Das großartige Buch "Helmut Newton. BABY SUMO", erschienen im Taschen Verlag, haben wir Ihnen als "Highlight" auf unserer Seite vorgestellt. Jetzt hat man die Möglichkeit am Samstag, 7. November, von 12 bis 18 Uhr im Berliner TASCHEN Store (Schlüterstr. 39, 10629 Berlin) persönlich die Präsentation zu erleben. Die Buchvorstellung findet unter Einhaltung der AHA-Regeln statt.

Anmeldung unter:

https://www.taschen.com/pages/de/company/rsvp/239.charlottenwalk_berlin.htm

Luca Locatelli - Leica Oskar Barnack Award Gewinner

Gonçalo Fonseca - Leica Oskar Barnack Award Newcomer

Der neue FREELENS Vorstand 2020/21: Kirsten Haarmann, Roland Geisheimer, Simone Scardovelli,
Jana Erb, Rainer F. Steußloff, Julia Laatsch, Christian Ahrens, Juliane Herrmann und Carina C. Kircher (v.l.n.r.).
Foto: Lucas Wahl

Der FREELENS Vorstand hat sich daher frühzeitig entschlossen, die Wahlen in diesem Jahr online durchzuführen. In einem für alle transparenten Verfahren stellten sich 17 Fotograf:innen mit ihren programmatischen Aussagen und Schwerpunkten mit anschließender Kandidat:innenbefragung zur Wahl.

Die Wahlbeteiligung lag mit 27,14% weit über den Ergebnissen der Präsenzversammlungen in den vergangenen Jahren. Offensichtlich hat die große Anzahl der Kandidat:innen und die Durchführung der Wahlen die Mitglieder überzeugt. 

Auf der konstituierenden Vorstandssitzung wurden die inhaltlichen Arbeitsschwerpunkte für die nächsten zwei Jahre ausführlich diskutiert und festgelegt sowie die Aufgaben verteilt.

Der Vorstand beschloß einstimmig, das Jana Erb als neue Vorsitzende und Roland Geisheimer als Stellvertreter den Verband als gleichberechtigte Doppelspitze führen. Um die Finanzen wird sich Carina C. Kircher kümmern.

Neben den Vorständen wählten die Mitglieder die neuen Kassenprüfer Achim Duwentäster, Dirk Eisermann und  Boris Rostami-Rabet, beschlossen zwei Satzungänderungen und die Entlastung des alten Vorstandes. Diese Abstimmungen fanden alle die Mehrheit von über 97% der Mitglieder.

Juana Schwan (rechts) und der Herr links von ihr ist Dr. Alexander Kunkel (links)
bei der Pressekonferenz zur Highlight. Beide bilden zusammen mit
Christian Eduard Franke-Landwers die Geschäftsführung der Highlights. 

Für das Team um Messeleiterin Juana Schwan stand schon vor Monaten fest, dass man mit der diesjährigen Ausgabe ein positives Zeichen setzen will: für die Kultur, für den Kunsthandel und nicht zuletzt für den Standort München. Die erfolgreicheBoutique-Messe mit dem eleganten Flair, deren Markenzeichen die Konzentration auf qualitätvolle, gesuchte und bedeutende Kunstwerke verschiedener Gattungen und Epochen ist, begeistert seit 2010 ein internationales Publikum.  

Wie immer lohnt sich der Besuch der Messe für den man sich bei dem umfangreichen Angebot der 27 renommierten und vielversprechenden jüngeren Kunsthändlern Zeit nehmen sollte. Die strikten Hygienevorschriften können dabei das Kunsterlebnis nicht beeinträchtigen. An fünf Messetage erwartet die Besucher ein starkes Angebot an Gemälden, Skulpturen, Kunstkammerobjekten, Design, Schmuck, Fotografie und zeitgenössischem Kunsthandwerk.

© Galerie Stephen Hoffman, SEBASTIÃO SALGADO, Alaska 2009,
gelatin silver photograph, 90 x 60 cm

Fotografie bleibt auch 2020 ein Schwerpunkt der HIGHLIGHTS. Einen Klassiker hat Galerie Stephen Hoffman im Portfolio: Sebastiao Salgados biblisch anmutende und als Mahnung gedachte Landschaftsaufnahme „Brooks Range, Alaska“ von 2009.
Eine Ikone der Modefotografie präsentiert Ira Stehmann Fine Art mit Helmut Newtons Diptychon „Sie kommen (nackt und angezogen)“, das 1981 in Paris entstanden ist. Erotisch, provokant und subversiv, steht es wie kaum ein anderes Motiv für den innovativen Stil Newtons, dessen 100. Geburtstag die Fotoszene im September feiert.

Jeanloup Sieff: Yves Saint-Laurent, Paris, 1971 Ira Stehmann Fine Art

Vera Mercer bei Galerie Jordanow

Mittlerweile in den großen Museen gefeiert, hat Vera Mercer die Suggestivkraft opulenter Stillleben und die Sprache der Dinge in ihren Fotografien wiederbelebt. Die satten Arrangements der deutschen Fotokünstlerin sind bei der Erstausstellerin Galerie Jordanow aus München zu erleben.

Man wäre ein Kunstbanause würde man bei der Highlight als Fotografieliebhaber den anderen Kunstrichtungen keine Beachtung schenken. So ist der Besuch doch ein Rundgang durch 3000 Jahre Kunstgeschichte. Als die Highlights der Highlight kündigten die Veranstaler unter anderem eine Prunkschatulle Friedrich des Großen und ein prominentes Gemälde Emil Noldes an.

© Thole Rotermund Kunsthandel, Emil Nolde, Maske und Blumen,
1919, Öl auf Leinwand, 49 × 42 cm

Das von dem Expressionismus-Spezialisten Thole Rotermund Kunsthandel angebotene Gemälde Emil Nolde Gemälde "Maske und Blumen" ist einfach wundervoll. Im Gegensatz zu Noldes Aquarellen sind seine Gemälde auf dem Kunstmarkt selten geworden. „Maske und Blumen“ steht nach mehr als 30 Jahren erstmals wieder zum Verkauf. Das Zusmmenkommen der farbenfrohen Blumen mit der dahiner erscheinenden Maske möchte man in heutigen Zeiten fast etwas symbolisches zuschreiben.

ALFONS WALDE, Oberndorf in Tirol 1891-1958 Kitzbühel Aufstieg
Öl/Karton
70 x 48,5 cm
Kunsthandel Freller

Von München aus sind es nach Kitzbühel etwa 130 Kilometer. Hier malte Alfons Walde in den Zwanziger- und Dreißigerjahren seine scharfschattigen, expressiven  Alpensujets. Der Linzer Kunsthandel Freller widmet seine diesjährige Messe-Show ausschließlich dem heute mehr denn je gefragten Maler kerniger, verschneiter Dorf- und Landschaftsszenen.

Highlight © Beck & Eggeling International Fine Art, Gerhard Richter, Fuji, 1996,
Öl auf Alucobond, 29 x 37 cm

Registrierung erforderlich:

Um Wartezeiten zu vermeiden und den Corona-Regelungen zu entsprechen, muss man sich vorher online für einen Zeitslot registrieren. 

Ticket können zum gebuchten Zeitpunkt direkt vor Ort erwerben werden. Für Besucher mit einem regulären Eintrittsticket oder Besucher, welche das Ticket noch vor Ort erwerben möchten unter: https://www.terminland.de/munichhighlights/online/Buchung

"Fremd ist der Fremde nur in der Fremde! Und warum fühlt sich eine Fremder nur in der Fremde fremd?
Weil jeder Fremde, der sich fremd fühlt, ein Fremder ist, und zwar so lange, bis er sich nicht mehr fremd fühlt -
dann ist er kein Fremder mehr"

Die Fotografien von Herbert Becke in dem Buch "Bildersprache" machen Spaß und wurden mit viel Einfühlungsvermögen begleitet von Zitaten des Münchner Originals Karl Valentin, ausgewählt. Die Bilder sind das Ergebnis von 45 Jahren in denen Herbert Becke in Sachen Fotografie mit viel Erfolg in München unterwegs war. Die Aufnahmen von Herbert Becke, der mehrmals für seine Fotografie ausgezeichnet wurde unter anderem mit dem "Tassilo-Preis der Süddeutschen Zeitung, leben unter anderem von ihrer ungewöhnlichen Perspektive: Meist auf Augenhöhe aufgenommen, gelingt ein neuer, frischer Blick auf Vertrautes. Gunter Fette, der 'Irdische Statthalter' Karl Valentins, hat die Bilder mit schrägen, philosophischen, bekannten, aber auch bislang unveröffentlichten Sprüchen des Wortakrobaten verpaart - immer mit dem Gedanken: Was würde Karl Valentin dem Betrachter mit dem Foto sagen wollen?

Die Zukunft war früher auch besser.

Des ignorieren wir net amoi.

Die Nähe von Herbert Becke, 1950 in München geboren, zu dem Original Karl Valentin hat eine lange Vergangenheit. Schon 1966 hat er im Münchner Norden, die "Valentinaden-Bühne" gegründet und stand dort auch als Karl Valentin auf der Bühne. Viele, viele Jahre war Becke Leiter der Volkshochschule im Norden der Stadt und hat sie in den 33 Jahren seines Wirkens zur zweitgrößten Erwachsenenbildungseinrichtung in Oberbayern gemacht, unter anderem auch die Fotografie etabliert.

Der Dings den kenne ich, der braucht gar nicht zu kommen, den fotografiere ich gleich auswendig. 

Herbert Becke in Valentins Geburtshaus, München Zeppelinstraße 41

Karl-Valentin-Bücher gibt es viele. Von ihm und über ihn. Das vorliegende Buch ist anders. Es ist nicht vom Münchner Humoristen und eigentlich geht es auch nicht um ihn. Es ist ein Bilderbuch, für das Valentin die Bildunterschriften schreiben durfte, lange bevor es die Bilder überhaupt gegeben hat. Das klingt verrückt? Mitnichten, so etwas nennt man 'valentinesk'. 

Ich bin auf Sie angewiesen, aber Sie nicht auf mich! Merken Sie sich das!

Die 1059 Vor-Wörter verfasste Christian Ude, ehemaliger Bürgermeister der bayerischen Hauptstadt, der in dieser Rolle nicht immer nur die Begeisterung der Autorin fand. Die Vor-Worte hat er mit viel Witz und Sachkenntnis geschrieben, sowohl den "Becke", als auch Valentin einfühlsam vorstellend. "Ich wünsche Ihnen neue, ungewohnte, irritierende optische Annäherungen an Weisheiten und Wortwitze, die schon drohten, bayerischen Bildungsgut zu werden", so Ude - in diesem Sinne kaufen, geniessen und sich freuen.

Brigitte Henninges

Mehr über Herbert Becke: https://derbecke.de

ISBN: 978-3-86222-356-5
Autor: Gunter Fette, Herbert Becke
Ausstattung: Hardcover, 144 Seiten
Preis 19,90 Euro

Moderiert wird der wöchentliche Live Talk vom Sony Alpha Universe Ambassador Steffen Böttcher, auch bekannt als Stilpirat. Über die Chatfunktion können live Fragen gestellt werden, die innerhalb des Talks beantwortet werden.

Die Talkrunde wird zudem durch das Sony Pro Team begleitet, welches ebenfalls Rede und Antwort steht.

