Foto Hal

Während die früheren Werkgruppen Intimität und Beziehung erforschen, prägt insbesondere die Serie Ayarl eine poetische Bildsprache, beeinflusst von japanischer Fotoästhetik und Wabi-Sabi.

Seit er Vater geworden ist, fasziniert PHOTOGRAPHER HAL die besondere Bindung zwischen Mutter und Kind. „Ich habe viele Jahre zum Thema Liebe gearbeitet und mich gefragt, wie Liebende zueinander finden – als wären sie ursprünglich ein einziges Wesen. So auch Mutter und Kind. Um sie ‚zusammenzuhalten‘, habe ich sie in Eis eingeschlossen und fotografiert. Ihr Aussehen verändert sich von Moment zu Moment, doch wirkt es ewig. Schließlich schmelzen sie, vermischen sich und werden wieder eins.“

Foto Hal

Sein Werk ist universell und inklusiv: PHOTOGRAPHER HAL porträtiert Menschen jeden Alters, Geschlechts und kulturellen Hintergrunds – und zeigt die Vielfalt menschlicher Verbundenheit in kraftvollen, provokativen Bildern.

VisuleX Gallery for Photography, Loogestraße 6, Hamburg-Eppendorf

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Frieder Bickhardt: Anna, 2018, aus der Serie City Plaza
© VG Bild-Kunst, Bonn / Frieder Bickhardt

Bis zu 450 Personen haben zeitweise in dem Gebäude in Athen gelebt. Frieder Bickhardt hat den Ort über die Jahre insgesamt fünfmal besucht und während seiner aktiven Mitwirkung ein vielschichtiges photographisches Projekt erarbeitet. Für seine Portraits hat er auf der Dachterrasse des Gebäudes einen improvisierten weißen Hintergrund installiert, vor welchem er die Personen zumeist einzeln und als Brust- oder Halbportrait streng frontal abgelichtet hat. Durch diese Herangehensweise rückt Frieder Bickhardt einerseits die Individualität und Persönlichkeit eines jeden einzelnen in den Mittelpunkt und betont gleichzeitig das Verbindende und Gemeinschaftliche der Gruppe.

Die Jury, bestehend aus Dr. Anja Bartenbach, Stifterfamilie; Prof. Dr. Franziska Brons, Kunsthistorikerin, FU Berlin; Jean-Paul Deridder, Kurator, Brüssel; Andreas Mader, Photograph, Winterthur und Claudia Schubert, Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, zeigt sich von Konzept und technisch formaler Ausarbeitung der Portraitaufnahmen besonders überzeugt. „Frieder Bickhardt hat in seinem Projekt mit photographisch gekonnten Mitteln eine der wichtigen Fragen der Gegenwart angesprochen und auf menschliche Grundfragen verwiesen“, so die Jury.

Frieder Bickhardt: Malik, 2018, aus der Serie City Plaza © VG Bild-Kunst, Bonn / Frieder Bickhardt

Im Frühjahr 2027 wird „City Plaza“ in der Photographischen Sammlung/SK Stiftung Kultur präsentiert. Über die Portraits hinaus sind zwei weitere Serien Teil des Projekts: Zum einen eine dokumentarische Beschreibung des Ortes und der Räume, zum anderen Photographien, die die Bewohner*innen selbst von ihren alltäglichen Erfahrungen gemacht haben.

Frieder Bickhardt (*1987) hat an der HS Hannover, der HAW Hamburg und der Dänischen Hochschule für Medien und Journalismus in Aarhus studiert. Seit 2014 ist er als freischaffender Photograph tätig. Er lebt und arbeitet in Leipzig. Auch ist er Mitbegründer der photographischen Initiative unofficial.pictures, die Workshops und Ausstellungen veranstaltet, Bücher und Zeitungen herausgibt, mit dem Fokus auf Inklusion und gesellschaftlicher Teilhabe.

Der August-Sander-Preis wird seit 2018 alle zwei Jahre ausgelobt, gestiftet von Ulla Bartenbach und Prof. Dr. Kurt Bartenbach. Auch auf die nun fünfte Ausschreibung ist die Resonanz erfreulich groß gewesen, mehr als 120 Einsendungen aus dem In- und Ausland sind eingegangen.

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Vector of Compliance Defensive Readiness Revised Edition 2025 copyright Amin Yousefi.

Auf der Short List 2026 stehen die Künstler:innen Nicolás Bernal (*2000, Kolumbien), Debora Brune (*1996, Deutschland), Bimal Fabbri (*1993, Nepal) und Ashley McLean (*1996, USA).

