebeck, 1929 in Berlin geboren, entschloss sich nach dem Studium der Völkerkunde,, Fotograf zu werden. Das Fotografieren brachte ihm niemand bei, allein „Life“ war sein Lehrer: In dem US-Magazin sah er, was ein „gutes“ Bild ist. Zunächst arbeitete er als Fotoreporter für Heidelberger Zeitungen. 1955 wurde Robert Lebeck Leiter des Redaktionsbüros der „Revue“ in Frankfurt/Main. International bekannt wurde er durch seine Reportage „Afrika im Jahre Null“ mit dem symbolisch signifikanten Bild des jungen Kongolesen, der 1960 bei den Unabhängigkeitsfeiern des Kongos den Degen des Belgischen Königs Baudouin ergreift. Lebecks ungewöhnliche Fotoreportagen machten 1962 das Hamburger Magazin „Stern“ auf ihn aufmerksam, das ihn für sein festes Reporterteam engagierte.

Minirock in St. Pauli Foto Robert Lebeck

So entstanden an der Alster seine ersten Reportagen, die bis heute legendär sind: Deutschland zwischen Wiederaufbau und Wirtschaftswunder, Deutschland zwischen Adenauer und Brandt, Deutschland zwischen Großstadt und Provinz. Auch seine Fotografien von Romy Schneider, Josef Beuys, Herbert von Karajan und anderen Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens sind bis heute unvergessen. Dem zugewandten und charismatischen Fotografen fiel es leicht, mit Menschen in Kontakt zu kommen, egal aus welcher gesellschaftlichen Schicht, egal an welchem Ort der Welt. Vor seiner Kamera waren sie alle gleich, auch in der Unbefangenheit, mit der sie sich für den Fotografen öffneten: Elvis Presley, Alfred Hitchcock, Käsehändler in Tiflis oder Wäscherinnen in Cullera.

Robert Lebeck ist am 14. Juni2014 verstorben. Dank der wertvollen Unterstützung von Cordula Lebeck, der Ehefrau und engsten Mitarbeiterin des Fotografen, hat das KuK nun eine breit gefächerte Auswahl aus zum Teil unveröffentlichtem Material zusammengestellt.

Kunst- und Kulturzentrum der StädteRegion Aachen in Monschau, Austraße 9, Monschau

August Sander, Bauernkinder, Iglesiente, 1927
Stiftung Ann und Jürgen Wilde, Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Pinakothek der Moderne, München
© Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur – August Sander Archiv, Köln/VG Bild-Kunst Bonn 2020

August Sander (1876 –1964) gilt als einer der bedeutendsten Fotografen der Neuen Sachlichkeit und des Neuen Sehens der 1920er- und 1930er-Jahre. Mit seinem epochalen Porträtwerk „Menschen des 20. Jahrhunderts“ nimmt er eine herausragende Position innerhalb der Fotografiegeschichte des vergangenen Jahrhunderts ein.
Wenige Jahre bevor er mit dem Bildband „Antlitz der Zeit“ (1929), dem Ankündigungsband zu seinem epochalen Porträtwerk „Menschen des 20. Jahrhunderts“, als Porträtist der Gesellschaftsordnung der Weimarer Republik bekannt wurde, unternahm er 1927 mit dem befreundeten Schriftsteller und Italienliebhaber Ludwig Mathar (1882–1958) eine gemeinsame Reise nach Italien. Mathar hatte 1926 seine Reisebeschreibung „Primavera. Frühlingsfahrten ins unbekannte Italien“ veröffentlicht und plante ein Buch über die wenig bekannte Insel Sardinien. Im Frühjahr 1927 durchstreiften der Schriftsteller und der Fotograf für mehrere Wochen das zu dieser Zeit noch wenig bereiste Eiland, das als geheimnisvolles, unbequemes und geradezu exotisches Reiseziel galt.

Die Sammlungspräsentation zeigt 25 originale Abzüge der Sardinienserie aus den Beständen der Stiftung Ann und Jürgen Wilde. Sie entstammen einem von Ludwig Mathar angelegten Erinnerungsalbum, das Ann und Jürgen Wilde 1975 aus dem Nachlass des Schriftstellers erwarben und 1995 erstmals in einer Kabinettausstellung und einem Begleitbuch veröffentlichten. Ergänzt wird die Sammlungspräsentation mit Dokumenten, Archivalien und historischen Buchpublikationen, die den Entstehungs- und Überlieferungszusammenhang der Fotografien illustrieren.

