Helga Paris: aus der Serie: Häuser und Gesichter. Halle 1983–85,
Silbergelatine/Vintage Print, Kulturstiftung Sachsen-Anhalt,
Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale), Repro: Kulturstiftung
Sachsen-Anhalt © Nachlass/Estate Helga Paris

Mittlerweile legendär und ein Fotoklassiker ist die Diva in Grau – der Bildband mit einer Auswahl aus Helga Paris’ ikonischer Fotoserie Häuser und Gesichter. Halle 1983–85. Nun sind erstmals seit 20 Jahre wieder alle 101 Fotografien zu sehen und erscheint in einem hochwertig ausgestatteten Katalog die ganze Geschichte über das Verbot der Ausstellung vor 40 Jahren – im Juni 1986.

Helga Paris: aus der Serie: Häuser und Gesichter. Halle 1983–85,
Silbergelatine/Vintage Print, Kulturstiftung Sachsen-Anhalt,
Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale), Repro: Kulturstiftung
Sachsen-Anhalt © Nachlass/Estate Helga Paris

Der Fotograf Arno Fischer (1927–2011) regte Anfang der 1980er Jahre an, die DDR in der sozialdokumentarischen Tradition der US-amerikanischen Fotografie der 1930er Jahre zu fotografieren. „Ich nehme Halle“ – war die spontane Reaktion von Helga Paris, deren Tochter Jenny Paris in der Stadt eine Ausbildung machte.

Helga Paris: aus der Serie: Häuser und Gesichter. Halle 1983–85,
Silbergelatine/Vintage Print, Kulturstiftung Sachsen-Anhalt,
Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale), Repro: Kulturstiftung
Sachsen-Anhalt © Nachlass/Estate Helga Paris

Die Fabriken des größten Industriestandorts der DDR hatten einen diesig-grauen Schleier über die Stadt gelegt, viele Altbauten waren in einem desaströsen Zustand. In Paris’ Bildern verschmelzen atmosphärische Architekturfotos mit charakterstarken Porträts zu einer poetisch-dokumentarischen Darstellung der Stadt.

1986 sollten die Bilder erstmalig in der vom Verband Bildender Künstler der DDR geführten Galerie Marktschlößchen in Halle (Saale) gezeigt werden, doch es kam zum Eklat. Zu deutlich zeigten sie den Verfall der Innenstadt und stellten damit, von der Fotografin unbeabsichtigt, aus Sicht der Kulturpolitiker*innen die städtische Planungspolitik infrage – ein heikles Thema.

Helga Paris: aus der Serie: Häuser und Gesichter. Halle 1983–85,
Silbergelatine/Vintage Print, Kulturstiftung Sachsen-Anhalt,
Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale), Repro: Kulturstiftung
Sachsen-Anhalt © Nachlass/Estate Helga Paris

Die Ausstellung wurde politisch unterbunden, der Katalog eingezogen. 1987 beauftragte der Rat des Bezirkes Halle die Fotografin Konstanze Göbel (* 1950) mit einem Gegenprojekt, das die Umbruchsituation und die Neubauten zeigen sollte. Göbels Bilder jedoch lassen sich eher im Sinne von Helga Paris lesen, denn als Gegenmanifest. Im Mai 1989 kaufte das hallesche Kunstmuseum die Fotografien von Helga Paris, doch erst 1990 konnten sie endlich ausgestellt werden.

Helga Paris: Selbst Portrait, während ihrer Arbeit an der Serie:
Häuser und Gesichter. Halle 1983–85 © Nachlass/Estate Helga Paris

Heute zählt Paris’ Halle-Zyklus nicht zuletzt durch das Buch Diva in Grau zu den Schätzen der Fotogeschichte. Die Ausstellung präsentiert die Originalabzüge und beleuchtet die bewegte Geschichte der Serie umfassend mit Archivmaterial. Im Abgleich mit der heutigen Realität der Stadt zeigt sich die Transformation des Stadtbildes zur „Diva in Grün“.