Folgende Fotografinnen und Fotografen sind geplant:

20.10.2020 – Andreas Chudowski – «Portrait / PicDrop»

27.10.2020 – Martin Diepold – «Portrait / Studio»

03.11.2020 – Mike Suminski – «Video»

10.11.2020 – Brigitte Foysi – «Hochzeitsfotografie»

Die weiteren Termine sind:

17.11.2020

24.11.2020

01.12.2020

08.12.2020

15.12.2020

Die Talkgäste werden noch bekanntgegeben.

Anmeldung:

Unter folgendem Link können Sie sich zu den Talks anmelden:

https://zoom.us/webinar/register/6015911923307/WN_UemyMvqCQHeKLAFTtsl2Fw?fbclid=IwAR1-WA4YQ-Ad0jTWAY5-LTPWdYUwjnvxRi7XyAZlChpkGHXEV38V6Yr6cAs

Chris Killips Arbeit galt den Menschen in schwierigen Lebenssituationen und war geprägt durch große Empathie, Einfühlungsvermögen und Nähe. Kürzlich wurde der britischstämmige Photograph mit dem renommierten Dr. Erich Salomon-Preis für herausragende Leistungen im Bildjournalismus ausgezeichnet.

Chris Killip, 1946 in Douglas auf der Isle of Man geboren, nahm 1969 seinen Weg in die Tätigkeit als freiberuflicher Photograph auf. Seine frühesten Bilder haben seine Heimat, die Isle of Man, zum Thema. Sie dokumentieren bereits in aller Dichte die photographische Stilsicherheit Killips und seine respektvolle Neugier, seine Feinfühligkeit und seine Aufmerksamkeit, die er den Menschen in ihrem Alltag entgegenbringt und umgekehrt die selbstverständliche Akzeptanz der Porträtierten gegenüber dem Photographen, der mit ihnen direkt oder indirekt in Dialog tritt.

Über 50 Jahre lang setzte er sich als erstklassiger Photograph, als Kurator und Kritiker sowie von 1991 bis 2017 im Rahmen seiner Lehrtätigkeit an der Harvard University Cambridge Massachusetts, USA, nachhaltig für die Emanzipation und die Vermittlung der Photographie ein.

Seine Publikationen, entstanden zwischen 1980 und 2020, verlegt bei Steidl, gehören zu den beeindruckendsten Werken der Photographie-Literatur. Ohne Killip wäre ein großes Stück britischer Kultur- und Mentalitätsgeschichte unentdeckt geblieben. Seine Photographien und Bildreihen sind kostbare Berichte und Sinnbilder, die den gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Wandel von Großbritannien beleuchten. Sie reihen sich in der Geschichte der Photographie neben jene der großen, unverzichtbaren Meister ein und erweisen sich für viele weitere Photograph*innen und Künstler*innengenerationen als inspirierende Vorbilder.

Chris Killip starb im Kreis seiner Familie im Alter von 74 Jahren in Cambridge, Massachusetts, USA.

Arbeit galt den Menschen in schwierigen Lebenssituationen und war geprägt durch große Empathie, Einfühlungsvermögen und Nähe. Kürzlich wurde der britischstämmige Photograph mit dem renommierten Dr. Erich Salomon-Preis für herausragende Leistungen im Bildjournalismus ausgezeichnet.

Chris Killip, 1946 in Douglas auf der Isle of Man geboren, nahm 1969 seinen Weg in die Tätigkeit als freiberuflicher Photograph auf. Seine frühesten Bilder haben seine Heimat, die Isle of Man, zum Thema. Sie dokumentieren bereits in aller Dichte die photographische Stilsicherheit Killips und seine respektvolle Neugier, seine Feinfühligkeit und seine Aufmerksamkeit, die er den Menschen in ihrem Alltag entgegenbringt und umgekehrt die selbstverständliche Akzeptanz der Porträtierten gegenüber dem Photographen, der mit ihnen direkt oder indirekt in Dialog tritt.

Über 50 Jahre lang setzte er sich als erstklassiger Photograph, als Kurator und Kritiker sowie von 1991 bis 2017 im Rahmen seiner Lehrtätigkeit an der Harvard University Cambridge Massachusetts, USA, nachhaltig für die Emanzipation und die Vermittlung der Photographie ein.

Seine Publikationen, entstanden zwischen 1980 und 2020, verlegt bei Steidl, gehören zu den beeindruckendsten Werken der Photographie-Literatur. Ohne Killip wäre ein großes Stück britischer Kultur- und Mentalitätsgeschichte unentdeckt geblieben. Seine Photographien und Bildreihen sind kostbare Berichte und Sinnbilder, die den gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Wandel von Großbritannien beleuchten. Sie reihen sich in der Geschichte der Photographie neben jene der großen, unverzichtbaren Meister ein und erweisen sich für viele weitere Photograph*innen und Künstler*innengenerationen als inspirierende Vorbilder.

Chris Killip starb im Kreis seiner Familie im Alter von 74 Jahren in Cambridge, Massachusetts, USA.

Zusätzlich gibt es in diesem Jahr die Sonder-Edition The Art of Hip Hop Covers mit dem besten des Genres aus den letzten 5 Jahrzehnten im goldglänzenden Bling-Bling-Cover! Außerdem aus der Serie neu erschienen ist der erste Wandkalender The Art of Ugly Covers. 12 Platten für jeden Monat – so hässlich, dass sie wieder schön sind! Neben den tollen Artworks enthalten alle Kalender die wichtigsten Platteninfos sowie integrierte SPOTIFY Codes mit denen jedes Album überall und sofort abgespielt werden kann.

Abgedruckte SPOTIFY Codes auf jedem Kalenderblatt.
Einfach scannen und Musik hören!

Sämtliche Kalender sind im Verlag Seltmann Publishers erschienen und können im Buchhandel oder versandkostenfrei unter www.seltmannpublishers.com bestellt werden.

1. Hauptpreis für die »Beste Fotoserie 2020« – Anja Engelke
Room 125 

Den mit 15.000 Euro dotierten ersten Preis erhielt die an der Hochschule für Künste Bremen ausgebildete und in Bremen lebende Fotografin Anja Engelke für ihre Serie Room 125. Engelkes künstlerische Praxis zeichnet sich durch ihre intensive Beschäftigung mit der Geschichte des Mediums Fotografie aus. 

2. Hauptpreis für die »Beste Fotoserie 2020« – Ingmar Björn Nolting
Neuland – eine Reise durch Deutschland während der COVID-19 Pandemie

Anders als das Medium Sprache dient die Fotografie dazu, in einer globalen Welt über Sprachgrenzen hinweg zu kommunizieren, Stellung zu beziehen und vielleicht auch das „Noch-Nicht-Sagbare“ visuell auszudrücken. Auch in diesem Jahr bietet der Vonovia Award für Fotografie, der mit einem Preisgeld von 42.000 Euro dotiert ist, jungen sowie etablierten internationalen FotografInnen ein Forum, die Potenziale der Fotografie unter dem Thema ZUHAUSE neu auszuloten und weiter zu entwickeln. Nun stehen die PreisträgerInnen 2020 fest.

3. Hauptpreis für die »Beste Fotoserie 2020« – Tine Edel
Die vier Wände

Bei der virtuellen Preisverleihung des Vonovia Award für Fotografie 2020 sind die drei GewinnerInnen der Hauptpreise für die »Beste Fotoserie« Anja Engelke (1. Preis), Ingmar Björn Nolting (2. Preis), Tine Edel (3. Preis) sowie der Nachwuchspreisträger Valentin Goppel ausgezeichnet worden. Die Preisverleihung mit bekannten Gästen aus der Fotoszene wie Amélie Schneider (Leitende Bildredakteurin DIE ZEIT), dem Fotografen und Instagramer Jörg Nicht sowie Mitglieder der Jury wie Peter Piller (Künstler und Fotograf), Peter Bialobrzeski (Professor an der Hochschule für Künste Bremen), Ingo Taubhorn (Kurator am Haus der Photographie in den Deichtorhallen) und Daniel Riedl (Vorstandsmitglied Vonovia) widmete sich dem Thema »Visual Story telling«. Nina Sonnenberg moderierte die via Livestream übertragene, virtuelle Preisverleihung in Hamburg. 

»Beste Nachwuchsarbeit 2020« – Valentin Goppel
allá en la pampa 

Im vierten Jahr hat sich der Vonovia Award für Fotografie zu einer festen Größe in der deutschen Fotografie-Landschaft entwickelt. Der neue Rekord von 575 Einreichungen übertraf die Zahl der Wettbewerbseinreichungen des vergangenen Jahres um mehr als 40 Prozent. Acht Nachwuchs- und 25 ProfifotografInnen zählten zur Shortlist des renommierten Fotografiepreises. Aus dem Kreis dieser Nominierten hatte die Fachjury die vier PreisträgerInnen (die vollständige Jury finden Sie hier) bestimmt. 

 Voigtländer Daguerreotyp Kamera 1840

Die Voigtländer Daguerreotyp Kamera 1840  wurde 1840 von Peter Wilhelm Friedrich Voigtländer vorgestellt und ist aufgrund des schnellen f:3.7 Petzval Objektivs von historischer Bedeutung, da es 15-mal schneller war als die Objektive, die Daguerre in seinen Konstruktionen verwendete. Erstmalig wird eine Kamera dieses Typs bei einer Versteigerung angeboten. Sie befindet sich in einem schönen, originalen Zustand und wurde nie restauriert.

Leica Gun RIFLE

Eines der seltensten und ungewöhnlichsten Leica Accessoires ist das E. Leitz New York Leica Gun RIFLE (Schätzpreis: € 200.000 – 250.000). Die Markteinführung des Leica Gewehres erfolgte 1938 durch E. Leitz, Inc. New York unter dem Codenamen „Rifle“. Das Rifle wurde nur ein Jahr (von 1938 bis 1939) produziert und war inspiriert durch den bekannten Wildlife-Fotografen Attilio Gatti. Wahrscheinlich existieren heute nur noch 12 bis 14 Exemplare, die über Sammlungen weltweit verteilt sind.

Leica Auction Vario-Elmar-M 3.5-5.6/28-75mm ASPH

Zur Auktion gelangt auch eines von nur drei existierenden Vario-Elmar-M-Objektiven. Das Vario-Elmar-M 3.5-5.6/28-75mm ASPH. (Schätzpreis: € 60.000 – 80.000) wurde in Deutschland entwickelt und als Universalobjektiv konzipiert, welches das Tri-Elmar 28-35-50 ersetzt. Aufgrund der Komplexität des mechanischen und optischen Designs wurde das Projekt 2015 eingestellt. Nur drei Objektive wurden fertiggestellt und erfüllen die von den Leica Ingenieuren festgelegten Qualitätsstandards.

Leica MP ‚Grip‘ by Rolf Sachs

Die Leitz Photographica Auction stellt auch bei dieser Auktion wieder ein Los für einen karitativen Zweck zur Verfügung. In Kooperation mit Licht ins Dunkel gelangt eine Leica MP ‚Grip‘ by Rolf Sachs inklusive eines signierten Prints des Künstlers unter den Hammer. Die Kamera wurde in Zusammenarbeit mit dem Künstler und Fotografen hergestellt und in einer limitierten Auflage von nur 79 Sets weltweit angeboten.