Der C/O Berlin Talent Award 2026 in der Position Writer geht an Maxi Wallenhorst (*1993, Deutschland). Sie wird einen theoretischen Essay verfassen, der sich mit dem Gewinner-Projekt Defensive Readiness auseinandersetzt, und dieses im Diskurs rund um das Thema Body Politics verorten. Gemeinsam mit einem Interview mit dem Künstler wird dieser anlässlich der ersten Einzelausstellung von Amin Yousefi in einer monografischen Publikation von C/O Berlin herausgegeben.

Defensive Allegory I Defensive Readiness Revised Edition 2025 copyright Amin Yousefi.

In einer Zeit, die von politischen Unruhen und Ängsten rund um Grenzen, Überwachung und körperliche Selbstbestimmung geprägt ist, untersucht der Fotokünstler Amin Yousefi in seinem Projekt Defensive Readiness (2025) wie Machtsysteme durch den Körper vergegenwärtigt werden. Durch die Kombination von Fotografie mit schematischen Linienzeichnungen und kartografierten Gesten zeichnet Yousefi nach, wie visuelle Sprachen staatlicher Anweisungen und Kontrolle verbreitet, erlernt und verinnerlicht werden. Die Jury war besonders beeindruckt von der Art und Weise, wie Yousefi das Material einsetzte, um die anhaltenden Auswirkungen staatlicher Macht in den Vordergrund zu rücken und aufzudecken, wie Kontrollsysteme in Formen sozialer Konditionierung aufgenommen werden.

Protective-Apparatus-I_Defensive-Readiness_Revised-Edition 2025 Amin Yousefi Diagrams of Bodily Protection copyright Amin Yousefi.

Maxi Wallenhorsts Forschung und Kunstkritik befassen sich mit Fragen von Gender, Körper und Macht. Dabei schafft sie unerwartete und produktive Verbindungen zwischen anekdotischen Beobachtungen der Gegenwart und komplexen theoretischen Diskursen. Wallenhorsts kritische Auseinandersetzung mit der globalen Krise der Maskulinität erweitert die Themen aus Defensive Readiness von Amin Yousefi. Die Positionen verbindet die Beschäftigung mit der Disziplinierung des Körpers durch autoritäre Systeme, Ideologie und Staatsgewalt.

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Der Gewinner des BFF-Förderpreises bei der Vernissage in der Zingster Panzerhalle.
© WhiteWall

Der BFF vertritt als Berufsverband die Interessen professioneller Fotografen und Filmemacher und engagiert sich insbesondere in den Bereichen Ausbildung, Nachwuchsförderung und berufliche Rahmenbedingungen. Der BFF-Förderpreis verbindet Wettbewerb, Mentoring und öffentliche Präsentation der Arbeiten und bietet den Teilnehmern damit eine Plattform für die Weiterentwicklung ihrer fotografischen Praxis.

Für die aktuelle Ausgabe arbeiteten zwölf ausgewählte Nachwuchsfotografen über einen Zeitraum von mehr als sechs Monaten an Projekten zum Thema „Spielen“. Begleitet wurden sie dabei durch ein praxisorientiertes Mentoring-Programm. Die entstandenen Arbeiten zeigen eine große thematische und gestalterische Bandbreite – von persönlichen und emotionalen Zugängen bis hin zu konzeptionellen und gesellschaftlichen Fragestellungen.

Die Serie „Rosa“ der Gewinnerinn des 3. Preises, Charly Krüger.

Hauptpartner des Förderpreises war erneut das Fotolabor WhiteWall, das bereits zum dritten Mal die Produktion eines Großteils der Ausstellung übernahm. Für die Präsentation wurden die Arbeiten als Fine-Art-Prints auf Epson-Papier sowie als großformatige Fotodrucke auf Forex realisiert.

Petra Felgen, CEO von WhiteWall, zeigte sich bei ihrem ersten Besuch des Förderpreises beeindruckt von den präsentierten Arbeiten: „Zum ersten Mal bin ich in meiner neuen Position als CEO von WhiteWall bei der Ausstellung und dem BFF-Förderpreis dabei, und es ist wirklich beeindruckend, welche fotografischen Leistungen die Finalisten zeigen. Die gesamte Ausstellung mit WhiteWall-Produkten zu sehen, bewegt mich sehr – und ich freue mich auf viele weitere Kooperationen und Ausstellungen, die noch kommen werden.“

Mit der Serie „Der schwarze Kater“ gewann Zerrina Kaps ebenfalls einen der beiden 3. Preise.
© White Wall