Kuratiert wurde die Ausstellung von Dr. Jule Schaffer

Zur Ausstellung erscheint im Mitteldeutschen Verlag ein Katalog, der Helga Paris als eine der bedeutendsten ostdeutschen Fotografinnen vorstellt, die Geschichte hinter den Bildern erzählt und Zeitzeug*innen zu Wort kommen lässt.

Helga Paris. Häuser und Gesichter. Halle 1983–85. Die Geschichte eines Fotoklassikers
27 x 30 cm, Leineneinband, 208 Seiten, 101 Abb.,
ISBN 978-3-96502-042-9 | 48 Euro (im Museum),
58 Euro (im Buchhandel)

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Viktoria Binschtok, Portrait © Studio Binschtok, 2026

Bei den Worjshops steht die Fotografie als freies künstlerisches Medium im Mittelpunkt. Statt die Welt zu dokumentieren, übersetzen wir Ideen in Bilder. Gemeinsam werden themenübergreifende Ansätze besprochen, individuelle Konzepte entwickelt und bis zu potentiellen Präsentationsformen begleitet. Die Teilnehmenden experimentieren mit analogen, digitalen oder KI-basierten Mitteln. Zur Diskussion stehen künstlerische Strategien wie Bildaneignung sowie Fragen von Autorenschaft und Bedeutungsverschiebung. So entsteht ein offener, selbstbewusster Umgang mit Fotografie – losgelöst vom Wahrheitsanspruch, der dem Medium seit seiner Erfindung zugeschrieben wird.

Viktoria Binschtok
Digital Semiotics, dollar skull 2, 2026
© Victoria Binschtok, 2026

Viktoria Binschtok (*1972 in Moskau, Russland) wuchs in Minden, Westfalen auf. 1995 bis 2002 studierte sie Fotografie und Medienkunst an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig. In ihren fotografischen Arbeiten reflektiert sie das komplexe Themenfeld der Fotografie im Zeitalter ihrer digitalen Reproduktion und Zirkulation. Neben eigenen Fotografien verwendet die Künstlerin Bilder aus dem Fundus des Internets und anderer medialer Bildquellen, welche sie sich auf vielfältige Weise aneignet.

Ihre Arbeiten werden national und international ausgestellt – u.a.: Museum Folkwang Essen, 2012 RAY Trienniale, C/O Berlin, Centre Pompidou Paris und Metz, Fondazione Prada Milan, Frankfurter Kunstverein, Kunstmuseum Bonn, Hamburger Kunsthalle. Ab Juni 2026 sind ihre Arbeiten im Museum der Bildenden Künste Leipzig und der C/O Berlin zu sehen, ab Oktober 2026 im Finnish Museum of Photography in Helsinki, Finnland. Sie lebt und arbeitet seit 2002 in Berlin.

Weitere Infos und Anmeldung

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Der 244 Seiten umfassende Band beleuchtet erstmals umfassend Keys fotografisches Werk und seinen kreativen Arbeitsprozess. Im Mittelpunkt steht die langjährige Zusammenarbeit mit dem renommierten Art Director Peter Saville, die weit über klassische Auftragsarbeiten wie Plattencover hinausging. Gemeinsam entwickelten beide neue gestalterische Ansätze und experimentierten mit den Möglichkeiten der analogen Fotografie. Ein im Buch enthaltenes Gespräch zwischen Peter Saville und der Autorin sowie Kuratorin Charlotte Cotton ordnet diese Zusammenarbeit in den kulturhistorischen Kontext ein und beschreibt den Wandel der visuellen Gestaltung jener Zeit.

Trevor Key neuer Bildband der Sigma Foundation.

