Foto: Maria Høy Hansen

Aus 1.238 Bewerbungen mit 1.962 Projekten und 18.144 Bildern aus 95 Ländern wurden 100 Fotograf*innen für die Teilnahme ausgewählt. Am 26. September finden rund 400 Einzel-Portfolio-Reviews online statt, bei denen die ausgewählten Fotograf*innen mit mehr als 50 internationalen Expert*innen zusammengebracht werden. Die Teilnahme ist kostenfrei und ermöglicht es Fotograf*innen, unabhängig von ihrem Standort oder ihren finanziellen Möglichkeiten teilzunehmen.

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Verkehr am Times Square, New York, USA, 1983
© Thomas Hoepker/Magnum Photos / Die Magie der Straße.
Meisterwerke der Street Photography aus dem Leica Archiv

Die Street Photography ist eines der aufregendsten und vitalsten Genres der Fotografie. Sie dokumentiert das Leben der Menschen im urbanen, öffentlichen Raum auf unmittelbare und authentische Weise, macht gesellschaftliche Veränderungen und kulturelle Entwicklungen sichtbar und bewahrt historische Ereignisse für nachfolgende Generationen. Durch die Linse exzellenter Fotografinnen und Fotografen betrachtet, wird ein scheinbar gewöhnlicher Augenblick dank professioneller Präzision, einzigartiger Motive und einer subjektiven Bildsprache zu einem bedeutenden historischen Dokument, das weit über den eigentlichen Moment hinausweist.

Grand Central Station, New York City, USA, 1995
© Frieder Bickle / Die Magie der Straße. Meisterwerke der
Street Photography aus dem Leica Archiv

Ihren Ursprung hat die Street Photography im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert. Die Erfindung handlicher und leichter Kameras, unter anderem die von Oskar Barnack entwickelte Kleinbildkamera Leica, ermöglichte es, mit der Fotografie das Studio zu verlassen. Als erste Kamera nutzte sie 35-mm- Kinofilm im Querformat, der dem Kleinbildformat von 24 × 36 mm entsprach. Diese technische Innovation bedeutete eine Revolution: Fotografinnen und Fotografen konnten das Alltagsgeschehen erstmals spontan, unmittelbar und ohne aufwendige Inszenierung von Licht und Pose festhalten.

f3 – freiraum für fotografie, Prinzessinnenstraße 30, Berlin

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Christoph Schlingensief, Church of Fear, Biennale Venedig, 2003, Courtesy: Nachlass des Künstlers © Christoph Schlingensief, Foto: Edzard Piltz

„Christoph Schlingensief hat die Grenzen zwischen Theater, Film, Oper, politischer Aktion und bildender Kunst konsequent aufgehoben. Seine Arbeiten konfrontieren uns mit den Widersprüchen ihrer Zeit und fordern dazu auf, gesellschaftliche Wirklichkeiten immer wieder neu zu befragen“, schreibt Jenny Schlenzka, Direktorin Gropius Bau.

Christoph Schlingensief Chance 2000 – Partei der letzten Chance, 1998, Installationsansicht, MAK, 2026 © Aino Laberenz, Foto: kunst-dokumentation.com/MAK

Christoph Schlingensief zählt zu den einflussreichsten deutschen Künstler*innen seiner Generation. Obwohl seine Arbeiten unmittelbar auf politische und gesellschaftliche Fragestellungen ihrer Entstehungszeit reagierten, entfalten sie auch im Hier und Jetzt eine besondere Relevanz: Sowohl seine frühe Auseinandersetzung mit Kolonialismus, Diskriminierung und der Fragilität demokratischer Gesellschaften als auch seine Forderung nach Haltung und Austausch berühren wesentliche Debatten der Gegenwart. In acht Räumen und dem zentralen Lichthof präsentiert Christoph Schlingensief: Es ist nicht mehr mein Problem, macht eure Scheiße alleine Installationen und Videoarbeiten, die durch dokumentarisches Film- und Archivmaterial kontextualisiert werden. Rund neun Werkkomplexe aus der Zeit vom Ende der 1990er bis zum Ende der 2000er Jahre machen dabei seine künstlerischen Strategien sowie die permanente Bewegung des Fragens, Zweifelns und Scheiterns sichtbar, die seine Praxis prägte.