Auch Jan-Ole Schmidt, Produktmanager bei WhiteWall, betonte die Bedeutung der Nachwuchsförderung: „Die Förderung der Fotografie ist für uns bei WhiteWall ein zentrales Anliegen – denn ihre Zukunft entsteht dort, wo neue Perspektiven wachsen: in der nächsten Generation. Deshalb ist das fotografische Engagement der Teilnehmenden und der Wissenstransfer im Rahmen des BFF-Förderpreises so wertvoll.“

Die Preisträger 2025/26

1. Preis
   E. Alejandro De Paoli Padilla – „According to the Dice / From an Inventory of 236 Objects“
2. Preis
   Malte B. Oing – „Playing Birthday Games (Alone)“
3. Preis
   Charly Krüger – „ROSA“
4. Preis
   Zerina Kaps – „Der schwarze Kater“

Die Siegerin und Sieger sowie die Finalistinnen und Finalisten des BFF-Förderpreises 2025/26
Benedikt Burger, „Rhizom“, Haben Ghebregziabher, „In Transition“, E. Alejandro De Paoli Padilla, „According to the Dice“ )Sieger), Lara Habor,„Halbschatten“, Marie Eberhardt, „Herbst“, Jula Antonia Hack, „wie es bleibt“, Theresa Maria Forthaus, „Speaking Without Words“, Neela J. Keane, „Bis einer weint“, Zerina Kaps, „Der schwarze Kater“ (3.Preis), Zoe Linneweber, „Spiel des Erinnerns“, Charly Krüger, „ROSA“ (3.Preis), Malte B. Oing, „Playing Birthday Games (Alone)“ (2.Preis).
© WhiteWall

Die Ausstellung der Finalisten wurde im Rahmen des Umweltfotofestivals in der Panzerhalle auf dem Gelände des Wellness-Camp Düne 6 in Zingst erstmals gezeigt. Die ungewöhnliche Ausstellungslocation steht nur während des Festivals für kulturelle Veranstaltungen zur Verfügung. Außerhalb des Festivalzeitraums wird die Halle vom benachbarten Campingplatz als Lagerfläche genutzt, wodurch die dort präsentierten Ausstellungen nur für kurze Zeit zugänglich sind.

Fazit

Der BFF-Förderpreis hat sich als wichtiger Baustein der fotografischen Nachwuchsförderung in Deutschland etabliert. Die Kombination aus Mentoring, professioneller Produktion und öffentlicher Ausstellung ermöglicht jungen Fotografen den Schritt von der Projektidee zur sichtbaren Präsentation. Die aktuelle Ausgabe zeigt erneut, welche Relevanz solche Förderprogramme für die Entwicklung neuer fotografischer Positionen besitzen.

Infokasten:
Weitere Ausstellungen und Termine

Willy-Brandt-Haus, Berlin

• Ausstellungsdauer: 3. Juli bis 27. September 2026
• Vernissage: 2. Juli 2026, 19 Uhr
• Adresse: Stresemannstraße 28, 10963 Berlin

Prolight Studios, Hamburg

• Adresse: Ruhrstrasse 88 Hinterhof, 22761 Hamburg
• Internet: prolightrent.de
• Termin: Noch nicht bekannt

Regierungspräsidium Karlsruhe

• Adresse: Regierungspräsidium am Rondellplatz, Karl-Friedrich-Straße 17, 76133 Karlsruhe
• Internet: https://rpk.baden-wuerttemberg.de/
• Termin: Nach Auskunft des Präsidiums steht weder fest ob, noch wann die Ausstellung des BFF-Förderpreises 2025/26 dort stattfinden wird.

Weitere Informationen zum BFF-Förderpreis: https://bff.de/. Der direkte Link zum Förderpreis ist augenblicklich nicht erreichbar.

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Positionen zum Thema „Spielen“ first appeared on Das FotoPortal.

Zum zehnjährigen Jubiläum kehrt das Festival an seinen Ursprungsort zurück. Zwischen Untertrave, Koberg, Engelsgrube und Hansahafen wird mit rund 500 Programmpunkte ein buntes Spektakel geboten, das sich über Straßen, Innenhöfe, Plätze und Uferbereiche verteilt. Für Fotografinnen und Fotografen eröffnet sich damit auf engem Raum eine eindrucksvolle Motivvielfalt, die weit über die klassische Veranstaltungsfotografie hinausgeht.

Lübeck Hansekulturfestival – Schirmdekoration
© LTM

Historische Kulisse als fotografische Bühne

Das Seefahrerviertel gehört zu den ältesten Stadtteilen Lübecks. Enge Gänge, Backsteinfassaden, Kopfsteinpflaster und historische Speicher prägen das Stadtbild. Die Nähe zum Wasser und die erhaltenen Strukturen der Hansestadt schaffen Bildräume, die Geschichte und Gegenwart miteinander verbinden.