Gebote für die kommende Kamera-Auktion am 21. November 2020 können online (www.leitz-auction.com), sowie schriftlich oder per Telefon, weltweit live über www.liveauctioneers.com erfolgen.

Attributed to NATALIS RONDOT (1821–1900), Nine quarter-plate daguerreotypes
including the first photograph of Shanghai, China, 1844-45

Auch unter den folgenden 150 Losen gab es viele hervorragende Ergebnisse. So holte sich ein Sammler um 18.000 Euro (Startpreis: 8.000 Euro) die staunenden Kindergesichter auf Alfred Eisenstaedts »Children at a Puppet Theatre« von 1963 nach Hause. Der Feminismus zählte zu den weiteren Gewinnern: VALIE EXPORTs »Einschluss« (Inclusion), 1972, aus ihrer Serie »Körperkonfigurationen« wurde um 25.200 Euro verkauft (Startpreis: 14.000 Euro).

ALFRED EISENSTAEDT (1898–1995), »Children at a Puppet Theatre«, Paris 1963

VALIE EXPORT (* 1940), »Einschluss« (Inclusion), from the series »Körperkonfigurationen«, 1972

Freuen Sie sich auf die spektakulären Siegerbilder des diesjährigen Wettbewerbs EUROPÄISCHER NATURFOTOGRAF DES JAHRES! Nehmen Sie teil an der ersten virtuellen Preisverleihung der Gesellschaft für Naturfotografie! Hören Sie den Fotografen zu, die spannende Geschichten zu ihren Siegerbildern erzählen, und seien Sie dabei, wenn der/die Gesamtsieger*in des Wettbewerbs enthüllt wird.

Einen Blick hinter die Kulissen gewähren Ihen die diesjährigen Jury-Mitglieder wie Angel Fitor aus Spanien, Unterwasserfotograf und Kameramann, Staffan Widstrand aus Schweden, Naturfotograf und Initiator von Projekten wie Rewildering Europe und Wild Wonders of China und auch Keith Wilson, Mitglied der Royal Geographical Society und Mitbegründer von Photographers Against Wildlife Crime™.

https://www.youtube.com/channel/UCIueDVpxlV8mKxhPMe3rQRg/about

NICOLA BERTASI (Italien), Pandemic Postcards from an early future.

 Das Kunstprojekt Sana Sanaa, dass sich den kreativen Austausch zwischen Afrika und Europa auf die Fahnen geschrieben hat, hat zu einem internationalen Wettbewerb aufgerufen, fotografisch Stellung zu Corona zu beziehen. Nun hat eine internationale Jury aus 578 eingesendeten Projekten ihre Shortlist veröffentlicht.

 In eindringlichen Reportagen wird über stattliche Quarantäne-Maßnahmen, den Einsatz der Ärzte bis zur völligen Erschöpfung, aber auch über das Militär berichtet, das den von manchen Staatschefs verkündeten „Kriegszustand“ sehr ernst zu nehmen scheint. In humorvollen Inszenierungen werden Ansteckungsängste persifliert, und selbstverständlich nehmen die unmittelbaren Folgen des Lock Downs einen ebenso imposanten wie facettenreichen Raum ein. Rückzug in die Einsamkeit, Hochkonjunktur des Beerdigungsunternehmers, ausgestorbene Straßen der Städte.

Tatenda Chidora (Simbabwe), Paranoid, 2020.

Das Ergebnis des Wettbewerbs hat alle Erwartungen übertroffen. Vielleicht war Ursache für die große Beteiligung auch die vielbeschworene Entschleunigung, die Corona mit sich brachte. Die hohe Qualität der Beiträge aber ist ganz sicher darin begründet, dass alle Fotografen nicht über etwas berichten, nicht nur Anteil nehmen, sondern selbst Teil des Geschehens sind. Jedem einzelnen scheint bewusst geworden zu sein, dass Corona nicht nur ein Ereignis von historischer Dimension ist, sondern ausnahmsweise einmal die ganze Welt vor das gleiche Problem stellt. Genau das ist es, was die Bilder auch universell lesbar und verständlich macht.

Joshua Rubin (South Africa), Stay Home, 2020.

 Die Ausstellung ist wie folgt geöffnet:

Freitag, 2. Oktober 2020 von 17:00 bis 21:00 Uhr
Samstag, 3. Oktober 2020 von 11:30 bis 18:00 Uhr
Sonntag, 4. Oktober 2020 von 11:30 bis 18:00 Uhr

Die Ausstellung kan außerdem während der Öffnungszeiten von Artificial Image und nach Vereinbarung besichtigt werden, auf Anfrage (gerne gegen eine Spende für das Projekt) mit sachkundiger Begleitung durch die Kuratoren und Produzenten .

Mud Bath, Tsavo National Park, Kenya 2011

Michael Nichols versenkte sich ganz in seine Arbeit und verbrachte jeweils mehrere Monate damit, den Tieren so nah wie möglich zu kommen, ihre Lebensweise und ihre Reviere kennenzulernen. Von 1999 bis 2001 dokumentierte Nichols die Megatransect-Expedition des Naturschützers Mike Fay. Dieser wanderte 3.219 Kilometer zu Fuß von den Regenwäldern des Kongo bis zur Atlantikküste Gabuns und untersuchte dabei Afrikas letzte große Wildnis.

Charger, Bandhavgarh National Park, India 1996

Eine Reportage über die Löwen der Serengeti, eine Studie über die indischen Tiger Sita und Charger, eine gemeinsam mit Jane Goodall erarbeitete Geschichte über Schimpansen oder die Story „Redwoods: The Super Trees“ geben ebenso wie viele weitere Themen und Bilder Einblick in Nick Nichols’ glänzende Karriere.

The Last Rhino, San Diego Wild Animal Park,
California 1992

Crocodile, Zakouma National Park, Chad 2006

„Wie schaffen Sie es, den Tieren so nahezukommen?“ – diese Frage hört Nichols immer wieder. Dann antwortet er oft schalkhaft: „Ganz einfach: Manchmal bin ich gar nicht da.“ In der Tat: Viele Aufnahmen hat Nichols mit Hilfe von Fotofallen gemacht. Diese Anlagen bleiben vollkommen unbemerkt und ermöglichen es dem Fotografen, gleichzeitig anwesend und abwesend zu sein. „Ich musste meiner Kamera beibringen, selbstständig zu denken, an meiner Stelle, und sich etwa an die Lichtverhältnisse anzupassen . . .“

Hepatitis Study, Liberia 1989

Michael Nichols, geboren 1952 in Muscle Shoals, Alabama, begann seine fotografische Ausbildung Anfang der 1970er Jahre in einer Fotoeinheit der U.S. Army. Später studierte er an der University of North Alabama, wo er auch seinen langjährigen Mentor Charles Moore, einen Fotografen der Zeitschrift Life, kennenlernte. Dieser überzeugte ihn letztlich, Fotograf zu werden.

1979 legte er in New York Thomas Hoepker, dem damaligen Chefredakteur von Geo, seine Aufnahmen von Höhlen vor. Dieser beauftragte ihn daraufhin, in den beiden tiefen Höhlen „Fantastic Pit“ und „Incredible Pit“ in Georgia zu fotografieren. Nichols spezialisierte sich fortan auf gefährliche, internationale Expeditionen, was ihm den Namen „Indiana Jones der Fotografie“, aber auch die Mitgliedschaft bei Magnum einbrachte.

Die in dem großen, in der Edition Lammerhuber erschienenen, querformatigen Bildband „Wild“ zusammengefasste Arbeit von Michael Nichols steht ganz im Zeichen des Erhalts der natürlichen Lebensräume. In seinem umfangreichen Werk verschmilzt die Fotografie mit Journalismus, aber auch mit Wissenschaft und Technologie: Es zeigt die Natur und ihre Geschöpfe im Urzustand, ungeschönt und ungeschminkt.

H.-G. v. Zydowitz

Michael Nichols - Wild
Text: Englisch

320 Seiten, mit 240 Fotografien
Format: 39×26 cm, Hardcover mit aufkaschiertem Coverfoto, beigelegter Fine-Art-Print

Baden (A), Edition Lammerhuber
ISBN: 978-3-903101-75-3;  

Preis €  125.-

Erhältlich nur über

https://www.booksforfriends.photo/wild-michael-nichols

ELLIOTT ERWITT (* 1928), Fashion shoot, New York City, 1989
Startpreis: 2.000 € / Schätzpreis: 4.000–5.000 €

ELFIE SEMOTAN (* 1941), ‘Die schöne Jennersdorferin’ (Barbara Mühl for Helmut Lang), 1989
Startpreis: 700 € / Schätzpreis: 1.400–1.800 €

BARBARA PFLAUM (1912-2002), The Kennedys in Vienna, 1961
Startpreis: 600 € / Schätzpreis: 1.000–1.200 €

MORIZ NÄHR (1859–1945), Gustav Klimt, Vienna 1909
Startpreis: 10.000 € / Schätzpreis: 20.000–25.000 €

Online-Katalog mit allen Losen

http://www.ostlicht-auction.com/auktion/de/auktionen/22ostlichtphotoauction

Informtationen zum Mitbieten

http://www.ostlicht-auction.com/auktion/de/kaufen

OstLicht Photo Auction
Absberggasse 27
A-1100 Wien
T +43 (0)1 99 620 66 17
info@ostlicht-auction.com
www.ostlicht-auction.com

Die Veranstalter haben die Messe gemäß den Anordnungen der französischen Regierung abgesagt. Stattfinden sollte Paris Photo vom 12. bis 15. November 2020, als neuer Termin ist der 11. bis 14. November 2021 anberaumt. Die 24. Edition der Veranstaltung soll dann im neu erbauten Grand Palais Éphémèmere an der Champ de Mars präsentiert werden. Wir haben uns in den letzten Tagen intensiv mit unseren Ausstellern, Besuchern, Sammlern und Foto-Liebhabern ausgetauscht. Sie alle begeisterten sich enthusiastisch für Paris Photo in diesem Jahr"; berichter Florence Bourgeois, Direktorin von  Paris Photo. Wir wurden in unseren Bemühungen die Sicherheit für alle Teilnehmer zu gewährleisten intensiv unterstützt. Aber wir hatten keine andere Wahl als Paris Photo abzusagen."

Dann hoffen wir alle, dass es im nächsten Jahr wieder dieses außergewöhnliche Ereignis geben wird.