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Dabei kann es um neue Vermittlungskonzepte in Schulen, Fotografieprojekte und Workshops zu ausgewählten aktuellen Themen, gehen, um Fotografie erfahrbar zu machen oder um die Erschaffung eines Netzwerks für Fotografie. Einen Blick auf die Preisträger*innen und die Projekte der letzten Jahre erklärt gut, worum es dabei geht, Sie sind einzusehen auf der Website der DGPh. Mit dem Bildungspreis soll die öffentliche Wahrnehmung fotografischer Bildungsarbeit weiter erhöht und der Fokus auf das Medium Fotografie als Kulturgut gelenkt werden.

Der Preis wird im Jahr 2026 erstmals mit 3.000 Euro dotiert und versteht sich als Förderpreis, auch für Projekte, die noch im Entstehen sind. Der DGPh Bildungspreis wird fortan alle zwei Jahre vergeben.

Neben dem Vorstand der Sektion Bildung, gehören der Jury weitere Expertinnen und Experten der Fotografie-Vermittlung an, darunter immer auch der Preisträger oder die Preisträgerin des Vorjahres. Die Konzeption und Vergabe des Preises liegt bei der Sektion Bildung der DGPh.

Für die Bewerbung erforderlich ist eine aussagekräftige Projektbeschreibung. Fotografien und eventuell vorhandene Veröffentlichungen in der Presse können ebenfalls beigefügt werden. Die Einreichungen können ausschließlich online über das Online-Portal der DGPh eingereicht werden.

Einreichungsschluss ist der 30. September 2026.

Zur Einreichungsseite

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Hier einige der Highlights, die in Wien unter den Hammer kommen:

MORIZ NÄHR (1859–1945) Das letzte Porträt von Gustav Klimt, Wien 1917

Anton Giulio Bragaglia (1890–1960)
‘Lo Schiaffo‘ (Die Ohrfeige), photodynamisch, Rom 1912 Schätzpreis: 24.000 – 28.000 Euro
1910 begannen Anton Giulio und Arturo Bragaglia den futuristischen „Fotodinamismo“ zu entwickeln, um Bewegungsabläufe in Langzeitbelichtungen festzuhalten.

Ernst Haas (1921-1986)
Zerrissenes Plakat, 1961
Schätzpreis: 7000 – 8000 Euro

Şahin Kaygun (1951–1992)
Ohne Titel, 1983
Schätzpreis: 1000 – 1200 Euro

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Die totale Sonnenfinsternis erreicht ihren Höhepunkt am 12. August um 20.31 Uhr. In diesem Moment verdeckt der Mond die untergehende Sonne vollständig. Astrophysiker Harald Lesch und Co-Moderatorin Jasmina Neudecker führen gemeinsam durch die Live-Sendung. Zu den Gästen zählen die Astronomin und Astrophysikerin Lisa Kaltenegger sowie der Astronaut Alexander Gerst. Im Mittelpunkt stehen unter anderem die astronomischen Hintergründe des Ereignisses sowie die Frage, wie sich eine Sonnenfinsternis aus dem All beobachten lässt und ob vergleichbare Konstellationen auch in anderen Planetensystemen denkbar sind.

Die Übertragung beginnt um 20.00 Uhr im ZDF-Streaming-Portal und auf dem YouTube-Kanal „Terra X Lesch & Co“. Ab 20.15 Uhr übernimmt 3sat die Live-Ausstrahlung. Das ZDF-Hauptprogramm schaltet bei geeigneten Wetterbedingungen zwischen etwa 20.25 Uhr und 20.35 Uhr direkt zur Sonnenfinsternis.