Sammlung Moderne Kunst in der Pinakothek der Moderne, Saal 8, Kunstareal, München

Yoriyas: Wie im Traum, 2016. Aus der Serie "Casablanca Not the Movie"
Copyright Foto: Yoriyas
Der marokkanische Künstler Yoriyas zeigt seine Heimatstadt Casablanca
jenseits des berühmten Hollywood-Films und jenseits von
Touristen-Führern und orientalistischen Fantasien

Was wissen wir über Nairobi, Casablanca oder Kinshasa? Die Fotoarbeiten prägt eine interne Perspektive und ein künstlerischer Blick afrikanischer Künstler auf ihre Heimatregionen. Sie erzählen vom Alltag in den Städten, von Industrie, den Spuren der Vergangenheit und von Pop-Kultur. Die Ausstellung bietet im Weltkulturerbe Völklinger Hütte den künstlerischen Positionen afrikanischer Künstler ein Forum und ermöglicht den Besuchern so einen facettenreichen und vielleicht auch überraschenden Blick auf die afrikanische Kultur. Manche der Fotografen haben ihre Arbeiten schon auf bedeutenden Ausstellungen gezeigt, andere präsentieren ihre Werke erstmals in Deutschland.  

Kibuuka Mukisa Oscar: Bboy Denis practicing his air flares on the
streets of Mbuya, Kampala, 2015. Aus der Serie "Breaking Uganda"
Copyright Foto: Kibuuka Mukisa Oscar
Kibuuka Mukisa Oscar feiert die positive Lebensenergie der Breakdance-Kultur in Uganda.

Fethi Sahraoui: Porträt eines jungen Anhängers, 2015. Aus der Serie „Stadiumphilia“
Copyright Foto: Fethi Sahraoui
Fethi Sahraoui zeigt die Momente der Freiheit von Kindern in algerischen Fußballstadien

Themen sind unter anderem das ambivalente Erbe des Bergbaus in Südafrika, Umweltverschmutzung, das Leben in der Demokratischen Republik Kongo oder auch die Kultur der Fußballstadien in Algerien.

Da sind zum Beispiel die Fotos von Osborne Macharia, der durch seine Foto-Serie für den Oscar-prämierten Film „Black Panther“ bekannt ist. Ilan Godfrey beschäftigt sich mit dem Erbe des Bergbaus in Südafrika, Fabrice Monteiro ist zu verschmutzten Orten in Afrika gefahren und hat dort eine Fotoserie mit mythisch anmutenden Figuren geschaffen. Léonard Pongo entdeckt im Kongo das ‚Unheimliche‘ im Sinne Sigmund Freuds, Fethi Sahraoui zeigt die Momente der Freiheit von Kindern in algerischen Fußballstadien. Alice Mann porträtiert die weibliche Subkultur des Formationstanzes in weniger privilegierten Gesellschaften Südafrikas. Kibuuka Mukisa Oscar feiert die positive Lebensenergie der Breakdance-Kultur in Uganda, Omar Victor Diop porträtiert Menschen aus der urbanen afrikanischen Kultur-Szene. Und der marokkanische Künstler Yoriyas zeigt seine Heimatstadt Casablanca jenseits des berühmten Hollywood-Films und jenseits von Touristen-Führern und orientalistischen Fantasien.

Alice Mann: The Curro Thatchfield Primary Majorettes Drummies, 2018. Aus der Serie "Drummies"
Copyright Foto: Alice Mann
Alice Mann porträtiert die weibliche Subkultur des Formationstanzes
in weniger privilegierten Gesellschaften Südafrikas.

Die Schirmherrschaft der Ausstellung „Afrika – Im Blick der Fotografen“ hat Bundesentwicklungsminister Dr. Gerd Müller übernommen. Zur Ausstellung ist ein Katalogbuch erschienen. Kooperationspartner der Ausstellung ist der PopRat Saarland.

abrice Monteiro: Untitled #2, 2013. Aus der Serie „The Prophecy“
Copyright Foto: Fabrice Monteiro
Fabrice Monteiro ist zu verschmutzten Orten in Afrika gefahren und
hat dort eine Fotoserie mit mythisch anmutenden Figuren geschaffen.