Laura Stromp: Origin

Wie wollen wir Menschen in Zukunft leben? Der technische Fortschritt eilt unseren irdischen Bedingungen voraus. Wir entfremden uns vom Naturgeschöpf und werden zur Mensch-Maschine-Symbiose, die sich immer häufiger in virtuelle Welten flüchtet. Die Gesellschaft entwickelt sich vom kommunalen Gedanken hin zu selbsteffizienten Individuen. Und doch sind wir immer auf der Suche nach Verbindung. Online-Gaming, Avatare, Virtual Reality, Social Media und Dating-Apps führen dazu, dass man sich immer weniger mit der „echten Welt“ abfinden muss. 
Quasi im Vorgriff auf die Corona-Krise, mit unseren aktuell beschränkten Kommunikationsmitteln,entführt uns die Fotografin in diese künstliche Welt.
Lette Verein Berlin, Fotografie

Die im Rahmen des BFF Mentoring-Programms realisierten zwölf Fotokonzepte werden in der Ausstellung „Ausgezeichnet! Der Neue BFF-Förderpreis 2020“ ab 3. Oktober 2020 mit einer feierlichen Preisverleihung in Zingst gezeigt. Die Auszeichnungen, die erstmals in drei Kategorien verliehen werden, gehen gleichrangig an Tamara Eckhardt für „Children of Carrowbrowne“, Laura Stromp für „Origin“ und das Fotografinnen-Duo Marina Cordes & Signe Heldt für „ebenda

Tamara Eckhardt: The Children of Carrowbrowne
Die Traveller gelten als größte ethnische Minderheit Irlands. Die Serie gibt Einblicke in das Leben der dort aufwachsenden Kinder. Außerhalb von Galway, neben einer Mülldeponie, befindet sich die Carrowbrowne Halting Site, das temporäre Zuhause von acht Traveller-Familien. Ausgrenzungen aus dem urbanen Raum zwingen Traveller häufig, auch örtlich am Rande der Gesellschaft zu leben. Kindheit ist von elementarer Bedeutung für jeden Menschen. Wie verändert sich diese, wenn die äußeren Bedingungen
eher lebensfeindlich sind?
Ostkreuzschule für Fotografie, Berlin

Marina Cordes und Signe Heldt: ebenda

Eine Erzählung vom familiären Zusammenleben in der Großwohnsiedlung Steilshoop in Hamburg. Zweieinhalb Quadratkilometer groß, 19.500 Einwohner*innen. Zwischen 1969 und 1975 als Maßnahme gegen den Wohnraummangel realisiert. Damals als Ideallösung und soziale Utopie verstanden, hat sich das gesellschaftliche Bild von Großwohnsiedlungen inzwischen überwiegend negativ gewandelt. Über einen Zeitraum von eineinhalb Jahren lernten die Fotografinnen Familien kennen, die diese Siedlung ihr Zuhause nennen. Die Bilder, auf denen sich die herbe Schönheit einer dichten Architektur mit idyllischem Grün mischt, laden zu eigenen Interpretationen
über das Leben im Viertel ein.
Hochschule für Angewandte Wissenschaften Hamburg, Kommunikationsdesign, Fotografie

Die Preisträgerinnen in den Kategorien
• Marina Cordes & Signe Heldt: „ebenda“ (Künstlerische Fotografie)
• Tamara Eckhardt: „Children of Carrowbrowne“ (Dokumentarfotografie / Reportage)
• Laura Stromp: „Origin“ (Angewandte Fotografie / Design)

Alle Finalist*innen
• Shirin Abedi: „May I have this Dance?“
• Marina Cordes & Signe Heldt: „ebenda“
• Tamara Eckhardt: „Children of Carrowbrowne“
• Delia Friemel: „Scratching the Surface“
• Barbara Haas: „Heritage“
• Pia Hertel: „Natur-Ersatzprodukt“
• Elias Holzknecht: „Schnee von morgen“
• Patrick Junker: „Mutter ohne Kind“
• Nerea Lakuntza: „Atempause“
• Ingmar Björn Nolting: „The Dream of the Poets“
• Jan A. Staiger: „AUTOnom“
• Laura Stromp: „Origin“

Alle Arbeiten der Siegerinnen und der Finalisten stehen unter 

www.foerderpreis.bff.de

https://zoom.us/j/98212924071

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Meeting ID: 982 1292 4071
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Um sicherzustellen, dass es ausreichende Kapazitäten gibt, ist es erwünscht die Teilnahme per E-Mail an info@taunusfotogalerie.com zu bestätigen. Der Termin findet größtenteils auf englisch statt.

YI SUN

Yi Sun, 1982 in China geboren, lebt seit dem Jahr 2000 in England. Er ist ein Multitalent mit einer seltenen Karriere-Kombination als Wissenschaftler und Künstler. Im Jahr 2009 ergatterte er einen hoch begehrten Stipendien-Platz an der Universität Cambridge und machte dort seinen Ph.D. in Biowissenschaften. Heute leitet er seine eigene Forschungsgruppe an der Universität Birmingham, um neue Therapien für Herz-Kreislauf-Erkrankungen zu entwickeln.

Schon in jungen Jahren fühlte Yi sich zu den visuellen Künsten hingezogen, was ihn – zusammen mit seiner Liebe für die Natur motivierte, Luftbildfotograf zu werden. Sein Vorgehen ist dabei akademisch und analytisch, mit dem Sinn eines Künstlers für Romantik. Stets strebt er nach der besten Komposition und scheut sich dabei nicht, kräftige Farben einzusetzen, um beim Betrachter tiefe Emotionen zu erwecken. Sein Fokus liegt dabei zum einen auf der ungezähmten, unverfälschten Wildnis, anderseits auf dem menschlichen Einfluss auf diesen Planeten. Indem er atemberaubende fotografische Werke schafft, möchte er das Bewusstsein für vernachlässigte Umweltfragen schärfen und die Liebe für unseren schönen, aber zerbrechlichen Planeten stimulieren.

Die meisten seiner Bilder nimmt er aus kleinen Flugzeugen oder Hubschraubern mit offenen oder gar keinen Türen heraus auf. Sein Markenzeichen sind Fotos, die gerade nach unten aufgenommen werden, während die Maschine akrobatische Flugmanöver absolviert. Dies erfordert es, innerhalb von Sekundenbruchteilen Bildkompositionen zu entwerfen und aufzunehmen. Yi konzentriert sich darauf, wirklich einmalige Bilder zu schaffen. Der Einfluss moderner, abstrakter Kunst führt ihn zu einfachen, kräftigen Kompositionen und Farben. So sehen seine Kunstwerke oft wie moderne, abstrakte Gemälde aus.

Durch viele Jahre disziplinierter Selbstreflektion ist Yi zu einem international anerkannten Fotografen geworden, der etliche renommierte Fotografie-Auszeichnungen gewonnen hat. Seine fotografische Reise hat ihn bislang in über 30 Länder geführt, zu rauen Wüsten, riesigen Ozeanen, stillen Seen, schlängelnden Flüssen, fremdartigen Vulkanmassiven, farbprächtigen Regenwäldern und imposanten Gletschern.

Social-Media-Plattformen wie Facebook, Twitter, Instagram und viele andere betreiben ein äußerst profitables Geschäftsmodell, da sie mit verhältnismäßig geringen Kosten für den Content hohe Werbeeinnahmen erzielen. Die aktuelle Urheberrechtsnovelle verpflichtet die Plattformen nun dazu, die Verantwortung für den von Privatnutzern hochgeladenen Content Dritter - häufig professioneller Urheber - zu übernehmen. Somit soll beispielsweise auch die ordnungsgemäße Lizenzierung von hochwertigem Bildmaterial sichergestellt werden. Um dies effizient zu ermöglichen, streben der Bundesverband professioneller Bildanbieter (BVPA) und die Verwertungsgesellschaft Bild-Kunst (VG Bild-Kunst) ein gemeinsames und umfassendes Lizenzangebot für Plattformen an. Diese umfassenden Kollektiv-Lizenzen würden die sogenannten „Upload-Filter“ für den Bereich der Rechtekontrolle obsolet machen.

„Lizenzieren geht vor Filtern“, sagt Urban Pappi, geschäftsführender Vorstand der VG Bild-Kunst. „Wir finden es richtig, dass professionelle Urheber, deren hochwertiges Bildmaterial maßgeblich zur Steigerung der Attraktivität der Plattformen beiträgt, zukünftig honoriert werden.“

Torsten Hoch, BVPA-Vorstandsvorsitzender, unterstreicht: „Unsere Mitgliedsagenturen wollen sich einer privaten Nutzung ihrer Bilder grundsätzlich nicht in den Weg stellen. Jedoch ist eine entsprechende Honorierung aus unserer Sicht selbstverständlich, denn professionelles Bildmaterial wertet die Social-Media-Plattformen auf und trägt somit wesentlich zum Erlös der Plattformen bei.“.

Die gemeinsame Stellungnahme von BVPA und VG Bild-Kunst:

https://bvpa.org/wp-c0nt3nt5/up10ad5/2020/09/Stellungnahme_VGBK_BVPA_ECL_2020-09-28.pdf

In dieser Masterclass gibt Guido Karp einen exklusiven Einblick in das Thema Fotobusiness und manbekommt einen Überblick seines kompletten fotografischen Workflows. Neben persönlichen Anekdoten aus seiner Karriere erhält man außerdem handfeste Tipps und Tricks, die man super auf die eigene Fotografie und das Business anwenden kann. Egal ob iAnfänger, Fortgeschrittene oder Fotoexperten - von Guido Karp kann man viel lernen!

Nachdem in dieser Woche mit einer Themenwoche die ersten fünf Teile veröffentlicht werden, werden die restlichen Teile der Serie regelmäßig in den nächsten Wochen und Monaten veröffentlicht. Alle veröffentlichten Filme der Serie findet man auf der dazugehörigen Kursseite.

Weiter Infos:

https://www.fototv.de/kurs/erfolgreiches-fotobusiness?utm_source=nl&utm_medium=fototvnews&utm_campaign=guidokarp

Chris Killip - helen and her hula-hoop lynemouth northumberland

50 Jahre lang setzte er sich als erstklassiger Photograph, als Kurator und Kritiker sowie von 1991 bis 2017 im Rahmen seiner Lehrtätigkeit an der Harvard University Cambridge Massachusetts, USA, nachhaltig für die Emanzipation und die Vermittlung der Photographie ein. Seine Publikationen, entstanden zwischen 1980 und 2020, gehören zu den beeindruckendsten der Photographie-Literatur. Ohne Killip wäre ein großes Stück britischer Kultur- und Mentalitätsgeschichte unentdeckt geblieben. Seine Photographien und Bildreihen sind kostbare Berichte und Sinnbilder, die den gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Wandel von Großbritannien beleuchten. Sie reihen sich in der Geschichte der Photographie neben jene der großen, unverzichtbaren Meister ein und erweisen sich für viele weitere Photograph*innen und Künstler*innengenerationen als inspirierende Vorbilder.

Chris Killip - father and son west end newcastle

Chris Killip, 1946 in Douglas auf der Isle of Man geboren, nahm 1969 seinen Weg in die Tätigkeit als freiberuflicher Photograph auf. Seine frühesten Bilder haben seine Heimat, die Isle of Man, zum Thema. Sie dokumentieren bereits in aller Dichte die photographische Stilsicherheit Killips und seine respektvolle Neugier, seine Feinfühligkeit und seine Aufmerksamkeit, die er den Menschen in ihrem Alltag entgegenbringt und umgekehrt die selbstverständliche Akzeptanz der Porträtierten gegenüber dem Photographen, der mit ihnen direkt oder indirekt in Dialog tritt. Dabei ist Chris Killip die Darstellung des gesamten Lebensraums wichtig: das komplette Gefüge aus Landschaft, Ortschaften, Klima, letztlich den grundsätzlichen und vitalen Rahmenbedingungen, die die Existenz der Menschen betreffen. Diese Bildsprache applizierte Killip auch auf zukünftige Bildzyklen.

Chris Killip - true love wall gateshead tyneside

Bemerkenswert sind entsprechend Killips zahlreiche Buchpublikationen wie Isle of Man (1980), In Flagrante (1988), Pirelli Work (2003), Here comes Everybody (2009), Seacoal (2011), Arbeit/Work (2012), Isle of Man Revisited (2015), In Flagrante Two (2016) und The Station (2020). Diese entstanden oftmals erst mehrere Jahre nach Beendigung der photographischen Arbeit nach einem intensiven Reifungsprozess. Chris Killip appelliert nachdrücklich, dass seine Bilder – die bei allem Realitätsbezug auch eine übergreifende allgemeingültige Aussage beinhalten - immer wieder neu und individuell gelesen werden sollen.