Neben der klassischen Fernsehübertragung stellt das ZDF mehrere parallele Livestreams bereit. Eine 360-Grad-Kamera ermöglicht zusätzliche Blickwinkel. Außenreporter Uli Kunz begleitet das Ereignis auf einem Boot vor der Küste Mallorcas, während Eric Mayer Eindrücke von Beobachtungsplätzen auf der Insel einfängt. Auch Einblicke in die Produktion der Live-Sendung gehören zum Angebot. Peter Arens, Hauptredaktionsleiter Geschichte und Wissenschaft im ZDF, beschreibt das Konzept als das erste „Terra X“-Ereignis, das gleichzeitig im Fernsehen, im Streaming und in sozialen Medien live stattfindet.

Harald Lesch erklärt die anhaltende Faszination von Sonnenfinsternissen mit ihrer Wirkung auf das menschliche Empfinden: „Unser gesamtes Gottvertrauen geht zurück auf die Tatsache, dass die Dinge sich am Himmel wiederholen. Eine Sonnenfinsternis durchbricht diese Erfahrung. Dass die Sonne plötzlich nicht mehr scheint, erschüttert uns tief in unseren Erwartungen. Selbst heute bleibt eine gewisse Angst, obwohl wir alle wissen, dass es wieder hell wird.“

Für Interessierte stellt das ZDF ergänzend Interviews mit den beteiligten Fachleuten sowie weitere wissenschaftliche Inhalte im Streaming-Portal und auf dem YouTube-Kanal von „Terra X Lesch & Co“ bereit.

Fazit

Die totale Sonnenfinsternis über Mallorca zählt zu den seltenen Himmelsereignissen, bei denen sich astronomische und fotografische Bedingungen in besonderer Weise ergänzen. Die Kombination aus Totalität und Sonnenuntergang eröffnet ungewöhnliche Bildmöglichkeiten, die nur in einem schmalen Zeitfenster entstehen. Für Astrofotografen bietet die Live-Übertragung zugleich eine wertvolle Orientierung bei der Beobachtung und Vorbereitung ähnlicher Ereignisse. Da eine totale Sonnenfinsternis von Deutschland aus erst 2081 wieder zu sehen sein wird, besitzt die Beobachtung auf Mallorca auch aus fotografischer Sicht einen hohen dokumentarischen Wert.

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Ramona Schacht
aus dem Album Tabak -Anbau im Orient I , Sammlung Dr. David Schnur, ca. 1920 –
1930, Fotoarchiv Reemtsma, Museum der Arbeit, Hamburg.
aus dem Tableau Gebeugte Körper, innerhalb der Werkserie Photography’s Claim to Property.
Bilder im Auftrag Reemtsmas
2026
© Ramona Schacht

Die bisher kaum ausgestellten Dokumente bilden das Fundament für die neueste Arbeit Photography’s Claim to Property. Bilder im Auftrag Reemtsmas der Leipziger Künstlerin Ramona Schacht (*1989). Schacht setzt sich intensiv mit den dargestellten Arbeitswelten auseinander und hinterfragt, welche politischen, ökonomischen sowie körperlichen Ordnungen in diesen Bildern sichtbar werden, und welche verdeckt bleiben. Der Rohstoff Tabak ist dabei in Form von selbst gezogenen Pflanzen in der gesamten Ausstellung präsent.

Ramona Schacht
Noch ein Tanz (Detail)
nach einer Sequenz aus dem Auftragsfilm Die
Welt des Tabaks, 1954/55, Alfred Ehrhardt Stiftung, Berlin
2026
Duplex -Siebdruck auf Zigarettenpapier
© Ramona Schacht

Ehrhardts Film „Die Welt des Tabaks“ (1956) sowie die parallel dazu entstandenen Fotografien, dokumentieren verschiedene Produktionsräume des Tabaks. Die Reise führt vom ursprünglichen Tabakanbau in Mazedonien über die technologische Modernität US -amerikanischer Fabriken bis nach Hamburg, um die Produktionskraft des Reemtsma-Konzerns zu inszenieren. Ausgehend davon führte Schacht umfangreiche Recherchen im Reemtsma-Fotoarchiv sowie in weiteren Archiven zur Tabakproduktion der 1920er bis 1950er Jahre durch und verschiebt somit den Blick vom einzelnen Dokument hin zu übergreifenden Bildordnungen. Ihre künstlerische Auseinandersetzung mit diesem Archivmaterial ist dabei bewusst fragmentarisch angelegt, da kein einzelnes Bild heute die gesamte historische Realität tragen kann. Aus einer gesellschaftskritischen Perspektive untersucht sie, wie weibliche Arbeit in Ehrhardts Bildern zugleich sichtbar gemacht und bewertet wird.