Besonders entlang der Untertrave und am Hansakai faszinieren die Kontraste zwischen historischen Schiffen, modernen Stadtansichten und den Aktivitäten des Festivals. Die Traditionssegler des Museumshafens bilden dabei markante Motive für Architektur-, Dokumentar- und Reisefotografie. Spiegelungen auf dem Wasser, Takelage vor historischen Fassaden und Blickachsen entlang der Kaikanten sorgen für abwechslungsreiche Bildkompositionen.

Lübeck Hansekulturfestival – Feuershow (c) LTM

Auch die zahlreichen Innenhöfe des Viertels, die während des Festivals geöffnet werden, ermöglichen Einblicke in Bereiche, die außerhalb solcher Veranstaltungen oft nicht zugänglich sind. Dadurch entstehen authentische Aufnahmen des städtischen Lebensraums jenseits bekannter Sehenswürdigkeiten.

Straßenkunst und Begegnungen im Fokus

Das Hansekulturfestival setzt auf kulturelle Beteiligung aus der Stadtgesellschaft. Musik, Theater, Tanz, Lesungen und Straßenkunst finden nicht auf wenigen zentralen Bühnen statt, sondern verteilen sich über das gesamte Quartier. Für die Reportagefotografie ergeben sich dadurch vielfältige Situationen mit spontanen Begegnungen, kreativen Aktionen und kulturellen Darbietungen.

Walking Acts, Artistik und Straßentheater auf dem Koberg bieten Möglichkeiten für dynamische Bildserien. Gleichzeitig entstehen in den Nebenstraßen und Gängen ruhige Szenen des nachbarschaftlichen Miteinanders. Lange Tafeln, Flohmärkte, offene Gärten und Straßenfeste schaffen Motive, die das kulturelle Leben der Hansestadt dokumentieren.

Der Reiz liegt dabei häufig im Nebeneinander von historischen Kulissen und zeitgenössischer Nutzung. Menschen werden Teil einer Umgebung, die seit Jahrhunderten vom Handel, der Schifffahrt und dem Leben am Wasser geprägt ist.

Lübeck Hansekulturfestival
© LTM

Maritimes Erbe trifft lebendige Stadtkultur

Ein besonderer Schwerpunkt des Festivals liegt am Wasser. Der Museumshafen und die angrenzenden Veranstaltungsflächen verbinden maritime Geschichte mit kulturellen Angeboten. Historische Schiffe, Handwerksvorführungen und ein Markt mit Bezug zur Hansezeit schaffen Motive, die sich für dokumentarische Serien ebenso eignen wie für Detailaufnahmen.

Auch das Europäische Hansemuseum wird Teil des Festivalgeschehens. Von der Dachterrasse eröffnen sich Ausblicke über die Altstadt und die Wasserwege Lübecks. Für Stadtfotografie und Panoramaaufnahmen bieten sich hier interessante Perspektiven auf die Silhouette der ehemaligen Hansestadt.

Gerade in den Abendstunden, wenn sich das Licht auf Wasserflächen, Backsteinfassaden und Schiffsrümpfen verändert, entstehen stimmungsvolle Aufnahmen, die den Charakter des Viertels sichtbar machen.

Kulturfotografie als Entdeckungsreise

Das Hansekulturfestival folgt keinem klassischen Veranstaltungskonzept mit klar abgegrenzten Aktionsflächen. Viele Programmpunkte entstehen direkt im öffentlichen Raum oder in privaten Höfen. Dadurch werden Besucherinnen und Besucher selbst zu Entdeckenden.

Für die Fotografie bedeutet dies kurze Wege zwischen Architektur, Straßenleben, Kulturveranstaltungen und maritimen Motiven. Die Mischung aus Weltkulturerbe, Hafenatmosphäre und gelebter Nachbarschaft macht das Festival zu einem interessanten Ziel für alle, die Städte nicht nur über bekannte Wahrzeichen, sondern über ihre Menschen, Geschichten und Räume fotografisch erkunden möchten.

Hansekulturfestival
© LTM

Infokasten

Veranstaltung: Hansekulturfestival Lübeck

Termin: 5. bis 7. Juni 2026

Ort: Seefahrerviertel Lübeck, Bereich Untertrave, Koberg, Hansahafen, Engelsgrube und Kanalstraße

Programm: Rund 500 Kulturveranstaltungen mit Musik, Theater, Straßenkunst, Lesungen, Workshops und Aktionen im öffentlichen Raum

Anreise: Empfehlenswert per Bahn sowie mit öffentlichen Verkehrsmitteln. Während des Festivals sind Straßensperrungen und Einschränkungen im Parkraum zu erwarten.