Chris Killip erhielt seit den 1970er-Jahren bedeutende Preise, darunter 1977 den Arts Council of Great Britain Major Bursary Award, 1989 den HCB Award der Fondation Henri Cartier-Bresson und 2020 den Dr.-Erich-Salomon-Preis der DGPh.

Werke finden sich in internationalen Sammlungen u. a. im Center for Creative Photography, Tucson; Fine Arts Museum of San Francisco; George Eastman House, Rochester; J. Paul Getty Museum, Los Angeles; Museum Folkwang, Essen; Museum of Fine Art, Houston; Museum of Modern Art, New York; National Gallery of Art, Washington; National Gallery of Australia, Canberra; Reina Sofia Museum, Madrid; Tate Gallery Collection, London; The Stedelijk Museum, Amsterdam; Victoria & Albert Museum, London.

Dr.-Erich-Salomon-Preis

Der Dr.-Erich-Salomon-Preis der Deutschen Gesellschaft für Photographie wird seit 1971 als Auszeichnung einer "vorbildlichen Anwendung der Photographie in der Publizistik" verliehen. Er dient zugleich dem Andenken an den großen Photographen der Weimarer Republik, Dr. Erich Salomon, dem der moderne Bildjournalismus starke Anregungen verdankt. Der Preis besteht aus einer Urkunde sowie einer Leica-Kamera mit Namensgravur und wird jährlich verliehen. Unter den Preisträgern befinden sich Printmedien, Organisationen und Fernsehschaffende sowie Persönlichkeiten, die sich um die Photographie in der Publizistik verdient gemacht oder im Bildjournalismus Herausragendes geleistet haben, wie der Stern (1971), Robert Frank (1985), Barbara Klemm (1989), Reporters sans Frontières (2002), Letizia Battaglia (2007) oder Josef Koudelka (2015).

Hier verwendete Photos:True love wall, Gateshead, Tyneside (oben), Father and son, West End, Newcastle, © Chris Killip

Auch Fotografie ist unter dem Anegbot der PIN: For Art 2020 wie unter anderem Zwei Werke des bekannten deutschen Fotografen THomas Struth.

Thomas Struth
Hermitage 2, St. Petersburg
2005
114 x 144,8 cm
Chromogener Abzug
Edition 1/10
Signiert auf der Rückseite
Euro 78,900 inkl MWST

Thomas Struth
Kirschblüten mit grünen Blättern
N° 35
C-Print
9/10
Signiert auf der Rückseite
Euro 17,400 inkl MWST

„In besonderen Zeiten machen wir eine besondere Innovation,“ erklärt Dorothee Wahl. „Denn Museen und Künstler*innen brauchen jetzt unsere Unterstützung mehr als je zuvor. Für unsere 18. Benefizauktion haben wir daher ein komplett neues Format ersonnen: Spannend wie eine Live Auktion, persönlich wie ein Abend unter Freunden und unterhaltsam wie die PIN. Party - mit unserem neuen Partner Ketterer Kunst machen wir das ambitionierte Projekt möglich und weiten auch das langjährige Engagement unseres Vereins noch deutlich aus“, kündigt die Vorsitzende von PIN. an.

Olaf Breuning 
Double, 2002
122,1 x 155,1 x 2,3 cm
C-Print auf Aluminium, laminiert
Edition 1/2 AP (Ed. 5)
Zertifikat mit Signatur
Euro 15.000 Inkl MWST

Bahnbrechendes Konzept

• Live-Auktion in der Pinakothek der Moderne am 21.11.2020 um 20:15 Uhr
• Live-Stream unter www.kettererkunstlive.de (Gebotsabgabe telefonisch und online)
• Sieben Satelliten-Veranstaltungen (u.a. Museum Brandhorst, Galerie Thomas, Hotel Zur Tenne in

Kitzbühel) am 21.11.2020 bei denen über einen Vertreter von Ketterer Kunst direkt vor Ort geboten

werden kann.

• Online Only-Auktion vom 1. November, 15 Uhr bis 21. November, ca. 22:30 Uhr
• Print-Katalog zur Saal- und Online Only-Auktion und zusätzliche umfangreiche Einblicke online
• Ausstellung aller Werke in der Pinakothek der Moderne vom 7.-21. November

„Es freut mich sehr, dass Ketterer Kunst dieses fantastische Event mitgestaltet. Außergewöhnliche Umstände erfordern außergewöhnliche Auktionen. Deshalb wird die traditionelle Benefizauktion der PIN. erstmals weltweit zugänglich sein. Die moderne Technik und unsere langjährige digitale Expertise machen es möglich“, so Robert Ketterer, Auktionator und Inhaber von Ketterer Kunst.

Ziel ist es, trotz der Corona bedingten Beschränkung der Teilnehmerzahl so vielen Unterstützer*innen von PIN. wie nur möglich direkten oder indirekten Zugang zum Live-Event zu ermöglichen. Traditionell nehmen ca. 800 an der Benefizauktion in der Rotunde der Pinakothek der Moderne teil, in diesem Jahr könnten es durch die digitale Öffnung um ein Vielfaches mehr sein.

Karel Appel
Head
1975 
58 x 29 x 21,5 cm
Acryl auf Schaumstoff, auf Holzbasis
Unikat
Signiert auf der Rückseite
Euro 63,800 inkl MWST

Die PIN. Auktion - ein Solidarakt

Unterstützung von Museen, Galerien, Künstler*innen und sozialen Einrichtungen

„Dieses Jahr hat uns gelehrt, wie wichtig es ist, nachhaltig und solidarisch zu denken,“ sagt Dorothee Wahl. „Keiner funktioniert alleine, jeder leistet seinen Beitrag in einem komplex geknüpften Netz, das eine lebendige Kulturszene erst ermöglicht und trägt. Aus diesem Grund, haben wir uns entschieden, erstmals neben der Pinakothek der Moderne und dem Museum Brandhorst auch die Galerien und Künstler*innen, die uns ihre Werke anvertrauen, zu unterstützen. Sie erhalten einen substantiellen Anteil aus dem Erlös der Auktion.“

Und damit nicht genug: Einige Künstler*innen haben sich ihrerseits dazu entschieden, an soziale Einrichtungen und gesellschaftspolitische Organisationen zu spenden: Neo Rauch und Rosa Loy unterstützen das Kinderhospiz Bärenherz, Samson Young spendet an „Hong Kong Free Press“, Jan Kuck überlässt seinen Anteil der World Health Organisation (WHO) und William Kentridge übergibt die Hälfte der Einnahmen an den interdisziplinären Inkubatorraum „The Centre of the Less Good Idea“ in Johannesburg, Südafrika.

LOBA Gewinner 2019, Mustafah Abdulaziz

Foto Mustafah Abdulaziz 

Das Langzeitprojekt „Water“, für das der Amerikaner Mustafah Abdulaziz seit mehr als acht Jahren auf der Welt unterwegs ist, verdeutlicht, wie Menschen mit der Natur interagieren und was es für die Zivilisation und Zukunft bedeutet. „Fotografien haben von Natur aus das Potenzial, schön zu sein, damit bin ich vorsichtig. Es muss mit etwas anderem in Einklang gebracht werden, was den Inhalt und den Aufbau angeht, sonst glaube ich nicht daran, und wenn ich nicht daran glaube, kann ich das auch nicht vom Betrachter erwarten.

Foto Mustafah Abdulaziz 

Foto Mustafah Abdulaziz 

Foto Mustafah Abdulaziz 

Für die Bilder in ‚Water‘ bedeutet das, dass ich jeden Teil meiner visuellen Herangehensweise immer wieder neu evaluiere. Es muss einen kontinuierlichen und organischen Entdeckungsprozess ergeben. ‚Water‘ ist mein Weg, die Welt zu erkunden, auf relevante und verantwortungsvolle Weise teilzuhaben und einem überwältigend großen, aber immens wichtigen Thema Bedeutung zu verleihen. Ich mache diese Arbeit nicht nur, weil sie mir große Erfüllung bringt, sondern weil sie notwendig ist. Unsere Beziehung zum Planeten könnte die wichtigste Angelegenheit unserer Zeit sein“, erläutert der LOBA Gewinner 2019, Mustafah Abdulaziz, seine Serie.

LOBA Newcomer Awards 2019: Nanna Heitmann

Foto Nanna Heitmann

Eine Reise in das Reich der Mythen: Der Jenissei, einer der längsten Ströme der Erde, leitete die deutsche Fotografin Nanna Heitmann wie ein roter Faden durch Sibirien. „Schnell wurde mir klar, dass der Fluss selbst keine große Rolle spielt. Meistens habe ich nach interessanten Charakteren Ausschau gehalten, denn seit jeher suchen an den Ufern des Jenissei und der angrenzenden Taiga Menschen Schutz und Freiheit: geflohene Leibeigene, Kriminelle, Abtrünnige oder einfach Abenteurer und Altgläubige“, berichtet Nanna Heitmann.

Foto Nanna Heitmann

Foto Nanna Heitmann

Die Mutter der Fotografin stammt aus Russland. Abgesehen von Moskau, war für die LOBA Newcomer Award Gewinnerin Russland immer nur ein großer dunkler Fleck auf der Landkarte. Daher entschied sie sich, ein Auslandssemester in Tomsk, Sibirien, zu absolvieren. Bislang waren ihre Vorstellungen von Russland hauptsächlich von sowjetischen Kinderfilmen und slawischen Märchen geprägt, die sie als Kind gelesen hat und die sie auch für ihr Fotoprojekt „Hiding from Baba Yaga“ inspiriert haben. Baba Yaga ist eine wichtige Figur in der slawischen Folklore. Sie ist eine unberechenbare und gefährliche Hexe, die in einer kleinen Hütte mitten im Wald lebt. Für ihr Fotoprojekt lieh sich Heitmann einen Jeep und eine Campingausrüstung aus und fuhr mit ein paar Bildinspirationen und möglichen Zielen im Kopf in Richtung der Republik Tuwa. Dem Lauf des Jenissei folgend, kam Nanna Heitmann durch die raue Wildnis der sibirischen Taiga, einer Region, die reich an uralten Mythen und Ritualen ist. Sie sah ihre Reise als eine Dokumentation des Lebens entlang des Flusses, aber auch der Mythen in dieser Region. Sie suchte nach traumähnlichen Bildern.

Capitis Studios Berlin, Kronenstraße 71, Berlin

Die 365 schönsten Polaroids wurden für das Photodarium ausgewählt, in hoher Qualität gedruckt, mit Hochglanz-Lack veredelt und von Hand geleimt und gebunden. Auf jeder Rückseite findet sich ein kleiner Text mit der oft sehr persönlichen Geschichte des Bildes sowie einem Hinweis zum Fotografen und zum verwendeten Polaroid-Film.

Das Photodarium speist sich aus über 2.000 Einsendungen und zeigt intime und künstlerische Momentaufnahmen von bekannten Fotografen und Newcomern, von Profis und Polaroidfans aus aller Welt. 