Ramona Schacht
Tableau Gebeugte Körper (Detail)
innerhalb der Werkserie Photography’s Claim to
Property. Bilder im Auftrag Reemtsmas
2026
© Ramona Schacht

Im Film tritt die weibliche Arbeit vor allem in Masse und Rhythmus auf. Auf dieser Beobachtung basieren die ersten beiden Werkgruppen, für die Schacht direkte Eingriffe in Ehrhardts Aufnahmen vornimmt. Ihre Tableaus mit den sprechenden Titeln Gebeugte Körper  und Vorbestimmte Besetzung aus verschiedenen Momentaufnahmen der Arbeit auf den  Tabakfeldern und in den Fabrikhallen legen die Strukturen der industriellen Bildsprache sowie die Gesten und Körperhaltungen der Arbeiterinnen offen. Die Frauen sind nicht nur passiv ins
Bild gesetzt, sondern bestimmen aktiv dessen Komposition. Schacht isoliert Fluchtlinien,  Zentralperspektiven, Wiederholungen sowie geometrische Ordnungen, übersetzt diese in präzise Linien und Punkte und lässt so ein neues grafisches Gerüst entstehen.

Alfred Ehrhardt
Tabakblüte
aus der Serie Die Welt des Tabaks 1956
© Alfred Ehrhardt Stiftung

Das Motiv des gebeugten, weiblichen Körpers reicht weit über die Tabakproduktion hinaus und erinnert an kunsthistorische Ikonen wie Jean -FranÁois Millets Die Ährenleserinnen von 1857. Solche Darstellungen wurden oft ästhetisiert und in einer Schönheit gezeigt, welche die Härte der realen Arbeit abmildert. Entsprechende kunsthistorische Querverweise in den Vitrinen machen Schachts Rechercheprozess direkt greifbar. Im Fall der Feldarbeiterinnen führt der Weg zu Fotografien aus dem sogenannten „Krim -Album“ von 1943 aus dem Reemtsma-Archiv.

Diese Dokumente öffnen die kritische Frage nach der Geschichte der Tabakproduktion während des Nationalsozialismus, insbesondere nach der Zwangsarbeit auf der Krim. Schacht überführt eine Fotografie von Feldarbeiterinnen in ein aufwendiges Jacquard-Gewebe. Damit verweist sie auf historische Tapisserien und Wandbehänge, die lange Zeit als Medien von Macht, Besitz und herrschaftlicher Ausstattung dienten. Auch in der Auftragsfotografie werden Arbeiterinnen stets doppelt vereinnahmt, sowohl durch die Unternehmen als auch durch die
Kamera des Fotografen.

Ramona Schacht mit den selbst gezogenen
Tabakpflanzen

In einem inszenierten Gespräch begegnet Schacht einem fiktiven Filmemacher der Nachkriegszeit aus der heutigen Perspektive und befragt seine Rolle als Autor, Regisseur und Sprecher. Diese als eigenständige filmische Arbeit präsentierte Begegnung führt die unterschiedlichen Ebenen der künstlerischen Recherche zusammen. Der historische Film, die Archivbilder, der männliche Blick, die Frage nach historischer Verantwortung und die Möglichkeit, geschichtliches Material aus einer gegenwärtigen Sichtweise neu zu lesen, werden so verknüpft. Über alle Ebenen hinweg lädt die Ausstellung dazu ein, historische Bilder nicht als neutrale Dokumente zu behandeln. Sie ermöglicht eine kontinuierliche Auseinandersetzung mit den Schichten von Geschichte, Arbeit und kultureller Wahrnehmung. Besonders bei der Darstellung weiblicher Arbeit eröffnet Schacht neue Sichtachsen auf oft übersehene Realitäten in den Produktionsprozessen, darunter prekäre Arbeitsverhältnisse, globale Lieferketten und Körper, die durch ökonomische Systeme kontrolliert und austauschbar gemacht werden. Ihre Recherche ist kein reiner Blick zurück, sondern der präzise Versuch, in den historischen Bildern Strukturen zu erkennen, die bis in die Gegenwart spürbar nachwirken.