Übernachtung: Hotels und Pensionen in der Lübecker Altstadt ermöglichen kurze Wege zum Festivalgelände. Alternativ bietet das Ostseebad Travemünde Übernachtungsmöglichkeiten mit Bahnanschluss nach Lübeck.

Informationen: hansekulturfestival.de

Fazit

Das Hansekulturfestival verbindet die historische Kulisse des Lübecker Seefahrerviertels mit einem dezentralen Kulturprogramm. Für Fotografinnen und Fotografen entsteht daraus eine ungewöhnliche Kombination aus maritimen Motiven, hanseatischer Architektur, Straßenszenen und kulturellen Begegnungen. Die offenen Höfe, historischen Schiffe und die unmittelbare Nähe von Wasser und Altstadt machen das Festival zu einer interessanten Gelegenheit für authentische Kultur- und Reisefotografie.

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im Seefahrerviertel zwischen Hafenkanten, Höfen und Hansegeschichte first appeared on Das FotoPortal.

Entschleunigt Landschaften und Jahrhunderte alte Kultur erleben auf dem Cammino San Marino Pilgerweg.

Die Route folgt der Überlieferung des Heiligen Marinus, eines Steinmetzes von der dalmatinischen Insel Rab, der sich im 3. Jahrhundert auf den Monte Titano zurückgezogen haben soll. Dort gründete er eine Gemeinschaft, aus der später die Republik San Marino hervorging. Bis heute prägt diese Geschichte das Selbstverständnis des Landes als älteste Republik Europas.

Der Weg verbindet Naturerlebnis mit kulturhistorischen Orten. Von Flusstälern und bewaldeten Hängen führt die Strecke hinauf zum Monte Titano, der seit 2008 Teil des UNESCO-Welterbes ist. Der Weg führt über Orte wie Acquaviva mit seiner historischen Quelle oder die Baldasserona-Klippe, die als Rückzugsort des Heiligen gilt. Die Strecke verändert dabei kontinuierlich ihren Charakter und eröffnet neue Perspektiven auf Landschaft und Geschichte.

Malerische Städtekulisse in San Marino.
© Goffredo Taddei/visitsanmarino.

Besonders im Abschnitt rund um den Monte Titano verdichten sich die kulturellen Eindrücke. Mittelalterliche Gassen, Kirchen, Regierungsgebäude und die drei Türme Guaita, Cesta und Montale prägen das Bild der Hauptstadt. Der Weg entlang des Bergrückens verbindet die Türme miteinander und eröffnet Ausblicke von der Adriaküste bis in den Apennin. Fotografisch interessant ist dabei das Wechselspiel aus Architektur, Naturraum und Lichtstimmungen, das sich im langsamen Gehen erschließt.

Der „Cammino del Santo Marino“ greift zugleich einen Trend des entschleunigten Reisens auf. Statt schneller Ortswechsel stehen Wahrnehmung und Aufenthalt im Vordergrund. Landschaft wird nicht Kulisse, sondern Teil der Erfahrung. Geschichte erschließt sich nicht allein über Sehenswürdigkeiten, sondern über Wege, Übergänge und Begegnungen entlang der Strecke. Damit richtet sich die Route an Reisende, die Kultur und Natur nicht getrennt betrachten, sondern als zusammenhängenden Erfahrungsraum verstehen.

Abwechslungsreich Motive zwischen histrischen Stadtkulissen und verwunschener Landschaft erschließen sich auf dem 80 Kilometer langen Cammino de San Marino.
© visit san Marino

Auch fotografisch folgt der Pilgerweg einer anderen Logik als klassische Städtereisen. Wer zu Fuß unterwegs ist, erlebt Veränderungen von Licht, Wetter und Perspektive unmittelbarer. Besonders in den Morgen- und Abendstunden finden sich entlang der Panoramawege, an den Türmen des Monte Titano oder in den schmalen Gassen der Altstadt Motive, die weniger Inszenierungen verlangen, sondern vielmehr die Kunst die Atmosphäre zu visualisieren.

Der neue Pilgerweg zeigt zudem, wie sich Kulturreisen zunehmend verändern. Nicht Geschwindigkeit oder das Abhaken einer großen Zahl an Sehenswürdigkeiten bestimmen die Erfahrung, sondern Konzentration auf Wegstrecken, Landschaftsräume und historische Zusammenhänge. Der „Cammino del Santo Marino“ verbindet diese Aspekte zu einer Route, die Kultur, Natur und Fotografie in einer entschleunigten Welt zusammenführt.