Und für alle die mehr wollen, gibt es das limitierte Photodarium Private. Diese Nude-Edition entblößt jeden Tag ein unzensiertes Akt-Polaroid. Ein moderner, junger und emanzipierter Blick auf Erotik jenseits pornographischer Klischees.

Das Photodarium 2021 und Photodarium Private 2021 sind im Verlag seltmann+söhne erschienen und können im Buchhandel oder online und versandkostenfrei unter www.seltmannundsoehne.com bestellt werden.

Photodarium 2021 Preis: 29,80 Euro

Photodarium Private 2021 Preis: 35,00 Euro

Mohamed Bourouissa
NOUS SOMMES HALLES, 2002-2003
In collaboration with Anoushkashoot
© Mohamed Bourouissa, Kamel Mennour, Paris & London
and Blum & Poe, Los Angeles

Der SPC Photo Award ist eine beliebte Veranstaltung unter den Fotografie-Enthusiasten in Zürich. Nimm dieses Jahr teil:

So funktioniert es:

• Sende bis zum 21. September bis zu 5 deiner Lieblingsfotos ein.
• Eine Jury wählt die 50 besten Einsendungen aus, die im Grossformat gedruckt und ausgestellt werden. Alle anderen eingereichten Fotos werden im Kleinformat ausgestellt.
• Während der Ausstellung bieten die SPC-Ausbilder kostenlose Fotogespräche an, um eine Menschenmenge anzulocken und sicherzustellen, dass deine Fotos gesehen werden.
• Während der Ausstellung stimmen alle Besucher für die drei besten Fotos ab. Aufgrund dieser Stimmen erhalten Fotografen bei der Abschlussfeier Publikumspreise.

Wichtige Daten
21. September: Einsendeschluss
5. November: Vernissage

5. bis 14. November: Ausstellung (Nimm am kostenlosen Facebook-Event teil, um auf dem Laufenden zu bleiben)
14. November: Finissage mit Bekanntgabe der Gewinner und anschliessender Preisverleihung

Lade deine Bilder hoch und finde weitere Details unter: https://zurich.swissphotoclub.com/photo-awards/

Maria Feck, 3.4 km2
© Maria Feck courtesy Vonovia Award Fotoserie aus dem vorigen Jahr

Aus einer Rekordzahl an Einreichungen, die die des vergangenen Jahres um über 40 Prozent übertraf, hat die Jury jetzt die Kandidaten für die Shortlist des Vonovia Award für Fotografie 2020 nominiert: Acht Nachwuchs- und 25 ProfifotografInnen sind in der Endauswahl für den renommierten Fotografie Preis.

Martina Stapf, Ohne Titel (self with…) © Martina Stapf
 courtesy Vonovia Award für Fotografie Shortlist »Beste Fotoserie« 2020

Der Vonovia Award für Fotografie wird bereits zum vierten Mal vergeben.Die überwiegende Zahl der 575 TeilnehmerInnen des Wettbewerbs kommt aus Deutschland. In diesem Jahr hat uns allerdings auch die hohe Zahl der internationalen Einreichungen überrascht, Wettbewerbsbeiträge kamen aus der ganzen Welt – aus den Nachbarländern Österreich und der Schweiz, Italien, Frankreich, Norwegen, Lettland und Russland bis hin zu den USA, Argentinien und Südafrika. Diese beeindruckende Ländervielfalt zeigt, wie stark der Award mit seinem Thema ZUHAUSE inzwischen von FotografInnen und KünstlerInnen als unmittelbarer Spiegel der Zeit gesehen wird – und das über Landesgrenzen hinweg.“

Shortlist "Beste Fotoserie" 2020

Ciro Battiloro, Axel Beyer, Charlott Cobler, Götz Diergarten, Tine Edel, Espen Eichhöfer, Anja Engelke, Joakim Eskildsen, Jörg Gläscher, Niklas Grapatin, Jan Klose-Brüdern, Frank Kunert, Moritz Küstner, Paula Markert, Eugenia Maximova, Ingmar Björn Nolting, Teresa Pistorius, Natalya Reznik, Alina Simmelbauer, Martina Stapf, Rudolf Strobl, Karen Stuke, Marvin Systermans, Andreas Teichmann, Elisa Wüntsch

Shortlist "Beste Nachwuchsarbeit" 2020

Shirin Abedi, Tamara Eckhardt, Veronika Forch, Valentin Goppel, Pia Heer, Jonas Höschl, Andra Schnebbe, Kate Schultze

Drei Hauptpreise in der Kategorie „Beste Fotoserie“ und einen Preis in der Kategorie „Beste Nachwuchsarbeit“ für FotografInnen unter 26 Jahren umfasst der 2017 ins Leben gerufene VONOVIA AWARD FÜR FOTOGRAFIE zum Thema ZUHAUSE. Der Award ist mit einem Preisgeld von 42.000 Euro dotiert und wird jährlich vergeben. Der Wettbewerb lädt KünstlerInnen und FotografInnen ein, das Thema ZUHAUSE mit verschiedenen fotografischen Herangehensweisen, künstlerisch-inszeniert, konzeptionell oder dokumentarisch, neu zu interpretieren.

Joakim Eskildsen, Silent Spring © Joakim Eskildsen
courtesy Vonovia Award für Fotografie 2020 Shortlist »Beste Fotoserie«

Der Award

In diesem Jahr befinden wir uns in einer ganz besonderen Situation und das spiegelt sich auch in den eingereichten Wettbewerbsbeiträgen wider. Viele Situationen und Reglementierungen, mit denen unsere Gesellschaft heute konfrontiert ist, waren bis vor wenigen Monaten unvorstellbar. In Zeiten von Corona-bedingten Beschränkungen wird der Blickwinkel eingeschränkt, gerät die Schilderung einer Stadtrandsiedlung zu einer Serie von Stillleben, wird die Landschaft zu einem Psychogramm der Stille. Zahlreiche eingereichte Arbeiten, die sich mit Fragen unserer Zeit und der aktuellen Pandemie-Situation auseinandersetzen, interpretieren auf faszinierende Weise das Thema ZUHAUSE völlig neu.

Die Preisverleihung des VONOVIA AWARD FÜR FOTOGRAFIE 2020 mit der Bekanntgabe der PreisträgerInnen wird am Donnerstag, den 8. Oktober 2020 stattfinden. Aufgrund der aktuellen Situation wird es eine virtuelle Veranstaltung, die live gestreamt wird. Die digitale Einladung wird alle notwendigen Informationen und Zugänge enthalten.

Exklusiv in diesem Jahr: eine gemeinsame Doppelausstellung in Hannover mit den frisch gekürten PreisträgerInnen 2020, und den PreisträgerInnen 2019 im Sprengel Museum und einer Ausstellung der ShortlistkandidatInnen 2020 in der Städtischen Galerie KUBUS in Hannover. Die voraussichtliche Eröffnung ist für den 4. Dezember 2020 geplant.

Im Jahr 2021 offerieren die Awards neue Kategorien für die Wettbewerbe Professional, Youth und Open sowie ein aktualisiertes Thema für den Studentenwettbewerb. Mit der Auswahl dieser neuen Kategorien möchten die Awards weiterhin ein breites Spektrum zeitgenössischer Fotografen ansprechen.

In der Profikategorie gibt es eine Sparte für Einzelbilder mit dem Titel Portfolio, in denen Fotografen aufgefordert werden, 5-10 Bilder einzureichen, die in Bezug auf Inhalt oder Erzählung nicht miteinander verwandt sind, bei denen jedoch die Qualität und die technischen Fähigkeiten des Fotografen durchgehend offensichtlich und konsistent sind.

Die Kategorie Architektur wurde auch um Design erweitert, sodass Fotografen die Möglichkeit haben, Außen- und Stadtlandschaften neben Innenräumen mit architektonischem Ansatz zu präsentieren.

Im Open-Wettbewerb wurden zwei neue Kategorien eingeführt: Lifestyle und Object. Lifestyle bietet redaktionelle, modische oder familiäre Bilder von Menschen in Situationen oder Ereignissen, die auf künstlerische Weise aufgenommen wurden, während Object Bilder präsentiert, die leblose Themen darstellen. Dies kann Fotografie für kommerzielle und Werbezwecke einschließen, muss jedoch den künstlerischen Ansatz des Fotografen zeigen.

Im Jugendwettbewerb wurden alle monatlichen Themen aktualisiert und umfassen Folgendes:

Komposition und Design (Juli): Kreative Bilder aus der ganzen Heimat, die gute Komposition und Design verkörpern. Kultur (August): Bilder, die unsere Wertschätzung der Welt und ihrer Menschen bereichert und erweitert haben. Sei es eintauchen in die lokale Kultur oder ein einzigartiges Reiseerlebnis außerhalb der Heimat.
Natürliche Welt & Tierwelt (September): Fotos der besten Wildtiere, Natur und Landschaft aus dem Jahr 2020.
Straßenleben (Oktober): Bilder von Stadtlandschaften aus auffälligen Graffiti, architektonischen Details oder Schnappschüssen, die einen Einblick in den Alltag bieten.
Menschen (November): Porträtaufnahmen, sei es Studio, offen oder sogar ein Selbstporträt. Zeigen Sie uns Ihre Welt (Dezember): Offener Anruf! Einträge können zu jedem Thema, Stil oder Thema sein.

Für den ersten Aufruf des Studentenwettbewerbs werden die Teilnehmer gebeten, Bilder unter dem Thema „Eine bessere Zukunft aufbauen“ einzureichen, die die Geschichten von Menschen zeigen, die daran arbeiten, eine bessere Zukunft für alle zu schaffen.

2021 PREISE UND FRISTEN

Die Sony World Photography Awards können ab dem 1. Juli 2020 eingereicht werden. Die vollständigen Beschreibungen der Wettbewerbe und Kategorien finden Sie unter www.worldphoto.org/swpa

Einsendeschluss für die vier Wettbewerbe der Awards sind:

Beruflich: 14. Januar 2021

Geöffnet: 7. Januar 2021

Jugend: Jedes monatliche Thema läuft vom ersten Tag des Monats bis zum letzten (1. Juli - 31. Dezember 2021). Student: 30. November 2020 (erster Brief)

Alle Kategoriesieger der Wettbewerbe Professional, Open, Youth und Student erhalten digitale Bildbearbeitungsgeräte von Sony. Darüber hinaus werden dem Fotografen des Jahres Geldpreise in Höhe von 25.000 USD (USD) und dem Open-Fotografen des Jahres 5.000 USD (USD) überreicht. Alle Arbeiten der Gewinner und der ausgewählten Fotografen werden auf der jährlichen Sony World Photography Awards-Ausstellung in London ausgestellt und sind international auf Tournee. Die Gewinnerbilder werden auch im jährlichen Award-Buch veröffentlicht.