Die Künstler:

Omar Victor Diop (Senegal), Ilan Godfrey (Südafrika), Osborne Macharia (Kenia), Kibuuka Mukisa Oscar (Uganda), Léonard Pongo (Kongo), Alice Mann (Südafrika), Fabrice Monteiro (Senegal), Fethi Sahraoui (Algerien), Yoriyas (Marokko)
Kurator: Frank Krämer, Ausstellungsleiter Weltkulturerbe Völklinger Hütte

Der Fotograf Hans Lux war der „Lehrherr“ von Peter Lindbergh und war mit ihm Jahrzehnte eng verbunden. Hans Lux hat eine ganze Generation von Fotografen/innen beeinflusst. Die Galerie Noir Blanche zeigt die allererste Ausstellung und Präsentation der Fotografien von Hans Lux. 

Hans Lux öffnete sein riesiges Archiv und so konnte der Schatz von über 75.000 Negativen und Dias und über 7.000 Polaroids gesichtet werden. Die Arbeiten sind ein kleines Juwel der deutschen Fotografie ab 1960

Eine Ausstellung gibt private und persönliche Einblicke in die jahrzehntelange fotografische Arbeit von Hans Lux und zeigt unter anderem eine neue Bildserie, die speziell für diese Ausstellung realisiert wurde. 

Hans Lux und Jutta

Die Galerie Noir Blanche setzt in ihrem Programm nicht auf die akademische Fotografie, sondern auf die klassische Fotografie in der Tradition von Irving Penn und Richard Avedon. Die Galerie Noir Blanche zeigt bekannte deutsche und internationale Fotografen/innen und hat den Schwerpunkt in der schwarz-weiß Fotografie. 

Galerie Noir Blanche, Rather Straße 34, Düsseldorf

Das sind die nächsten Stationen der Tournee:

• WEBERZEILE, Ried (AT): 31. März - 22. April
• FISCHAPARK, Wiener Neustadt (AT): 07. - 16. Mai
• MAX.CENTER, Wels (AT): 22. Mai - 05. Juni
• MARIANDL, Krems (AT): 08. - 20. Juni
• CENTER VIC, Ljubljana (SI): 22. - 30. Juni
• CITYCENTER, Celje (SI): 01. - 12. Juli
• ATRIO, Villach (AT): 27. Juli - 14. August
• EUROPARK, Salzburg (AT): 17. - 31. August
• SILLPARK, Innsbruck (AT): 02. - 30. September
• MURPARK, Graz (AT): 02. - 15. Oktober
• HUMA ELEVEN, Wien (AT): 17. - 31. Oktober
• ZIMBAPARK, Bürs (AT): 03. - 22. November

Karl Lagerfeld: Selbstporträt, 2007, Foto © Karl Lagerfeld

Lagerfelds Modenschauen lebten stets von ihrer Aufsehen erregenden Inszenierung. So erstreckt sich auch die Fotografie-Retrospektive in einer einzigartigen Inszenierung über alle Flächen des Sonderausstellungsbereichs des Museums im zweiten Obergeschoss des West- und Nordflügels der Moritzburg und bezieht zusätzlich die Sammlungspräsentation "Wege der Moderne" im ersten Obergeschoss ein. Darüber hinaus wird auch der Innenhof der Moritzburg bespielt.

Karl Lagerfeld: Moderne Mythologie, 2014, Foto © Karl Lagerfeld

Teil der Schau sind auch zwei besondere Werke: ein 18 Meter langer Paravent zu Homers Odyssee sowie Lagerfelds bibliophiles Fotobuch zur Geschichte von Daphnis und Chloë, der Erzählung des antiken Dichters Longus, mit einem Exemplar des Buches, den dazugehörigen Fotografien sowie einer Soundinstallation. Ein weiteres Highlight der Ausstellung ist die Präsentation von Daguerreotypien und Platinotypien als Masterprints Karl Lagerfelds.

Karl Lagerfeld: Atelier Fendi, Fendi Herbst/Winter 2011/12, Foto © Karl Lagerfeld

Karl Lagerfeld: A Portrait of Dorian Gray, 2004, Foto © Karl Lagerfeld

Der zentrale Ausstellungsraum in der sogenannten Westbox des Museums verwandelt sich für die Zeit der Ausstellung in einen Parcours seiner schönsten Modefotos, im Innenhof der Moritzburg begegnet man Karl Lagerfeld in einer einzigartigen, lebensgroßen Inszenierung seiner Selbstporträts.