Sacello del Santo Aufstieg.
© visitsanmarino

Fazit

Mit dem „Cammino del Santo Marino“ positioniert sich San Marino im Bereich des Slow Travel und verbindet kulturelles Erbe mit Naturerlebnis. Die Route macht Geschichte über Bewegung und Landschaft erfahrbar und eröffnet zugleich neue Perspektiven für Kulturreisende sowie fotografisch Interessierte.

Der Hexenpass
© visitsanmarino

Infokasten

Der „Cammino del Santo Marino“ ist rund 80 Kilometer lang und in vier Etappen angelegt. Die Strecke verbindet Rimini, San Marino, San Leo und Pennabilli.

Als beste Reisezeit gelten Frühjahr und Herbst, wenn Temperaturen und Lichtverhältnisse für Wanderungen sowie Fotografie günstig sind.

Der Schwierigkeitsgrad liegt im mittleren Bereich. Neben einfachen Wegabschnitten gibt es längere Anstiege rund um den Monte Titano und felsige Panoramawege.

Entlang der Route erwarten die Wandernden kleinere Unterkünfte, Pensionen und Einkehrmöglichkeiten. Zusätzlich können Pilgerausweise genutzt und Stempel gesammelt werden.

Die Anreise erfolgt über Rimini oder Bologna. Von Rimini bestehen Busverbindungen nach San Marino. Weitere Informationen bietet die Webseite  Visit San Marino.

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Felukken auf dem Nil bei Assuan.
© Heiner Henninges

Der fotografische Reiz beginnt bereits an Bord. Während der Fahrt auf dem Nil ziehen Felder, Dörfer, Palmenhaine, Kamele und Dünen in wechselnden Lichtstimmungen vorbei. Gerade diese Übergänge zwischen Flusslandschaft und Wüstenraum bieten viele inspirierende Bilder, die unentwegt zum Griff nach der Kamera motivieren und animieren, ohne dass der ständige und  abwechslungsreiche Ortswechsel auch einen täglichen Hotelwechsel erfordert oder lange Transfers den Rhythmus der erlebnisreichen Reise bestimmen.

Zu den Stationen zählen bekannte Zeugnisse des alten Ägyptens. Die Tempelanlagen von Abu Simbel, der Luxor-Tempel und der Karnak-Tempel eröffnen Perspektiven auf Reliefs, Säulenreihen und bieten monumentale Raumachsen. Im Tal der Könige verlagert sich der Fokus auf Felsformationen, Grabanlagen und Details der historischen Architektur.

Mumifizierte Krokodile in einer Grabstätte bei Assuan.
© Heiner Henninges

Für Fotografinnen und Fotografen liegt die  Stärke dieser Studienreise in der Abfolge unterschiedlicher Bildwelten auf engem Raum. Antike Bauwerke, Alltag am Fluss, Tiermotive, Wüstenlandschaften und Küstenansichten wechseln sich kontinuierlich ab. Dadurch entsteht ein Programm, das sowohl Weitwinkelaufnahmen als auch Detailstudien und Beobachtungen des Alltagslebens ermöglicht.

Statue am Tempel von Abu Simbel.
© Heiner Henninges

Nach der Kreuzfahrt wird die Route im Reisebus fortgesetzt. Auch dieser Abschnitt erweitert das Spektrum. Die Strecke führt an Nil-Oasen vorbei und öffnet zugleich den Blick auf trockene Landschaften des Binnenlandes. Für Reisende mit Kamera bedeutet das neue Perspektiven, ohne selbst logistische Abläufe organisieren zu müssen. Gerade beim Transport von Ausrüstung ist dieser organisatorische Rahmen ein praktischer Vorteil.

Wüstenlandschaft am Nilufer.
© Heiner Henninges

Die Weiterreise führt nach Safaga und anschließend nach Hurghada. Dort verändert sich das Bild erneut. Hafen, Marktbereiche, Boote und Straßenszenen bieten Motive des heutigen Ägyptens. Hinzu kommen Küstenlinien und die Farbkontraste des Roten Meeres. Wer Unterwasserfotografie betreibt, findet hier zusätzlich ein weiteres Themenfeld.