Die Ausstellung präsentiert Parallelen innerhalb der Kunstwerke, die sich mit der gebauten Umwelt befassen und die drei Pachas aus der Inka-Kultur verbinden. Die Inka ist bis heute Teil des Mythos und die Religion der Anden. Die verschiedenen Ebenen (Pachas) spiegeln die Oberwelt, Unterwelt und die Mittelwelt, das menschliche Reich der Inka-Religion, wider. Mit den einzelnen Werken der Künstler wurde ein Diptychon zusammengesetzt wodurch sich ein Dialog entwickelt. Kellner nimmt dabei eine wichtige Rolle ein, indem er mit den Bildern aus seiner Serie Brasilia das menschliche Reich der Inka visualisiert. Das Kay Pacha-Reich orientiert sich an der humanen Ordnung, mit dem Streben nach Freiheit, Fortschritt, Emotionen, Neid, Gier, Angst und Chaos. Die Arbeiten von Kellner weichen von der formal stehenden Architektur ab und schaffen eine Gestalt, die das ursprüngliche Gebäude unterbringt und bildhafte Kommentare enthält. Die großen Kontaktblätter erinnern uns an Gebäudereihen in einem Stadtblock einer imaginären Stadt. Der Betrachter verliert sich in diesem erfundenen, jedoch geordneten Bereich. Dieser Prozess ähnelt der Gehirnaktivität, wenn Informationen zerteilt und verarbeitet werden, was wiederrum den Emotionen gleicht, die entstehen, wenn bekannte Monumente überhaupt zum ersten Mal wahrgenommen werden. Zugleich werden Werke von der in Bolivien gebürtigen Künstlerin Alejandra Delgado Uría zugezogen, die sich mit der körperlosen Architektur befasst. Wie der Name ihrer Serie schon sagt, geht es in Fantasmagorias um mehrere Negativbilder, die aufeinandergelegt wurden und den gesamten figurativen Diskurs des eigentlichen Gebäudes verwischen. In ihren Bildern sind Cholets zu sehen, die so zerteilt wurden, dass sie das vielschichtige Leben, das zwischen Material und dem Geist schwebt, widerspiegeln. Cholets sind derartige Bauten in Bolivien, die sich in Farbigkeit und in einem geometrischen Design auszeichnen. Sie stehen als Symbol für das Reich des Leibes, der Lust, des übermäßigem Alkoholkonsums und der Völlerei.
Im Kontrast liegt die Unterwelt, das sogenannte Uku Pacha-Reich, welches sich in Bezug auf Architektur mit dem europäischen Keller vergleichen lässt. Der Ort, der als Lagerraum dient oder als Entsorgung von Abfällen und bestattende Körper. Heutzutage sind Keller jedoch Räume für wesentliche Aktivitäten wie Wäscherei, Zimmerei und Reparaturen. Tätigkeiten, die als Basis für den Aufbau stehen und der Beginn eines transformativen Gesprächs sind. Dieses Reich wird durch der zurzeit in den Vereinigten Staaten lebenden Künstlerin Gesche Würfel hervorgerufen. Basement Sanctuaries sind Bilder, die eine Leere repräsentieren. Würfel zeigt diverse Räume, in denen Migranten ihr Leben, das sie zuvor zurückgelassen haben, an einem neuen Ort wiederaufbauen. In Amerika sind die Keller Wohnräume, in denen Hauswärter, die überwiegend eingewandert sind, sich niederlassen und für das Wohl des Eigentümers sorgen.
Der vierte vertretende Künstler ist der in Chicago lebende Brad Temkin, der sich mit der Fotografie auf Dächern beschäftigt und somit die dritte Ebene, das Hanan Pacha-Reich einnimmt. Die Oberwelt, die das Reich der Inka-Götter und der Definition der Heiligkeit im Himmel gleicht. Temkins Serie Rooftop zeigt Gärten auf Dächern von Hochhäusern, die ohne sichtbaren Horizont gekennzeichnet sind. Seine Fotografien repräsentieren zweideutige Gärten, die Götter näher sind und die obersten Schichten der Gesellschaft darstellen könnten. Der höchste Punkt ist der Ort, an dem nur die Auserwählten den Zugang gestattet bekommen. Die Inkas sehen die Berge und ihre Gipfel als heilig und benutzten sie als Gebiete für rituelle Opfer für die Götter – denn die profane Beschaffenheit ist der Akt der Anbetung, der beide Welten verbindet.
Die Idee der Kuratoren ist, die einzelnen Bilder der Künstler zu kombinieren und als ein neues Bild zusammenzusetzen, wodurch ein Diptychon entsteht. Die Verbindung zu der Inka-Kultur wird erzeugt und die drei Pacha-Reiche werden miteinander verknüpft. Durch „Building Dialogs“ wird ein neues Original entworfen, das wenige Augenblicke zuvor noch das Unbekannte war. Diese Synthese setzt ein Symbol für eine Mischung in Sympathie.
Das Ziel dieser Ausstellung ist, Dialoge innerhalb der Bilder, Künstler, Kuratoren und vor allem der Präsentationen zu schaffen. Die Online-Vorstellung, die im Internet betrieben wird, greift verschiedene Standpunkte der jeweiligen Künstler auf. Die digitale Kunstausstellung wird auf ausgewählten Plattformen präsentiert. Kellners Auffassung der Dialoge können vorläufig auf seiner Webseite besichtigt werden.

Foto Alejandro Prieto

Der Fritz Pölking Preis ist ein Sonderpreis des Wettbewerbs Europäischer Naturfotograf des Jahres und wird seit dreizehn Jahren zu Ehren des 2007 verstorbenen Fritz Pölking von der Gesellschaft für Naturfotografie (GDT) gemeinsam mit dem Tecklenborg-Verlag ausgeschrieben. Er wird jährlich für ein herausragendes fotografisches Werk vergeben. Dies kann sowohl ein naturfotografisches Projekt als auch ein Portfolio sein.

Betrachtet man die Einreichungen in diesem Jahr, zählen sicherlich diejenigen zu den stärksten, die dem Genre der (Natur-)Reportage zuzuordnen sind. Und das verwundert wenig in einer Zeit, in der auch die öffentliche Debatte zunehmend von Themen wie Klimawandel, Zerstörung natürlicher Lebensräume oder Artenschutz geprägt ist. Geschichten über die Natur gewinnen eine gesamtgesellschaftliche Bedeutung und sind keinesfalls einer kleinen Nischengruppe von Biolog*innen oder Naturfotograf*innen vorbehalten.

Foto Alejandro Prieto

Patrick Brakowsky, Jurymitglied: „Alejandro Prieto gelingt mit seinen Bildern das Kunststück, einerseits eine Geschichte über die Situation rund um die Grenze zu erzählen und andererseits viel von dem Wesen der einzelnen Tierarten und ihren Verhaltensweisen zu berichten. Seine Bilder lassen uns reflektieren über unser Verhältnis zur Natur und über unseren Platz in der Welt.“

Foto Alejandro Prieto

Die fast zweitausend Meilen lange Grenze zwischen den USA und Mexiko durchquert einige der biologisch vielfältigsten Regionen des Kontinents. Diese empfindlichen Ökosysteme beherbergen unzählige Arten von Säugetieren, Reptilien, Vögeln und Pflanzen. Viele Arten pendeln zwischen den Biomen im Süden und Norden des Kontinents. Sie werden besonders betroffen sein, wenn die US-Regierung ihr Vorhaben umsetzt, eine Mauer an der Grenze zu Mexiko zu errichten.
„Mein Ziel in diesem Leben ist es, die Natur und die wildlebenden Tiere durch meine Fotografie zu schützen", erklärt Alejandro Prieto, "Ich versuche zu zeigen, was dort draußen passiert, damit ich hoffentlich einen positiven Einfluss auf die Menschen ausüben kann."

Foto Florian Smit

Für Fritz Pölking Jugendpreisträger Florian Smit ist der Unglückshäher eine der faszinierendsten Vogelarten, die er bisher fotografieren konnte. Denn ganz im Gegenteil zu ihrem schlechten Ruf, bescherten diese kleinen Vertreter der Rabenvögel ihm einige glückliche und unvergessliche Momente in Lappland. Seine Bilder führen den Betrachter tief hinein in einen Mikrokosmos von Wildnis, in den eng umgrenzten Lebensraum eines einzelnen Tieres.

„Der Fotograf betont mit seiner vielseitigen und kraftvollen Bildsprache die Schönheit dieses faszinierenden Vogels und vermittelt zugleich die fast schon intime Nähe, die zwischen dem Fotografen und seinem Motiv in diesem abgelegenen Teil im Norden Europas geherrscht haben muss. Florians Serie über den Boten des Unglücks ist eine vergleichsweise kleine Geschichte über ein Geschehen in der Natur, doch ihre Wirkung kann ähnlich intensiv sein wie eine Erzählung über die Grenze zwischen Mexiko und den USA. Sie zeigt uns die verborgene Seite einer Natur, die immer zerbrechlicher wird und die umso mehr von jedem von uns geschützt werden muss“, resümiert Patrick Brakowsky im Namen der Jury.

Florian Smit: „Schon von Natur aus zeigt der Unglückshäher gegenüber Menschen nur wenig Scheu. Er wird stets durch seine Neugier angetrieben. Innerhalb von nur wenigen Tagen hatten sich die Tiere so sehr an mich gewöhnt, dass ich teilweise schon in den frühen Morgenstunden zwitschernd von ihnen erwartet wurde.“

In der Diskussionsrunde bei Epson ging es um Fragen wie unter anderem  
Home Office, Digitalisierung und Mobilität diskutiert.
Foto: Epson / Oskar Neubauer

Am Freitag, 4. September 2020, diskutierten Schüler aus NRW mit Robert Habeck, Bundesvorsitzender von BÜNDNIS 90/DIE GRÜNEN, und Henning Ohlsson, Geschäftsführer Epson Deutschland, über aktuelle Fragen rund um Klima, nachhaltiges Wirtschaften und verantwortungsvolles Handeln in Krisenzeiten. Die Veranstaltung wurde via Livestream übertragen und ist über den https://www.youtube.com/watch?v=bkjjPwtETzE auch im Nachgang einzusehen.

Diskussionsrunde bei Epson mit Robert Habeck, Bundesvorsitzender Bündnis 90/Die Grünen und Henning Ohlsson, Geschäftsführer Epson Deutschland GmbH und Direktor für Nachhaltigkeit Epson Europa.
Foto: Epson / Oskar Neubauer

Foto Anna Ehrenstein

Internationale Künstler, Fotografen, Kuratoren und Wissenschaftler diskutieren on dem Fotografie-Symposium Fragen der Transkulturalität und digitalen Vernetzung in der künstlerischen Fotografie. Vortragende sind Cana Bilir-Meier, Hannah Darabi, Anna Ehrenstein, Anna-Catharina Gebbers, Gabriele Genge, Boaz Levin, Kerstin Meincke, María Inés Plaza Lazo und Steffen Siegel.

In der künstlerischen Produktion und Ausstellungsarbeit gewinnen nicht-westliche Perspektiven zunehmend an Aufmerksamkeit. Zur Dekonstruktion starrer Narrative ist die Fotografie ein besonders spannendes Medium: Die leichte und schnelle Verbreitung über die digitalen Kanäle und die materielle Flexibilität des Mediums eröffnen zudem vielschichtige Formen der Kommunikation und Weiterverarbeitung.

Der Vormittag widmet sich künstlerischen Strategien. Die Aneignung von Archivmaterial und die Kollaboration mit diversen Akteuren werden als Möglichkeiten aufgezeigt, klassische Formen von Autorschaft aufzubrechen. Damit verbunden wird es Thema sein, wie sich der Austausch in künstlerischen Formaten niederschlägt. Ausstellungen, Festivals und Magazine mit einem Fokus auf einer diskursiven kulturellen Vernetzung stehen am Nachmittag im Mittelpunkt. Neben der inhaltlichen Ausrichtung dieser Plattformen ist zu diskutieren, welche Übersetzung zu leisten ist und wo ein produktiver Widerstand entstehen kann.