Karl Lagerfeld passte seinen fotografischen Stil nicht an sein Motiv an: "Die Leute wollen immer von mir wissen, was mein fotografischer Stil ist. Ich kann es nicht sagen", erklärte er. "Wer meine Bilder betrachtet, sollte es sagen. Ich habe keinen Stil, sondern viele oder keinen. Man darf nicht stillstehen, nicht im Leben, nicht in der Mode, nicht in der Fotografie." Diese kreative Flexibilität und der Wunsch, sich nie zu wiederholen, prägten Lagerfelds fotografische Vision ebenso wie sein Bestreben, flüchtige Eindrücke zu bewahren, die sonst vergessen werden könnten. "Ich mag das Flüchtige: Mode ist mein Beruf. Aber das Flüchtige eines Fotos vollzieht sich auf einer anderen Ebene als bei der Mode. Es ist ebenso gefährlich, ein Bild noch einmal machen zu wollen, wie es gewagt ist, sich von vorhergehenden oder vergangenen Kollektionen inspirieren lassen zu wollen. Das berühmte 'Nie wieder' eines einzigen Augenblicks, der im Foto zu sehen ist, gibt dem Foto eine weitere Dimension, eine Art von Nostalgie des Augenblicks; ohne altmodisch zu sein."

Karl Lagerfeld: Suite 3906, Fendi Herbst/Winter 2010/11, Foto © Karl Lagerfeld

Trotz Lagerfelds beeindruckender Produktivität als Fotograf begann er relativ spät seine fotografische Karriere. 1987 machte er seine ersten professionellen Fotos, ironischerweise mehr aus der Notwendigkeit als aus dem Wunsch heraus. "Ich hätte nie daran gedacht, selbst Fotos zu machen, wenn mich mein Freund Eric Pfrunder, Directeur de l’image bei Chanel Fashion, nicht eines Tages dazu gezwungen hätte, dies zu tun, als er dringend Fotos für eine Pressemappe brauchte. Heute ist das Fotografieren ein Teil meines Lebens. Es schließt den Kreis meiner künstlerischen und beruflichen Unruhe."

Lagerfeld hat sich von Anfang an ebenso mit unterschiedlichen fotografischen Belichtungs- und Drucktechniken beschäftigt wie mit seinen Kompositionen. Für ihn war ein Foto niemals nur ein Bild, sondern ein visuelles Objekt, dessen Identität von dem Medium abhängt, in dem er es zum Leben erweckt. Karl Lagerfeld. Fotografi e. Die Retrospektive präsentiert somit das gesamte Spektrum der fotografi schen Medien von Lagerfeld, darunter Daguerreotypien, Platinotypien, Polaroidtransfers, Silbergelatine-Prints, Siebdrucke, handcolorierte Algrafi en, Acryl-Inkjetdrucke und hintergrundbeleuchtete LED-Panels.

Kunstmuseum Moritzburg, Friedemann-Bach-Platz 5, Halle (Saale)

Josef Koudelka: Warsaw Pact troops invade Prague, Czechoslovakia, August 1968
© Josef Koudelka - Magnum Photos

Exiles und Panoramen kontrastiert die Serie Exiles mit einer persönlichen Auswahl seiner Panoramen, die ab Mitte der 1980er-Jahre entstanden sind. Waren seine Aufnahmen bis dahin ganz der Kleinbildfotografie verpflichtet, entdeckte er mit einer Panorama-Kamera die Welt noch einmal neu: in raumgreifenden Landschaften und Küstenstreifen aus Europa und dem mittleren Osten geht er in Gebieten auf Spurensuche, die durch Industrie, Konflikte oder über die Zeit eine zum Teil verheerende Veränderung durchlaufen haben. Diese großen Bilderwelten erscheinen menschenleer und zeugen doch auf verstörende, gleichzeitig betörende Weise von menschlicher Existenz.

Josef Koudelka: Parc de Sceaux, France, 1987 © Josef Koudelka - Magnum Photos

Josef Koudelka: Spain, 1973
© Josef Koudelka - Magnum Photo

Die Ausstellung im Ernst Leitz Museum präsentiert mit insgesamt 68 Arbeiten einen fokussierten Einblick in das Werk Koudelkas. Dabei reflektieren die Werkgruppen eindrücklich den spannungsvollen Dialog zwischen Mensch und Schicksal, Lebendigkeit und toter Materie, Zeitgeschichte und Zeitlosigkeit.