Trevor Key arbeitete zwischen 1972 und 1995 mit zahlreichen Gestaltern zusammen, darunter Jamie Reid, David James und Peter Saville. Bereits Mitte der 1980er Jahre überschritt er die Grenzen der klassischen Dunkelkammerarbeit und entwickelte Bildwelten, die analoge Techniken mit experimentellen Verfahren verbanden. Die Publikation dokumentiert diesen künstlerischen Ansatz und zeigt seinen Einfluss auf die Entwicklung moderner Bildgestaltung.

Wham Wake me up before you go-go., Der Song des britischen Pop-Duos Wham, ist erstmals am 14. Mai 1984 als Single in Großbritannien veröffentlicht worden. Er wurde ihr erster Nummer-eins-Hit in Großbritannien und den USA. Der Song wurde von George Michael geschrieben und produziert. 
Foto Trevor Key, Coverdesign Peter Saville

Mit der Sigma Foundation verfolgt der japanische Kamera- und Objektivhersteller Sigma das Ziel, die zeitgenössische Fotografie langfristig zu fördern. Die Stiftung wurde 2025 von Sigma-Präsident Kazuto Yamaki gegründet und versteht sich als Plattform zur Unterstützung fotografischer Kultur. Neben der Veröffentlichung hochwertiger Fotobücher möchte sie das fotografische Erbe bewahren und einem internationalen Publikum zugänglich machen. Mit „Trevor Key“ erscheint bereits die dritte Publikation innerhalb kurzer Zeit.

Fazit

Mit der Veröffentlichung von „Trevor Key“ erweitert die Sigma Foundation ihre noch junge Publikationsreihe um einen Fotografen, dessen Arbeiten einen wichtigen Beitrag zur Entwicklung experimenteller Bildgestaltung geleistet haben. Das Projekt unterstreicht den Anspruch der Stiftung, fotografische Positionen mit kultureller Relevanz langfristig zu dokumentieren und damit über die eigentliche Produktwelt des Unternehmens hinaus Impulse für die internationale Fotokultur zu setzen.

Titel: Trevor Key

Erscheinung: August 2026 (genauer Termin und Preis werden noch bekannt gegeben)

Herausgeber: Sigma Foundation

Auflage: 1.500 Exemplare

Fotografien: Trevor Key

Essay: Charlotte Cotton

Interview: Peter Saville und Charlotte Cotton

Redaktion und Bildauswahl: Björn Kusoffsky

Design und Produktion: Stockholm Design Lab

Umfang: 244 Seiten

Format: 213 × 285 × 24,5 mm

Druck: Hakko Bijutsu

ISBN: 978-4-911681-02-2

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Teil der Ausstellung ist die Installation „Camera Man“, deren technische Umsetzung durch eine Kooperation von Sigma und dem japanischen Brillenhersteller JINS ermöglicht wurde. Das Projekt greift eine zentrale Fragestellung Sugimotos auf: die enge Verbindung zwischen dem menschlichen Auge und der Kamera.

Jamaika, Karibik, 1980 Gelatine Silberdruck 119.4 × 149,2 cm
© Hiroshi Sugimoto / Mit freundlicher Genehmigung der Galerie Koyanagi

Ausgangspunkt des Werkes ist die Überlegung des Künstlers, dass eine Kamera den anatomischen Aufbau des menschlichen Auges widerspiegelt. Gemeinsam mit den Entwicklungsabteilungen von Sigma und JINS entstand dafür eine brillenförmige Kamera, die den Eindruck vermittelt, das menschliche Auge verfüge über einen Kameraverschluss. Nach drei Minuten vollständiger Dunkelheit löst der Träger den Verschluss manuell aus. Das für eine Sekunde einfallende Bild der Außenwelt wird dabei symbolisch auf der Netzhaut – dem „Film der Erinnerung“ – gespeichert.