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50 Jahre BMW Art Cars und BMW 3er Serie im BMW Museum

Die Idee hinter den BMW Art Cars ist einfach und bis heute einzigartig: Künstlerinnen und Künstler gestalten BMW Fahrzeuge als eigenständige Kunstwerke. Einige dieser Fahrzeuge waren zugleich echte Rennwagen. So treffen in der Sammlung Farbe, Form, Geschwindigkeit und Technik aufeinander – sichtbar und verständlich auch ohne kunsthistorisches Vorwissen. Begonnen hat alles 1975, als der französische Rennfahrer und Kunstauktionator Hervé Poulain gemeinsam mit Jochen Neerpasch, damals Leiter der BMW-Motorsportabteilung, den Künstler Alexander Calder ein Rennfahrzeug gestalten ließ.

BMW Art Car von Matazo Kayama. Foto: Werner Deisenroth (c) BMW AG

„Als wir gemeinsam mit Alexander Calder die erste ‚rollende Skulptur‘ für das 24-Stunden-Rennen von Le Mans vorbereiteten, gingen wir davon aus, dass es sich um eine einmalige Aktion handeln würde. Doch schon als das Kunstwerk fertiggestellt und der Calder-BMW 3.0 CSL in Paris präsentiert wurde – und erst recht, als er in Le Mans an den Start ging –, waren wir überzeugt, dass dies nicht das letzte bleiben würde. Ich hätte mir nie träumen lassen, dass daraus die weltweit bedeutendste Reihe von Automobil-Kunstwerken entstehen würde.“ Jochen Neerpasch

BMW Art Car von Ernst Fuchs. Foto: Jean-Marie Bottequin © BMW AG

Für München bedeutet die Ausstellung: Eine international bekannte Sammlung wird für einige Wochen kostenfrei zugänglich – an einem Ort, den viele Münchnerinnen und Münchner ebenso kennen wie Gäste der Stadt. Zu sehen sind Arbeiten von Künstlergrößen wieFrank Stella, Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Robert Rauschenberg, Esther Mahlangu, David Hockney, Jenny Holzer, Jeff Koons, Cao Fei und Julie Mehretu. Die Fahrzeuge erzählen zugleich von fünf Jahrzehnten Automobildesign und technischer Entwicklung – vom BMW 3.0 CSL über den BMW M1 und BMW Z1 bis hin zum BMW M Hybrid V8.

BMW Art Car von Olafur Eliasson (c) Studio Olafur Eliasson and BMW Group

Ein Rundgang, der ohne Vorwissen funktioniert.
Die Schau ist so angelegt, dass Besucherinnen und Besucher Schritt für Schritt in die Geschichte der Art Cars einsteigen können. Kurze Filme am Anfang erklären Idee, Entstehung und Bedeutung der Sammlung. Danach führt der Rundgang von den jüngsten Fahrzeugen zurück zu den Anfängen. So wird nachvollziehbar, wie unterschiedlich Künstlerinnen und Künstler über fünf Jahrzehnte hinweg auf Mobilität, Zeitgeist und Technik geblickt haben. Das von Julie Mehretu gestaltete BMW Art Car #20 – die jüngste Ergänzung der BMW Art Car Collection – zeigt zudem, dass das Projekt heute auch über das Fahrzeug hinauswirken kann: Gemeinsam mit Mehret Mandefro (Drehbuchautorin und Filmproduzentin) gründete sie im Rahmen ihres BMW Art Car Projekts das African Film and Media Arts Collective (AFMAC), das Kunst- und Filmschaffende aus Afrika und der Diaspora fördert.