Noch bis zum 7. Juni 2020 ist parallel die Ausstellung Dr. Paul Wolff & Tritschler. Licht und Schatten - Fotografien 1920 bis 1950 zu sehen.

Ernst Leitz Museum, Am Leitz-Park 6, Wetzlar

Evelyn Hofer, Coney Island, New York, 1965
© Evelyn Hofer Estate, Courtesy Galerie m, Bochum

Entdeckungsreisen durch amerikanische Grossstädte, Sozialstudien in einem walisischen Dorf, Besuche in Künstlerateliers oder eine Porträtserie aus dem Bergell – Evelyn Hofer hat ein fotografisches Kaleidoskop geschaffen, das fast ein halbes Jahrhundert umfasst. Das Werk der deutsch-amerikanischen Fotografin, die eine enge Beziehung zur Schweiz pflegte, ist facettenreich und bunt. Bereits in den 1950er Jahren fotografierte sie auch in Farbe: Sie nutzte diese dezidiert als Gestaltungsmittel und war damit ihrer Zeit weit voraus. Mit der Grossformatkamera konzentrierte sie sich auf das Wesentliche und schuf oft malerische Fotografien, deren Zeitlosigkeit und Stille heute wieder zu entdecken sind.

Evelyn Hofer, Bowery, New York, 1965
© Evelyn Hofer Estate, Courtesy Galerie m, Bochum

Evelyn Hofer, Phoenix Park on a Sunday, Dublin 1966,
© Evelyn Hofer Estate, Courtesy Galerie m, Bochum

Die Ausstellung in der Fotostiftung Schweiz vereint Evelyn Hofers unterschiedliche Arbeiten in einer umfassenden Werkschau. Die Städteporträts in Buchform, essayistische Bildstrecken für Magazine sowie ihre freien Arbeiten werden nebeneinander gezeigt. Dieser Reigen von Bildern in feinen Grautönen und starken Farben berührt uns durch die Wärme, mit der Evelyn Hofer Momente für die Ewigkeit eingefroren hat. Sie begegnet ihrem Gegenüber – sei das eine Stadtlandschaft, ein Interieur, eine Bäuerin aus Soglio oder Andy Warhol – stets mit derselben Neugierde und Offenheit.

Fotostiftung Schweiz, Grüzenstraße 45, Winterthur

So begeistert die Ausstellung von den Besuchern aufgenommen wurde, so blieb doch der Wermutstropfen, dass Ingo Maurer, der vor wenigen Wochen mit 87 Jahren verstorben war, sie nicht mehr erleben konnte. In der Rotunde der Pinakothek, wo die Installation des über dem Boden schwebenden Pendelums hängt, die Ingo Maurer für das Haus realisiert hatte, machte in diesen Tagen nur ein schwarzer Streifen an der Aufhängung auf den Tod seines Meister aufmerksam. Bis Februar 2020 wird es dort noch zu sehen sein. 

Eine Treppe tiefer taucht man in die leuchtende Welt von Ingo Maurer ein, dessen Lichtobjekte mit soviel Poesie und Witz geschaffen sind, wie man sie sonst bei Leuchtkörpern nicht findet. Ingo Maurer wollte mit seinen Leuchten ein Lächeln in die Gesichter der Menschen zaubern  - "erfolgreich sind wir, wenn wir ein Gefühl in den Menschen auslösen" wie er sich äußerte. Für Ingo Maurer war die Symbiose aus Licht und Schatten ein wichtiges Gesaltungmitten.

"Oh Man, its a Ray!"

Seine Phantasie neue Objekte zu gestalten war schier grenzenlos und immer wieder ließ er sich auch von anderen Künstlern inspieren, auf die er sich in den Namen seiner Werke dann auch bezog. Seine Leuchte "Oh Man, its a Ray!", ist ein mit Glühbirnen versehenes Mobile aus Kleiderbügeln das an die Arbeiten des berühmten Fotografen und Objektkünstlers Man Ray, der seine Bilder so trefflich mit Licht gestalten konnte, erinnern soll.