Sugimoto beschreibt die Idee hinter dem Werk so:

„Eine Kamera ist ein Gerät, das den Aufbau des menschlichen Auges widerspiegelt. Das Objektiv entspricht der Augenlinse, die Blende der Pupille und der Film der Netzhaut. Was dem menschlichen Auge jedoch fehlt, ist ein Verschluss. Deshalb entwickelte ich die Idee der ‚Camera Man‘, indem ich dem Auge einen Verschluss hinzufügte.“

Über die technische Funktion hinaus versteht der Künstler die Installation als Reflexion über Zeit und menschliche Existenz. Die dreiminütige Phase der Dunkelheit steht sinnbildlich für die rund 15.000-jährige Entwicklung der menschlichen Zivilisation, während die einsekündige Belichtung die Dauer eines einzelnen Lebens symbolisiert. So entsteht eine unmittelbare Erfahrung des Verhältnisses zwischen individueller Lebenszeit und kultureller Geschichte.

《Palace Theatre, Gary》 2015 Gelatine Silber Druck 119.4 × 149.2 cm
© Hiroshi Sugimoto / Mit freundlicher Genehmigung der Galerie Koyanagi

Die Ausstellung selbst widmet sich den fotografischen Werkgruppen, mit denen Hiroshi Sugimoto internationale Anerkennung erlangte. Serien wie Dioramas, Seascapes oder Theaters gehören zu den prägenden Positionen der konzeptionellen Fotografie. Gleichzeitig thematisiert „EXTINCTION“ die klassische Silberhalogenid-Fotografie, deren handwerkliche Verfahren im digitalen Zeitalter zunehmend an Bedeutung verlieren.

Begleitend präsentiert das Museum sämtliche Werke Sugimotos aus der eigenen Sammlung sowie Notizbücher des Künstlers, die Einblicke in seinen Arbeitsprozess ermöglichen. Es handelt sich um seine erste ausschließlich fotografische Einzelausstellung in einem japanischen Museum seit mehr als zwanzig Jahren.

Mit seiner technischen Beteiligung unterstreicht Sigma erneut das Engagement für Projekte an der Schnittstelle von Fotografie, Kunst und optischer Forschung. Das Unternehmen bringt dabei seine Kompetenzen in der Entwicklung und Fertigung optischer Systeme ein und unterstützt regelmäßig kulturelle Vorhaben, die sich mit der Geschichte, Technik und Zukunft der Fotografie auseinandersetzen. Die Kooperation mit Hiroshi Sugimoto zeigt, dass sich industrielle Präzision und künstlerische Fragestellungen produktiv ergänzen können.

Popcot 2025 Gelatine Silber Druck 119.4 × 185.4 cm
© Hiroshi Sugimoto / Mit freundlicher Genehmigung der Galerie Koyanagi

Fazit

Die Unterstützung von „Camera Man“ verdeutlicht, dass technologische Kompetenz auch außerhalb klassischer Produktentwicklung einen Beitrag zur Fotokultur leisten kann. Für Sigma ist das Projekt zugleich ein Beispiel für nachhaltige Kulturförderung im Bereich der Fotografie, indem innovative Kunstprojekte ermöglicht werden, die technische Entwicklungen und fotografische Tradition miteinander verbinden.

Ausstellung: HIROSHI SUGIMOTO: EXTINCTION

Zeitraum:
16. Juni bis 13. September 2026

Öffnungszeiten:
Dienstag bis Sonntag: 10:00–17:00 Uhr
Freitag und Samstag: 10:00–20:00 Uhr
Montags (außer 20. Juli) sowie 21. Juli geschlossen

Ausstellungsort:
The National Museum of Modern Art, Tokyo
Special Exhibition Gallery (1. Obergeschoss)

Katalog zur Ausstellung

HIROSHI SUGIMOTO: EXTINCTION

Format: A4 Deformation
Seiten:212Seiten
Sprache: Japanisch, Englisch
Erschienen bei Nikkei Inc.
Preis: 4.400 Yen

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In einer trostlosen Umgebung wächst die Jugend in Belfast auf

In den Fotografien von Toby Binder begegnen wir ihrem Alltag ohne jede Beschönigung: einem Leben zwischen Arbeitslosigkeit, Drogenabhängigkeit, Alkoholmissbrauch, Gewalt und dem Fehlen jeglicher Perspektive. Dabei spielt es kaum eine Rolle, auf welcher Seite der vielen Friedensmauern sie aufgewachsen sind, die katholische und protestantische Viertel Belfasts voneinander trennen. Die sozialen Wunden verlaufen tiefer als die Mauern, die ihre Viertel trennen.