BMW Art Car von Roy Lichtenstein (c) BMW AG

BMW Art Car von David Hockney (c) BMW AG

Im Auditorium entsteht ein chronologischer Weg durch die Jahrzehnte. Ein Zeitstrahl an den Wänden hilft bei der Orientierung und ordnet die Fahrzeuge in ihre jeweilige Zeit ein. Am Ende steht der Anfang der Sammlung im Mittelpunkt: Alexander Calders BMW Art Car #1.

Ein besonderes Highlight ist Olafur Eliassons „BMW H2R Project“ (BMW Art Car #16) auf dem Vorplatz Ost. Das Werk basiert auf einem Wasserstoff-Prototypen und wurde seit seiner Weltpremiere 2007 erst dreimal als vollständige Installation gezeigt. Eliasson ersetzte die Karosserie durch ein netzartiges Metallgeflecht und überzog es mit gefrorenem Wasser. Die von innen beleuchtete Konstruktion wiegt rund zwei Tonnen – ein eindrucksvolles Bild für die Frage, wie Mobilität, Energie und Verantwortung zusammenhängen.

„Indem ich Kunst und Design mit gesellschaftlichen und ökologischen Themen verbinde, möchte ich dazu beitragen, dass Autos auf eine andere Art und Weise gedacht, empfunden und erlebt werden und dass sie im Zusammenhang mit der Zeit und dem Raum, in denen wir leben, betrachtet werden.“ Olafur Eliasson

Auch für Familien und spontane Besuche geeignet.
Ergänzt wird die Ausstellung durch ein digitales Angebot der BMW Welt, welches Kunst, Technologie und Interaktion miteinander verbindet. Die digitale Anwendung Treasure Hunt (Schatzsuche) lädt dazu ein, die BMW Art Cars spielerisch zu entdecken. Besucherinnen und Besucher scannen die an den Fahrzeugen platzierten QR-Codes und sammeln digitale Spielkarten in ihrem persönlichen Wallet. Bereits nach fünf gescannten BMW Art Cars wird ein exklusiver Gutschein freigeschaltet, der nach Registrierung aktiviert und vor Ort im „Cooper‘s Garden“ für eine Erfrischung eingelöst werden kann. Die Treasure Hunt verbindet spielerisches Erkunden mit vertiefenden Informationen zu Kunst, Design und Innovation.

Zusätzlich bietet die ARTLAS App einen digitalen Zugang zu allen 20 BMW Art Cars – mit Werktexten und Themenrouten in Textform und im Audioguide. Die Inhalte richten sich an unterschiedliche Interessen und Altersgruppen: vom schnellen Überblick bis zur vertiefenden Information. Der Download der App für Smartphones ist unter www.artlas.art möglich.

Allgemeine Informationen für den Besuch
„BMW ART CARS – 20 ARTISTS, 50 YEARS OF INNOVATION. REUNITED AT BMW WELT.”
Die Ausstellung ist kostenfrei zugänglich und eignet sich für einen kurzen Besuch ebenso wie für einen längeren Rundgang – etwa in Verbindung mit dem Olympiapark, dem BMW Museum oder einem Familienausflug in den Münchner Norden.

Ausstellungsdauer: 29. Juli – 31. August 2026
Ort: BMW Welt (Auditorium), Am Olympiapark 1, 80809 München
Öffnungszeiten: Montag–Sonntag 09:00–18:00 Uhr (Eintritt frei)

Offene Führungen
Täglich stattfindende Kurzführungen für Einzelbesucher und Kleingruppen.

Termine: 2x täglich (Deutsch & Englisch)
Bis inkl. 14. August: 13:00 Uhr (DE) | 14:30 Uhr (EN)
Ab 15. August: 12:00 Uhr (DE) | 14:30 Uhr (EN)
Dauer: ca. 30 Minuten
Preis: 12,00 € pro Person
Teilnehmerzahl: max. 15 Personen
Buchung: Tickets sind online über den Ticketshop erhältlich.
Exklusive Sonderführungen können auf Anfrage unter booking@bmw.com gebucht werden.