"Remember Yves"

Zu manchen der Leuchten von Ingo Maurer gehört eine Schnurre, wie die bei seiner letzten Arbeit "Remember Yves". An der Stelle, wo das Objekt jetzt aus der Wand springt und an derselben einen Schatten hinterlässt, hing einst ein Yves Klein Bild. Die Handschuhe inspierten Maurer, als sie zum Trocknen auf der Leine hingen durch das typische Yves Klein Blau zu dieser Arbeit.

"Bibibibi"

EIne humorvolle Geschichte steckt auch hinter der Entstehung der Leuchte "Bibibibi" (1982). Bei Woolworh in der Münchner Leopoldstraße entdeckte er zwei rote Kunststoff Geflügelbeine, die er unbedingt kaufen wollte. Das wurde strikt abgelehnt und auch alle Überredungskünste halfen nicht das  Erwünschte zu erlangen. Was blieb dem armen Künstler übrig als sich das Stück einfach mitzunehmen und daraus eine Lampe zu gestalten.

"Living Vegas"

Kaum verwundert, dass der Lichtfanatiker ein Fan von der Glitzerstart Las Vegas war. Inspiriert durch die bunt leuchtenden Autokennzeichen in den USA, komponerte er vielfarbiges Licht "Living Vegas". Allein die Namensgebung seiner Werk macht den Humor und Witz von Ingo Maurer klar - Ru Ku Ku, Ringelpiez oder OOp's.

Rose, Rose on the Wall, 2005

 Ingo Maurer (1932 Insel Reichenau, Bodensee – 2019 München) widmete sich seit 1966 fast ausschließlich dem Licht und gestaltete mit der Leuchte „Bulb“ sein erstes bekanntes Statement in Form einer ikonenhaften Glühbirne. Seitdem entwickelte er mit seinem Team in seiner Münchener Firma komplexe, raffinierte und aufwendige Lichtobjekte und Beleuchtungskonzepte für private und öffentliche Räume sowie spektakuläre Unikate. 

Seinen internationalen Durchbruch hatte Maurer 1984 mit dem neuartigen Lichtsystem „YaYaHo“, einem der ersten Niedervolt-Seilsysteme für Halogenreflektoren. Bekannt sind bis heute viele seiner Leuchten, unter anderem „Zettel’z“ von 1997, die der Nutzer selbst mitgestalten kann. Seine „EL.E.DEE“ aus dem Jahre 2001 gilt als erste LED-Tischlampe. 2008 konzipierten er und das Unternehmen Osram mit „Early Future“ die weltweit erste serienreife OLED-Leuchte. 

Seit 1985 entwickelte Ingo Maurer auch Lichtinstalltionen im öffentlichen Raum. Zu ihnen gehören mehrere , U-Bahnhöfe in München, die Silver Cloud im Residenztheater aber auch im nahen und fernen Ausland fand man großen Gefallen an dem Können Ingo Maurers. So kann man seine Lichtinstallationen unter anderem am Gare du Nord in Paris, am Torre Velasca in Mailand oder In New York den Snowflake bewundern. 

Brigitte Henninges

Die neue Sammlung - The Design Museum in der Pinakothek der Moderne, Barer Straße, München

Alex Da Corte (*1980),?Still aus: Chelsea Hotel No. 2, 2010 ?HD Video, Farbe, Ton, 3‘ 4‘‘?2019
erworben durch PIN. Freunde der Pinakothek der Moderne e.V.
?© Alex Da Corte

Die Ausstellung FEELINGS möchte den unmittelbaren Dialog zwischen Kunstwerk und Betrachtenden anregen, um eine intensive emotionale Auseinandersetzung zu motivieren. Geheimnisvolle Motive und atmosphärische Bildräume prägen die ausgestellten Arbeiten. Freude, Begeisterung, Ärger, Abscheu, Traurigkeit sowie unzählige weitere emotionale Reaktionen können sich bei der Betrachtung einstellen. Die Auswahl der Exponate ist subjektiv, auf den kunsthistorischen Kontext oder erklärende Wandinformationen wird bewusst verzichtet.