Dokumentation ohne Beschönigung

Die Zukunft der Jugend in Belfast ist grau

Die klassischen Schwarz-Weiß-Aufnahmen greifen die Ästhetik der traditionellen Reportagefotografie auf und lassen die Narben der Vergangenheit zwischen den Bildern nachhallen. Zugleich erzählen sie von einer Generation, die sich den alten Gräben entzieht: von Freundschaften, Träumen und einem Alltag, der oft mehr Verbindendes als Trennendes offenbart. So entsteht ein sensibles Porträt einer Jugend, die ihren eigenen Weg zwischen historischem Erbe, den neuen Unsicherheiten des Brexits und neuen gesellschaftlichen Spannungen sucht. Denn der aktuell um sich greifende Rassismus wurde lange durch kaum sichtbare Migration und das übermächtige Feindbild des Sektarismus überdeckt.

Eine Langzeitstudie von Toby Binder dokumentiert das Leben der Jugend in Belfast

Toby Binder (*1977) ist ein vielfach ausgezeichneter deutscher Dokumentarfotograf. In seinen Langzeitprojekten widmet er sich vor allem Jugendlichen und gesellschaftlichen Randgruppen. Internationale Anerkennung erhielt er mit »Wee Muckers – Youth of Belfast«, einer fotografischen Langzeitstudie über das Aufwachsen junger Menschen im Spannungsfeld der nordirischen Konfliktgeschichte. Seine Arbeiten wurden unter anderem mit dem Felix Schoeller Photography Award, dem Philip Jones Griffiths Award sowie Preisen der Sony World Photography Awards ausgezeichnet.

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Jamel Shabazz, Time of Innocence, Brooklyn, NYC 1980 © Jamel Shabazz, Courtesy Galerie Bene Taschen, Köln

Die Porträts von Jamel Shabazz entstehen seither weitgehend im öffentlichen Raum und fügen sich ein in die Tradition des Genres der Street Photography: Die Straße als Raum der Begegnung und Selbstdarstellung, sei es durch Mode oder Pose, als Bühne für Musik und auch kritische Momente des Lebens von Einzelpersonen, Gemeinschaften aus unterschiedlichen Generationen.

Seit vielen Jahren dokumentiert Jamel Shabazz mit seinen unmittelbar kommunizierenden und gleichzeitig sensiblen Porträts die Menschen der Black und Latin Communities und ihre Lebensmomente in New York. Seine Porträts zeigen dabei stets Empathie und Nähe, stellen kompositorisch besondere Bildmomente im Stadtraum dar, der für viele der in seinen Porträts vorgestellten Personen zum Lebensraum der sozialen Interaktion und Bühne zur Entwicklung der eigenen Identität wird.

Jamel Shabazz, A Self Portrait with John and Arthur, East Flatbush, NYC 1982
© Jamel Shabazz, Courtesy Galerie Bene Taschen, Köln

Das Werk von Shabazz kann in der Tradition der sozial engagierten Fotografie und in der Tradition von Gordon Parks stehenden Ansätzen betrachtet werden. Die besondere Qualität der Fotografien von Jamel Shabazz schafft es, die positiven Lebensenergien und Lebensmomente von Minderheiten und oftmals durch ihre Hautfarbe sozial benachteiligten Personen trotz deren oftmals kritischer Lebensumstände zu erkennen.