BMW Welt Lifestyle & Accessory Shop: Neben der neu aufgelegten Publikation
„BMW Art Cars“ (Hatje Cantz Verlag) können während der Laufzeit der Ausstellung die Miniaturen (1:43) von Alexander Calder und Roy Lichtenstein im Shop der BMW Welt erworben werden. Zudem besteht die letzte Chance auf ausgewählte Stücke der Art Car Capsule Collection by Cao Fei (BMW Art Car Artist #18).

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Es ist ein ikonisches Foto: Eine nackte Frau in einer gekachelten Badewanne, vor ihr stehen ausgetretene, dreckige Stiefel auf dem Boden, links im Hintergrund ein Porträt von Adolf Hitler. Es ist tatsächlich die Badewanne Hitlers in der Prinzregentenstraße 16 in München, die Frau ist die Kriegsfotografin Lee Miller, eine der wichtigsten Fotografinnen des 20. Jahrhunderts.

In Hitlers Badewanne

Lee Miller, gespielt von Kate Winslet ist ehemaliges „Vogue“-Model, Muse des Fotografen Man Ray, Kriegsfotografin für die „Vogue“. Genau davon, von ihrer Zeit als Frau mit der Kamera an der Front, erzählt der Film, der von seiner Hauptdarstellerin auch produziert wurde. Die Zuschauenden lernen sie in Rückblicken kennen, im Urlaub mit Freunden in Südfrankreich 1938. Dort lernt sie ihren späteren Mann kennen, den Kunsthändler Roland Penrose, und folgt ihm nach London.

Als Kriegsreporterin unterwegs

Dort heuert sie bei der britischen „Vogue“ als Fotografin an, mitten im Zweiten Weltkrieg, reist – weil es unter britischer Flagge als Frau nicht erlaubt ist – mit amerikanischem Auftrag als Reporterin an die Front und fotografiert. Gemeinsam mit ihrem Kollegen David Scherman ist sie bei der Befreiung von Paris dabei, schleicht sich in Hitlers verlassene Wohnung, ist als eine der ersten Alliierten in den Konzentrationslagern Buchenwald und Dachau und dokumentiert die Gräueltaten der Nazis.

Ein spannender Film

„Die Fotografin“ ist keine klassische Heldenreise, nicht die Dramatik des Lebens von Lee Miller steht im Vordergrund, sondern ihr Inneres. Kate Winslet hat über acht Jahre gemeinsam mit Lee Millers Sohn recherchiert, ihr persönliches Archivmaterial gesichtet, um sie besser greifen zu können.

Dabei, so sagt sie im Interview, geht es ihr – und Regisseurin Ellen Kuras – vor allem um den weiblichen Blick: „Es ist die Perspektive, die wir sonst eher selten erzählt bekommen. Allein weil wir uns Frauen in diesem Beruf überhaupt nicht vorstellen können. Aber es gibt sie. Das hat mich so gereizt. Die Geschichte einer Frau zu erzählen, die immer als Ex-„Vogue“-Model beschrieben wurde, als ehemalige Muse des Fotographen Man Ray. Aber das war nur ein kleiner Ausschnitt ihres Lebens. Sie war so viel mehr.“

Winslet spielt sie mit einer unglaublichen Präsenz, mal getrieben, selbstbewusst und souverän, mal verletzlich und scheu, mit allen Höhen und Tiefen des Lebens – und immer ehrlich. Eigenschaften, die sich auch in ihren Fotos widerspiegeln. „Die Fotografin“ ist ein Film über eine Frau, die endlich die Ehre und Aufmerksamkeit bekommt, die sie schon zu Lebzeiten verdient hätte.

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Helga Paris: aus der Serie: Häuser und Gesichter. Halle 1983–85,
Silbergelatine/Vintage Print, Kulturstiftung Sachsen-Anhalt,
Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale), Repro: Kulturstiftung
Sachsen-Anhalt © Nachlass/Estate Helga Paris

Mittlerweile legendär und ein Fotoklassiker ist die Diva in Grau – der Bildband mit einer Auswahl aus Helga Paris’ ikonischer Fotoserie Häuser und Gesichter. Halle 1983–85. Nun sind erstmals seit 20 Jahre wieder alle 101 Fotografien zu sehen und erscheint in einem hochwertig ausgestatteten Katalog die ganze Geschichte über das Verbot der Ausstellung vor 40 Jahren – im Juni 1986.