Ein relevanter Faktor ist nicht zuletzt der Reisekomfort.  Die Verbindung aus Kreuzfahrt, organisiertem Bustransfer und abschließendem Hotelaufenthalt reduziert ständiges Umziehen und schafft Zeitfenster für Bildauswahl, Datensicherung und die Vorbereitung auf die nächsten Stationen. Gerade auf einer kompakten Rundreise kann diese Struktur die fotografische Ausbeute spürbar verbessern. Der Veranstalter bietet Flüge von Hamburg, Hannover, Düsseldorf, Leipzig, Berlin, Frankfurt, Stuttgart und München an.

Horus Tempel Kom-Ombo.
© Heiner Henninges

Fazit

Die Ägypten-Studienreise von RSD Reise verbindet archäologische Stätten mit Flusslandschaften, Wüste und Küste. Für die Reisefotografie zeigt sich ihr besonderer Wert in der dichten Folge unterschiedlicher Motive innerhalb weniger Tage. Gleichzeitig erleichtert die Kombination aus Schiff, Bus und Hotel die Reiseorganisation und schafft verlässliche Rahmenbedingungen für Menschen, die sich unterwegs fotografisch engagieren möchten. Weitere Informationen finden Sie auf der Webseite des Veranstalters

Preise: ab ca. 1500 Euro, Einzelzimmerzuschlag ca. 500 Euro

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Foto Antine Karla Yzer: A., 2023, aus der Serie
It’s not violence, if it’s normal, 2024–heute,
© Antine Karla Yzer

Jetzt hat die Jury eine Shortlist aus 8 Positionen ausgewählt, aus denen der Preisträger/die Preisträgerin hervorgehen wird:

Frieder Bickhardt (Leipzig), Sara aus der Serie „City Plaza“, © VG Bild-Kunst Bonn /  Frieder Bickhardt

Die Serie zeigt Einzelporträts von Bewohner*innen eines besetzen ehemaligen Hotels in Athen. Es handelt sich um Aktivist*innen und Geflüchtete, die zwischen 2016 und 2019 dort lebten und gemeinsam mit anderen freiwilligen Helfenden ein selbstorganisiertes Kollektiv bildeten. Die Porträts sind vor stets gleichem neutralem Hintergrund fotografiert,
Individualität und Zusammengehörigkeit kommen so visuell überzeugend zum Ausdruck.

Leon Duellberg (Essen), „Im Watt“, 2022–2024
Johanna Eckhardt (Wedding), „Geteilter Himmel“, 2024–2025
Michel Kekulé (Berlin), „Bestandslast“, 2023–2026
Alexander Lackmann (Essen), „Gelb ist Geschichte!“, 2024–heute
Sophie Nawova Meyer (Berlin), „Diese DDR“, 2024–heute
Karla Schradi (Bielefeld), „Spiegel ohne Glas, 2023–2025
Antine Karla Yzer (Hamburg), „It’s not violence, if it’s normal“, 2024–heute

Die für die Shortlist ausgewählten Projekte zeichnet eine besondere Sensibilität gegenüber gesellschaftsrelevanten Fragen aus. Vielfach wird Bezug genommen auf zeitgeschichtliche Ereignisse und Lebensbedingungen unter bestimmten politischen Systemen und reflektiert, wie Erfahrungen aus der Vergangenheit in der Gegenwart virulent sind und auf Lebensentwürfe einwirken. Die dokumentarischen und darstellerischen Möglichkeiten des Mediums der Fotografie und des Porträts zeigen sich in überzeugender
Vielfalt, so die Jury, bestehend aus Dr. Anja Bartenbach, Stifterfamilie; Prof. Dr. Franziska Brons, Freie Universität, Berlin; Jean-Paul Deridder, Kurator, Brüssel; Andreas Mader,
Fotograf, Winterthur; Claudia Schubert, Kuratorin, Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur.

Leon Duellberg (Essen), „Im Watt“, 2022–2024
Nominiert für den August Sander Preis © VG Bild-Kunst Bonn

Anfang Juni wird der der von Ulla Bartenbach und Prof. Dr. Kurt Bartenbach gestiftete August-Sander-Preis vergeben. Mit dem August-Sander-Preis, der alle zwei Jahre ausgelobt wird, verbindet sich die Idee, junge zeitgenössische künstlerische Ansätze im weitesten Sinn der sachlich-konzeptuellen Fotografie zu fördern. Die Namensgebung des Preises erklärt sich dadurch, dass Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur mit dem August Sander Archiv das weltweit größte Konvolut mit originalen Werken August Sanders (1876–1964) besitzt. Vor dem Hintergrund der bedeutenden Porträtfotografen von August Sander sollen sich die Bewerber vorrangig auf das Thema des menschlichen Porträts beziehen.