2018 wurde Jamel Shabazz mit dem Preis der Gordon Parks Foundation ausgezeichnet. 2022 folgte ein Publikationspreis der Gordon Parks Foundation für eine Publikation bei Steidl.

Nach bereits wichtigen Museumsausstellungen in New York und Europa sowie einer Vielzahl von Publikationen im internationalen Kontext zeigt das Museum für Photographie Braunschweig in einer ersten Museumsausstellung in Deutschland das Werk des New Yorkers. Wichtige Werkgruppen, die im Bereich der Schwarzweiß- und Farbfotografie seit den frühen 1980er Jahren entstanden sind, frühe Fotoalben und Bücher des in Brooklyn, New York lebenden Fotografen werden vorgestellt.

Die Ausstellung entsteht in Kooperation mit dem Kunsthaus Nürnberg und mit freundlicher Unterstützung der Galerie Bene Taschen, Köln.

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Der Förderturm der Zeche in Eisden

In der Ausstellung geht es nicht nur um die Bauwerke, sondern auch um die Familien der Bergleute. Für dieses Projekt bereiste die Fotografin Indra Laenens alle Bergwerksstandorte Belgiens. Sie recherchierte dazu auch jahrelang in Archiven zur Geschichte der belgischen Kohlebergwerke. So konnte sie historische Szenen in den authentischen Kulissen der Museen nachstellen.

Die vier wallonischen Stätten sind daran interessiert, ihre UNESCO-Anerkennung auf das Limburger Bergbauerbe auszuweiten. Schließlich sind die ehemaligen Bergwerke Walloniens bereits als Welterbe anerkannt. .

Die historische Zeche in Marcinelle

Neben den wallonischen Bergwerken klingt auch die Vereinigung „Regionale Landschaftsarchitektur Kempen en Maasland“ in Limburg vielversprechend. Sie koordiniert das Bergbauerbe durch ihre touristischen Aktivitäten. „Die Entscheidung liegt letztlich bei den flämischen und wallonischen Kulturministern. Wenn sie in der Angelegenheit einen Konsens finden, kann es relativ schnell vorangehen.

Die Ausstellung soll eine Sammlung großformatiger Schwarz-Weiß-Fotografien aus zwei Jahrhunderten Bergbaugeschichte zeigen „Für einen Nachwuchsfotografen ist es ein fantastisches Projekt“, erklärt Laenens: „Ich hatte bereits die Gelegenheit, einige Werke auszustellen, aber das hier ist eine ganz andere Dimension.“ Laut Laenens besteht Interesse aus dem Ausland an der Übernahme der Ausstellung, eine offizielle Bestätigung steht jedoch noch aus.

Die Zusammenarbeit der sieben Bergwerke ist etwas Besonderees. Sie umfasst die wallonischen Schwergewichte der Mine Blegny und Bois du Cazier sowie die limburgischen Zechen aus Beringen, Waterschei und Eisden. Obwohl der Bergbau eine gemeinsame Geschichte teilt, die mit Napoleon Bonaparte begann, arbeiten moderne Museen oft isoliert.

Am 21. April 1810 erließ Napoleon Bonaparte ein Dekret, das die Ausbeutung des Untergrunds und damit der Bergwerke der Autorität des französischen Kaisers unterstellte. Dieser erwarb dadurch die Eigentumsrechte an den Kohlevorkommen.

Da das belgische Rechtssystem weitgehend auf Napoleons System basierten, benötigten belgische Industriebergleute eine Genehmigung der Regierung für den Kohleabbau. Ungeachtet der Eigentumsverhältnisse waren alle Bodenschätze ausschließliches Eigentum des Staates.

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Für das Förderprogramm können sich Fotograf:innen aus allen Bereichen der künstlerischen Praxis bewerben. Die Bewerber:innen müssen seit mindestens drei Jahren in Deutschland leben, aber nicht die deutsche Staatsbürgerschaft besitzen. Alters- oder Ausbildungseinschränkungen bestehen nicht. Die Bewerbung muss in Verbindung mit einem geplanten fotografischen Vorhaben erfolgen. Dieses Projekt kann bereits begonnen sein und muss innerhalb eines Jahres abgeschlossen werden. Nach Abschluss des Zeitraums präsentieren die beiden Preisträger:innen ihre erarbeiteten Projekte im Rahmen einer öffentlichen Veranstaltung.