Vorträge und Diskussionsrunden finden in deutscher und englischer Sprache statt.

Die Teilnahme ist kostenfrei, Anmeldungen sind ab sofort bis zum 25. Oktober möglich (mit Anmeldeformular, per E-Mail an: wuestenrot-symposium@posteo.de).

Das Museum Berlin-Karlshorst ist der historische Ort des Kriegsendes in Europa. Im heutigen Museumsgebäude unterzeichnete die Wehrmachtsführung im bis heute erhaltenen Kapitulationssaal vor Vertretern der Alliierten Sowjetunion, USA, Großbritannien und Frankreich am 8. Mai 1945 die bedingungslose Kapitulation. Die Kapitulation in Berlin-Karlshorst war der zeremonielle Akt, der den gemeinsamen Sieg der Anti-Hitler-Koalition besiegelte. Erst damit erfolgte das Eingeständnis der vollständigen Niederlage durch die Wehrmachtsführung.

Der Fokus der Sonderausstellung „Von Casablanca nach Karlshorst“ liegt auf den letzten Jahren des Zweiten Weltkriegs und spannt einen Bogen von der Konferenz in Casablanca 1943, auf der die Alliierten erstmalig das gemeinsame Kriegsziel der bedingungslosen Kapitulation Deutschlands festlegten, bis zur tatsächlichen Unterzeichnung der bedingungslosen Kapitulation der Wehrmacht am 8. Mai 1945 in Berlin-Karlshorst.

Die Ausstellung verfolgt zwei Erzählstränge: Der erste dokumentiert die alliierten Bestrebungen der Anti-Hitler-Koalition, das nationalsozialistische Deutschland zu besiegen. Der zweite Erzählstrang befasst sich mit den nationalsozialistischen Verbrechen, die in der letzten Kriegsphase begangen wurden.

Kapitulationssaal

Diese sogenannten Endphasenverbrechen forderten insgesamt mehrere hunderttausend Opfer. Die Sonderausstellung „Von Casablanca nach Karlshorst“ wurde finanziert durch die Beauftrage der Bundesregierung für Kultur und Medien.

Im Deutsch-Russischen Museum Berlin-Karlshorst erinnern heute ehemalige Kriegsgegner gemeinsam an die Geschichte. Als einziges Museum in Deutschland thematisiert es mit einer Dauerausstellung den deutschen Vernichtungskrieg gegen die Sowjetunion. An der Arbeit des Museums sind vier Nationen beteiligt, die Bundesrepublik Deutschland, die Russische Föderation, die Ukraine und die Republik Belarus.

Mehr Infos: www.kulturprojekte.berlin/projekt/75-jahre-kriegsende

Das Siegermotiv "Castelluccio in the clouds" von Stefano Lucchetti zeigt den italienischen Ort Castellucio in den Abruzzen, das 2016 bei einem Erdbeben komplett zerstört wurde. (c) Stefano Lucchetti 

Mit vier Monaten Verspätung verkündet das Kompetenzzentrum Wandern WALK, Detmold, die Sieger des diesjährigen E1/R1 Amateur Photo Awards.

 Mit seinem Foto „Rentierherde“ gewann der Deutsche Manuel Philips 

Das Motiv von Stefano Lucchetti wurde zuvor als Sieger der Kategorie „Kultur und Landschaft“ unter zehn nominierten Arbeiten ausgewählt und konnte sich in der Endrunde gegen die drei weiteren Kategoriesieger durchsetzen: Der Belgier Dhanvanth Raman gewann in der Kategorie „Mensch und Natur“ mit seiner Arbeit „Alone in Alps“, mit seinem Foto „Rentierherde“ gewann der Deutsche Manuel Philips in der Kategorie „Tier und Natur“, und Otello Gironacci aus Italien siegte in der Kategorie „Himmel und Erde“ mit der s/w Arbeit „(On stage of) Pilato's Lake“.

Otello Gironacci aus Italien siegte in der Kategorie „Himmel und Erde“ 

Belgier Dhanvanth Raman gewann mit seiner Arbeit „Alone in Alps

Jeder Kategoriesieger erhält einen Gewinn im Wert von 500 € und der Gesamtsieger noch einen Gewinn im Wert von 3.000 € zusätzlich. Mit der Veröffentlichung der Sieger beginnt gleichzeitig der nächste Fotowettbewerb „E1/R1 Amateur Photo Award 2020/21“.

E1/R1 Amateur Photo Award in Corona-Zeiten

Hans-Joachim Graef, Lizenzgeber und Organisator des Wettbewerbs, bedauerte die Verzögerung des Wettbewerbs unter Corona: „Bis Ende März konnten Teilnehmer ihre Arbeiten einreichen, und da hatte uns schon Corona im Griff.

Aus zahlreichen Gründen konnten wir die Organisation des Wettbewerbs inklusive Jurysitzungen und Ausstellungsarbeiten nicht ansatzweise hinbekommen wie wir es uns vorstellten. Die meisten Gründe waren der Pandemie geschuldet. Nun bin ich froh, dass die Sieger feststehen. Allerdings müssen wir uns vorerst von einer zentralen Errungenschaft des Awards, einer Ausstellung der Sieger und Nominierten, verabschieden.

Dabei spielt ebenfalls die Pandemie die entscheidende Rolle.“ Günter Weigel, Geschäftsführer des WALK, weist darauf hin, dass nach dem Lockdown zahlreiche Fotografen aus allen 16 Ländern bedauerten, nicht mehr einreichen zu können, weil sie in den Ländern festsaßen. Landrat Dr. Axel Lehmann gewinnt dem Ganzen die positive Seite ab: „Wir haben mit dem Fotowettbewerb immer noch ein Juwel in der Hand, dadurch dass Fotografen Sehenswertes rund um den E1 und R1 visualisieren und dokumentieren. Was zuvor schon ein starker Trend war, ist durch Corona nochmals beschleunigt worden. Das Wandern und Radwandern wird von Millionen Menschen erst jetzt entdeckt. Mitten in diesem Boom, aber auch in den leidvollen Situationen, die viele erleben oder erlebt haben, geben wir ein wenig Freude und Lebensmut. Die Fotografen haben die Naturschönheit Europas festgehalten und diese zeigen wir auch gerne unseren Gästen.“ Und deshalb ruft er auch zum nächsten Wettbewerb auf, der ab sofort startet. Die Einreichungsfrist beginnt ab dem 1. September 2020 und endet am 31. Januar 2021. Mehr dazu unter www.e1r1-photoaward.eu.

Neben den Canon Produkten nehmen zwei Gewinner des ersten Preises jeweils an einem Meisterkurs mit einem Canon Profi-Fotografen teil. Der Meisterkurs wird persönlich oder virtuell durchgeführt und vermittelt einerseits die Fertigkeiten für eine perfekte Bildkomposition, andererseits werden die technischen Möglichkeiten ihrer neuen Kamera demonstriert. Dreißig Zweit- und Drittplatzierte gewinnen ebenfalls Canon Produkte.

Die im Wettbewerb eingereichten Beiträge werden von unabhängigen Fachleuten beurteilt, darunter Michael Gray, ein populärer Influencer und Filmemacher sowie die Canon Ambassadoren Wanda Martin und Ulla Lohmann. Sie beurteilen die Teilnehmer nach Stil, Kreativität, Wirkung, Originalität und Erzählweise. Darüber hinaus wird ihr allgemeines Verständnis bezüglich der Wettbewerbsthemen geprüft:

Das Spiegel-Selfie – Das Selbstporträt vor dem Spiegel ist einer der ältesten und beliebtesten Selbstporträtstile in der Fotografie, der natürlich ebenfalls über Social Media verbreitet wird. Hier reichen die Möglichkeiten der Selbstdarstellung von den neuesten Outfit-Trends bis hin zu einer spontanen Erinnerung mit Freunden. Die Teilnehmer werden dazu ermutigt, sich von der Masse abzuheben.

Erzwungene Perspektive – Eine verzerrte Realität mit optischen Täuschungen zeigt eine neue Welt. Wir alle kennen die Bilder mit einer scheinbar auf der Hand liegenden Sonne oder in der Handfläche posierenden Personen – nicht zuletzt die Bilder aus Pisa mit den stützenden Händen am Schiefen Turm. Die Teilnehmer können mit cleveren Tricks zeigen, wie sie durch das Objektiv ihrer Kamera eine neue Realität schaffen.

In diesen beiden Wettbewerbskategorien suchen die Juroren Bilder und Videos, die sich von den typischen Social-Media-Klischees lösen und eine unverwechselbare Perspektive vermitteln. Für alle, die auf der Suche nach Inspiration sind, hat Canon eine #FreeYourStory Website mit vielen interessanten Inhalten eingerichtet. Dort finden sich Tipps und Tricks, nützliche Artikel und empfohlene Produkte für angehende Fotografen und Fotografinnen – egal ob Amateur oder besonders anspruchsvoller Enthusiast.

Zur Teilnahme am Canon #FreeYourStory und zu den Wettbewerbsbedingungen und Konditionen: https://www.canon.de/campaigns/free-your-story/

Teilnahmeschluss ist am 21. September 2020.

Museum Folkwang Foto  Jens Nober

Zusammen mit der Fotografischen Sammlung des Museum Folkwang vergibt die Alfried Krupp von Bohlen und Halbach-Stiftung wieder zwei Stipendien für das Programm „Zeitgenössische deutsche Fotografie“. Die Stipendien sind mit je 10.000 Euro dotiert und werden für die Dauer eines Jahres vergeben. Das seit 1982 bestehende Stipendium gehört zu den renommiertesten Auszeichnungen für zeitgenössische Fotografie in Deutschland. Die Krupp-Stiftung fördert mit dem offen gehaltenen Programm eine zeitgemäße bildnerische Auseinandersetzung mit fotografischen Sicht- und Darstellungs-weisen. Die Betreuung erfolgt durch die Fotografische Sammlung des Museum Folkwang.

Ab 1. September 2020 können Bewerbungen ausschließlich über das Online-Bewerbungsportal der Krupp-Stiftung unter https://antrag.krupp-stiftung.de eingereicht werden. Einsendeschluss für die Bewerbungsunterlagen ist der 1. November 2020.

Das Förderprogramm richtet sich an Fotografinnen und Fotografen, die ein unabhängiges fotografisches Vorhaben über einen längeren Zeitraum erarbeiten. Es ist möglich, ein bereits laufendes Projekt einzureichen. Die Ausschreibung ist weder thematisch gebunden noch einem bestimmten Bereich der fotografischen Praxis zugeordnet. Die Bewerber*innen müssen die deutsche Staatsbürgerschaft besitzen oder seit mindestens drei Jahren in Deutschland wohnen; Alters- oder Ausbildungseinschränkungen bestehen nicht. Das Projekt muss innerhalb eines Jahres abgeschlossen sein.

Die Entscheidung über die Vergabe des Stipendiums trifft ein Gremium, dem ein Vertreter der Alfried Krupp von Bohlen und Halbach-Stiftung, ein Vertreter des Museum Folkwang und drei von den beiden Institutionen ausgewählte, unabhängige Fachleute mit internationalem Renommee angehören. Die Entscheidung des Gremiums wird Ende November 2020 bekanntgegeben.