Sam Taylor Johnson, Soliloqui I, 1998, Farblithographie, C-Print, 211 x 257 cm (Blattmaß)
1999 erworben von PIN. Freunde der Pinakothek der Moderne e.V.
Foto: Bayerische Staatsgemäldesammlungen © Sam Taylor Johnson

Sam Taylor Johnson?Soliloqui IV, 1998 ?Farblithographie,?C-Print, 222 x 257 cm (Blattmaß)?1999
erworben von PIN. Freunde der Pinakothek der Moderne e.V.
?Foto: Bayerische Staatsgemäldesammlungen
?© Sam Taylor Johnson

Wann zieht uns ein Bild an, wann stößt es uns ab? Die Erforschung der Emotionen ist ein noch junger Zweig in der Psychologie, der Soziologie, den Geschichts- und den Neurowissenschaften. Spätestens seit der Aufklärung stand der Mensch vor allem als Vernunftwesen im Vordergrund, die Welt- und Bildbetrachtung wurde vornehmlich intellektuell dominiert. Heute allerdings lässt sich belegen, dass uns emotionale Kräfte viel stärker beeinflussen, als wir es bisher wahrhaben wollten. Nicht zufällig setzen Politik und Werbung schon lange und durchaus manipulativ darauf, mit Bildern Gefühle hervorzurufen und diese eigennützig einzusetzen. Kunst hingegen entsteht in freien Zusammenhängen, schafft eine rein persönliche Verbindung zum Publikum und existiert ohne erkennbaren Zweck.

Gillian Wearing (*1963)?In this emptiness women are an answer for me
(aus der Serie "Signs that say what you want them to say and not Signs that say what someone else wants you to say"), 1992-1993?C-Print auf Aluminium montiert, 44,5 x 29,7 cm?2014
erworben von PIN. Freunde der Pinakothek der Moderne e.V.?Foto: Wilfried Petzi?
© Gillian Wearing, courtesy Maureen Paley, London

Die Betrachtung von Kunstwerken birgt die Möglichkeit, die eigene Gefühlswelt besser kennenzulernen. Denn nicht selten wecken Bilder Assoziationen mit Erfahrungen, die förmlich „unter die Haut gehen“ und bisweilen über lange Zeit hinweg gespeichert wurden. Kunst berührt unser persönliches emotionales Archiv. Ob Werke als angenehm oder als unangenehm empfunden werden, ob sie irritieren oder beglücken, hängt wesentlich von den gespeicherten Erfahrungen ab.

Tadeusz Kantor ?Die tote Klasse, 1975 ?Rauminstallation, Holzboden, -bänke, -tische, Puppen,
Kleidung,?150 x 150 x 300cm?2007
erworben von PIN. Freunde der Pinakothek der Moderne e.V.?Foto:
Bayerische Staatsgemäldesammlungen,
Sibylle Forster?© Tadeusz Kantor

Bei der Betrachtung von Kunst wird dem Gefühl meist weniger Bedeutung beigemessen als dem Verstand. Denn es scheint der Komplexität und intellektuellen Tiefe von Kunst zu widersprechen. Diese Dominanz des Rationalen schreckt viele ab, sich insbesondere mit zeitgenössischer Kunst zu beschäftigen.

FEELINGS möchte diese Schwellenängste unterlaufen. Denn die Intuition stellt einen wesentlichen Zugang zur Kunst dar. Und schließlich basiert auch die Entstehung eines Werkes auf persönlichem Erleben. FEELINGS möchte diese Perspektive auf die Kunst in den Mittelpunkt stellen.  

Die Ausstellung zeigt Beiträge folgender Künstler und Künstlerinnen:

Hans Aichinger, Monika Baer, Heike Kathi Barath, Vlassis Caniaris, Gregory Crewdson, Alex Da Corte, Nathalie Djurberg und Hans Berg, Drei Hamburger Frauen,Marlene Dumas, Elmgreen & Dragset, Tracey Emin, Gotthard Graubner, Jenny Holzer, Thilo Jenssen, Tadeusz Kantor, Ruprecht von Kaufmann, Mike Kelley und Paul McCarthy, Jochen Klein, Rosa Loy, Rosilene Luduvico, Stephan Melzl, Olaf Metzel, Miwa Ogasawara, Catherine Opie, Laura Owens, Richard Prince, Bernhard Prinz, Alexandra Ranner, Wilhelm Sasnal, Markus Schinwald, Norbert Schwontkowski, Cindy Sherman, Sam Taylor Johnson, Jessica Vaughn, Gillian Wearing, Amelie von Wulffen und Artur Zmijewski.

Die gezeigten Werke entstammen dem Bestand der Bayerischen Staatsgemäldesammlungen, der Sammlung Goetz sowie weiteren privaten Sammlungen.

Kuratoren: Bernhart Schwenk und Nicola Graef