Das seit 1982 existierende Stipendium gehört zu den renommiertesten Auszeichnungen für zeitgenössische Fotografie in Deutschland. Die Krupp-Stiftung fördert mit dem offen gehaltenen Förderprogramm eine zeitgemäße bildnerische Auseinandersetzung mit fotografischen Sicht- und Darstellungsweisen; die Fotografische Sammlung des Museum Folkwang betreut das Programm.

Bewerbungsschluss:          31. August 2026
Details zum Programm:     www.krupp-stiftung.de und www.museum-folkwang.de
Bewerbungsunterlagen:    https://antrag.krupp-stiftung.de

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Joachim Giesel: Schlachter aus der Serie Der Mensch in der Gruppe Hannover 1972

Das im Hirmer Verlag, München, erschienene Buch „Menschenbilder – Zeitgeschichte. Der Fotograf Joachim Giesel“ präsentiert die gesamte Bandbreite seines Schaffens. Herausgeber sind Rickie Lynne Giesel, die Enkelin von Joachim Giesel, und Martin Schieder, beide Kunsthistoriker. Sie belegen, dass Joachim Giesel (DGPh) schon Mitte der 1960er Jahre an der innerdeutschen Grenze einen Wachturm mit Stacheldraht fotografiert und große Menschen, wie Queen Elisabeth II. 1965 bei ihrem Besuch in Hannover, oder  bedeutende Ereignisse, wie das Grubenunglück von Lengede 1963 dokumentiert hat.

Joachim Giesel: Staatsbesuch Queen Elizabeth II., Hannover, 27. Mai 1965

Bei Fotoaufträgen hat er – inzwischen Fotograf mit Meisterbrief und eigenem Studio – zudem eher nebenbei Menschen bei der Arbeit festgehalten. Für eine Ausstellung mit dem Titel „Drei Photographen und ein Mädchen“ ließ Joachim Giesel ein Model mit Helm und wallender Abendgarderobe mit einem Bundesgrenzschutz-Hubschrauber in die Luft steigen, das Fluggerät ist mit im Bild.

Joachim Giesel: Streik bei der Hanomag, Hannover, 17. Mai 1967

So arbeitete er auch bei Porträts. 1969 fotografierte er Fußballstürmer Gerd Müller für Werbung der Firma Telefunken. Ernst und ein bisschen kritisch guckt Rudolf Augstein 1990 in Hamburg in einen Spiegel, sein Nachrichtenmagazin „Der Spiegel“ in der Hand.

Joachim Giesel: VW-Käfer (aus der Serie Vorstädte), Deutschland, 1979-1980

Joachim Giesel will mit seinen Fotografien „den Betrachter erstmal da reinführen, was ich zeigen will, und das kann man natürlich durch Umfeld. Deshalb habe ich Menschen, die berühmt waren, immer in ihrem Umfeld portraitiert.“ Entstanden sind Aufnahmen, die Zeitgeschichte erzählen, etwa in den Kanzlerporträts ab 1963: Ludwig Erhard ist mit Cognac-Glas und Zigarre zu sehen, der Sozialdemokrat Willy Brandt mit erhobener Faust auf einem Gewerkschaftstag, Gerhard Schröder lehnt als Ministerpräsident im Landtag in Hannover lässig an einer Tischkante vor dem Niedersachsenross.

Und 1972 gründete er zusammen mit den Kollegen Heinrich Riebesehl und Peter Gauditz in Hannover zudem eine der ersten nicht-kommerziellen Fotogalerien Europas, die ‚Spectrum Photogalerie‘.