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Das Festivalprogramm verbindet historische Techniken mit aktuellen Positionen internationaler Fotokunst. Gezeigt werden Arbeiten von Roger Ballen, Renato D’Agostin, Sissa Micheli oder Pip Marschalk. Hinzu kommen Artist Talks, Führungen und Präsentationen regionaler Fotografen. Im Mittelpunkt stehen klassische Verfahren wie Wet-Plate-Collodion, Großformatfotografie oder alternative Printtechniken. Auch Reparaturcafés und Analog-Flohmärkte gehören zum Konzept.

Eine besondere Rolle übernimmt der Workshop „Großformat Mit Jobo“, der in Kooperation mit dem deutschen Laborspezialisten stattfindet. Dabei geht es um die Arbeit mit großformatigem Filmmaterial in Verbindung mit Landschaftsaufnahmen in den Dolomiten. Die Einbindung von Jobo verweist auf die anhaltende Bedeutung spezialisierter Labor- und Entwicklungsprozesse innerhalb der analogen Szene.

Summit GroßformatKameras von Chamonix im Vertrieb von Jobo.

Neben Fachpublikum richtet sich das Festival auch an Familien und Einsteiger. Workshops zu Polaroid-Collagen oder Camera-Obscura-Techniken erweitern den klassischen Ausstellungsrahmen um praktische Vermittlungsangebote. Gleichzeitig entsteht ein Netzwerk aus Museen, Fotoclubs, Buchhandlungen und Werkstätten, welche die regionale Fotoszene sichtbar machen.

Dass Bruneck als Festivalstandort gewählt wurde, besitzt auch eine mediale Nebenlinie. Der Ort gilt als frühe journalistische Station von Markus Lanz, der hier geboren wurde und seine ersten journalistischen Arbeiten absolvierte. Bekannt als Fotograf wurde Markus Lanz später unter anderem durch seine Grönland-Fotografien sowie mehrere Publikationen für National Geographic. Die Verbindung von Journalismus, Reiseerzählung und Fotografie passt damit durchaus zum offenen Ansatz des Festivals.

Markus Lanz, stammt aus Bruneck, dem Austragungsort des Analogue Photo Fesitivals.

Das Programm zeigt, dass analoge Fotografie inzwischen weniger als Gegenmodell zur Digitaltechnik verstanden wird, sondern als bewusste Erweiterung fotografischer Praxis. Verfahren wie Großformat, Kollodium oder alternative Drucktechniken stehen heute für Entschleunigung, Materialität und handwerkliche Kontrolle. Festivals wie „Beyond the Instant“ greifen diesen Trend auf und verbinden ihn mit experimentellen Ansätzen, gemeinschaftlichen Formaten und kultureller Vermittlung. Gerade diese Mischung aus Technikgeschichte, künstlerischer Praxis und offenem Austausch dürfte die Veranstaltung für die aktuelle Fotoszene interessant machen.

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Claudia Robles Angel, Reflexion, 2019-2026, MM Gerdau Museum Belo Horizonte, (c) VG Bild-Kunst, Bonn, Foto Lucas D Ambrosio

Die Werke der Ausstellung nähern sich dem Thema aus unterschiedlichen Perspektiven. Sie beschäftigen sich mit gesellschaftlichen, sozialen und politischen Fragen rund um Empathie und zeigen, wie diese in der zeitgenössischen Kunst verhandelt wird. Das Kunstmuseum versteht sich dabei als Ort des Austauschs, der Teilhabe und des Perspektivwechsels. Ein wesentlicher Bestandteil der Ausstellung ist daher die Kooperation mit Menschen, Gruppen und Vereinigungen aus der Bonner Stadtgesellschaft sowie das Erproben neuer Formate der Begegnung.

Nikolaj Larsen Rendez-vous 2009 FAMILY

Candice Breitz Stills from Love Story 2016 Courtesy Goodman Gallery Kaufmann Repetto KOW2 Baldwin Jose

Mit Werken von: Ulf Aminde, Renate Bertlmann, Joseph Beuys, Candice Breitz, Philipp Gufler, Hans Hemmert, Alfredo Jaar, Nikolaj Larsen, Franco & Eva Mattes, Katharina Mayer, Boris Mikhailov, Claudia Robles-Angel und Evamaria Schaller.

In Kooperation mit: Bonner Werkstätten Lebenshilfe Bonn gG, Fachberatung Medienpädagogik der Stadt Bonn, Lenas Raum, Pride Bonn, stadtstreifen, The Beautiful Minds, Verein für Gefährdetenhilfe, zuhören draussen und mehr.

Gefördert durch die Karin und Uwe Hollweg Stiftung.

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