Helga Paris: aus der Serie: Häuser und Gesichter. Halle 1983–85,
Silbergelatine/Vintage Print, Kulturstiftung Sachsen-Anhalt,
Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale), Repro: Kulturstiftung
Sachsen-Anhalt © Nachlass/Estate Helga Paris

Der Fotograf Arno Fischer (1927–2011) regte Anfang der 1980er Jahre an, die DDR in der sozialdokumentarischen Tradition der US-amerikanischen Fotografie der 1930er Jahre zu fotografieren. „Ich nehme Halle“ – war die spontane Reaktion von Helga Paris, deren Tochter Jenny Paris in der Stadt eine Ausbildung machte.

Helga Paris: aus der Serie: Häuser und Gesichter. Halle 1983–85,
Silbergelatine/Vintage Print, Kulturstiftung Sachsen-Anhalt,
Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale), Repro: Kulturstiftung
Sachsen-Anhalt © Nachlass/Estate Helga Paris

Die Fabriken des größten Industriestandorts der DDR hatten einen diesig-grauen Schleier über die Stadt gelegt, viele Altbauten waren in einem desaströsen Zustand. In Paris’ Bildern verschmelzen atmosphärische Architekturfotos mit charakterstarken Porträts zu einer poetisch-dokumentarischen Darstellung der Stadt.

1986 sollten die Bilder erstmalig in der vom Verband Bildender Künstler der DDR geführten Galerie Marktschlößchen in Halle (Saale) gezeigt werden, doch es kam zum Eklat. Zu deutlich zeigten sie den Verfall der Innenstadt und stellten damit, von der Fotografin unbeabsichtigt, aus Sicht der Kulturpolitiker*innen die städtische Planungspolitik infrage – ein heikles Thema.

Helga Paris: aus der Serie: Häuser und Gesichter. Halle 1983–85,
Silbergelatine/Vintage Print, Kulturstiftung Sachsen-Anhalt,
Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale), Repro: Kulturstiftung
Sachsen-Anhalt © Nachlass/Estate Helga Paris

Die Ausstellung wurde politisch unterbunden, der Katalog eingezogen. 1987 beauftragte der Rat des Bezirkes Halle die Fotografin Konstanze Göbel (* 1950) mit einem Gegenprojekt, das die Umbruchsituation und die Neubauten zeigen sollte. Göbels Bilder jedoch lassen sich eher im Sinne von Helga Paris lesen, denn als Gegenmanifest. Im Mai 1989 kaufte das hallesche Kunstmuseum die Fotografien von Helga Paris, doch erst 1990 konnten sie endlich ausgestellt werden.

Helga Paris: Selbst Portrait, während ihrer Arbeit an der Serie:
Häuser und Gesichter. Halle 1983–85 © Nachlass/Estate Helga Paris

Heute zählt Paris’ Halle-Zyklus nicht zuletzt durch das Buch Diva in Grau zu den Schätzen der Fotogeschichte. Die Ausstellung präsentiert die Originalabzüge und beleuchtet die bewegte Geschichte der Serie umfassend mit Archivmaterial. Im Abgleich mit der heutigen Realität der Stadt zeigt sich die Transformation des Stadtbildes zur „Diva in Grün“.

Kuratiert wurde die Ausstellung von Dr. Jule Schaffer

Zur Ausstellung erscheint im Mitteldeutschen Verlag ein Katalog, der Helga Paris als eine der bedeutendsten ostdeutschen Fotografinnen vorstellt, die Geschichte hinter den Bildern erzählt und Zeitzeug*innen zu Wort kommen lässt.

Helga Paris. Häuser und Gesichter. Halle 1983–85. Die Geschichte eines Fotoklassikers
27 x 30 cm, Leineneinband, 208 Seiten, 101 Abb.,
ISBN 978-3-96502-042-9 | 48 Euro (im Museum),
58 Euro (im Buchhandel)

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