Porträt Joachim und Rickie Giesel 2024
Foto Björn Wilda

Das Buch enthält Giesels gesamten fotografischen Lebenslauf. Indem er stets nach dem ”Bild hinter dem Bild“ suchte faszinieren seine Menschenbilder durch ihre ästhetische Vielfalt, technische Brillanz und unverwechselbare Präsenz. Aus heutiger Sicht sind seine Bilder Zeitdokumente, die Joachim Giesel zu einer bedeutenden Figur der deutschen Fotogeschichte nach 1945 machen.

H.-G. v. Zydowitz

Menschenbilder | Zeitgeschichte
Der Fotograf Joachim Giesel
Hrsg.: Rickie Lynne Giesel, Martin Schieder
Text: Thomas Weski
200 Seiten mit 150 Abbildungen
Format: 29 x 26 cm, Hardcover
München, Hirmer Verlag
ISBN: 978-3-7774-4712-4;

Preis 50 Euro

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Die zunehmende Verbreitung KI-generierter und veränderter Bilder stellt Bildagenturen, Redaktionen und Medienhäuser vor neue Herausforderungen. Neben rechtlichen Fragen rund um Urheberrecht, Datennutzung und Vergütung gewinnen vor allem die Verifikation von Bildinhalten sowie transparente Kennzeichnungspflichten an Bedeutung. Gleichzeitig halten KI-gestützte Werkzeuge Einzug in die Erstellung, Bearbeitung und Verbreitung visueller Inhalte.

Vor diesem Hintergrund hat der BVPA ein Positionspapier veröffentlicht, das die Sichtweise der professionellen Bildanbieter zusammenfasst und eine gemeinsame Grundlage für Gespräche mit Verlagen und Bildredaktionen schaffen soll. Anlass waren unter anderem Fälle, in denen KI-generierte oder manipulierte Bilder Eingang in die redaktionelle Berichterstattung gefunden hatten. Daraus ergaben sich Fragen nach der Verantwortung innerhalb der gesamten publizistischen Lieferkette und nach geeigneten Verfahren zur Sicherung der Glaubwürdigkeit visueller Inhalte.

Dem Papier ging ein Branchendialog voraus, an dem Vertreter verschiedener Mitgliedsagenturen teilnahmen. Im Mittelpunkt standen die Bewertung technischer Risiken und die Entwicklung praktikabler Verfahren, mit denen sich die Authentizität journalistischer Bilder nachvollziehbar sichern lässt. Die Ergebnisse dieses Austauschs flossen anschließend in die Beratungen des BVPA-Vorstands und in die Ausarbeitung des Dokuments ein.

Der Verband versteht das Positionspapier ausdrücklich nicht als abschließende Antwort auf alle Fragen rund um künstliche Intelligenz und Bildauthentizität. Vielmehr soll es eine gemeinsame Orientierung für den weiteren Dialog mit Bildredaktionen, Verlagen und weiteren Marktteilnehmern bieten. Gleichzeitig unterstützt es die Mitgliedsunternehmen dabei, ihre Positionen gegenüber Kunden und Partnern nachvollziehbar zu vermitteln.

Fazit

Das Positionspapier macht deutlich, dass die Diskussion über KI in der Bildbranche nicht allein eine technische oder rechtliche Frage ist. Im Mittelpunkt stehen nachvollziehbare Arbeitsprozesse, Transparenz und die Verlässlichkeit journalistischer Bildquellen. Damit liefert der BVPA einen Orientierungsrahmen für den Austausch zwischen Bildanbietern und Medienhäusern und setzt einen Impuls für gemeinsame Standards im Umgang mit KI-generierten und bearbeiteten Bildern.

Hier können Sie das Positionspapier „Vertrauen in visuelle Informationen sichern – Verantwortung gemeinsam wahrnehmen“ als PDF herunterladen.

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für den Umgang mit KI-Bildern first appeared on Das FotoPortal.