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In seinem live gesprochenen Vortrag zeigt Michael Martin seine besten Fotos und erzählt die Geschichten dahinter. Dabei spannt er den Bogen von den Anfängen in den 70er Jahren über die Ära der Diafotografie bis zur heutigen, weltweiten Arbeit mit modernsten Digitalkameras und Fotodrohnen.  Live aus der Alten Kongresshalle München. 

Zu den Tickets:

https://www.michael-martin.de/de/termine_tickets/index.html#livestream

Eine photohistorische Rarität markiert den Auftakt der Auktion: Das unbetitelte Portrait einer Dame, entstanden zwischen 1845 und 1849, ist die erste Daguerreotypie von Bertha Wehnert-Beckmann, der frühestenBerufsfotografin Europas, die in einer internationalen Auktion zum Aufruf kommt. In Leipzig übernahm die junge Daguerreotypistin nach dem frühen Tod ihres Ehemannes Eduard Wehnert das gemeinsame Atelier und brachte es als Unternehmerin mit ihren kunstvollen Portraits zu internationalem Ruf. Nicht nur Persönlichkeiten aus Hochadel, Militär und dem namhaften Bürgertum zählten zu ihren Kunden, auch der junge Johannes Brahms und der 13. Präsident der USA Millard Fillmore wurden von ihr portraitiert (Lot 500 / € 3/4.000).

Wie schon in der Frühjahrsauktion kommt de Bauhaus-Photographie auch in dieser Saison besondere Aufmerksamkeit zu. Vier der Vintage-Abzüge aus dem Nachlass von Xanti Schawinsky zeigen Mitglieder der Bauhaus-Kapelle, zu der auch Schawinsky gehörte, beim geselligen Miteinander und Musizieren auf dem Dach des Bauhausgebäudes (Lots 508-512 / € 2/5.000). In seiner Dynamik und Lebendigkeit sticht das Portrait T.Lux Feiningers  mit Banjo und Zylinder hervor, das typische Elemente des „Neuen Sehens“ aufweist: Der Anschnitt des Motivs, die starke Untersicht, die Verschattung des Gesichts, bedingt durch den tief ins Gesicht gezogenen Hut, und die Bewegungsunschärfe der musizierenden Hand. (Lot 511 / € 4/5.000).

Aus verschiedenen Schaffensphasen stammen die zum Aufruf kommenden Vintage-Abzüge von Albert Renger-Patzsch: Von der frühen, feintonigen Innenraumaufnahme einer norddeutschen Backsteinkirche auf samtigem Kodak-Royal-Papier (Lot 515 / € 3/4.000) über eine seltene, expressive Portraitstudie der Ausdruckstänzerin Mary Wigman (Lot 517 / €2/3.000) bis hin zu zwei neusachlichen Aufnahmen moderner Industrieanlagen aus dem Ruhrgebiet, letztere aus dem Nachlass des Architekten Fritz Schupp (Lots 520/521 / € 1.800/2.200 - €2.500/3.000), reicht das Spektrum.

Henri Cartier-Bresson
Schätzpreis
7.000 € - 9.000 €

Die französische Photographie der Zwischenkriegsjahre ist mit mehreren Werken zweier ihrer berühmtesten Vertreter – André Kertész und Henri Cartier-Bresson – in dieser Saison besonders prominent vertreten: Aus Kertész‘ Pariser Zeit stammen ‚Satiric Dancer‘ und ‚Chez Mondrian‘, beide 1926 entstanden, zwei Inkunabeln der Photographiegeschichte (Lot 526/527 / € 4/5.000 bzw. 5/7.000). Auf kongeniale Weise überträgt der Photograph in letzterem die charakteristischen Merkmale der Kunst des niederländischen Konstruktivisten Piet Mondrian auf sein eigenes, photographisches Bildmedium: Ein Raster aus horizontalen und vertikalen Bildachsen gliedert die Bildfläche, so dass eine komplexe Komposition geometrischer Flächen entsteht.

Drei der insgesamt fünf Werke von Henri Cartier-Bresson weisen einen explizit erotischen Kontext auf. 1933 führten die Wege den jungen Photojournalisten in ein Bordell in ‚Alicante, Spanien“ (Lots 532/533, € 4/5.000 bzw. 5/6.000), ein Jahr später nahm er in ‚Mexiko‘ zwei Lesbierinnen beim Liebesspiel auf: Die ‚Liebesspinne‘ (L’araingée d’amour‘) zeigt ein Gewirr an verschlungenen Armen und Beinen, die einem einzigen Körper entwachsen zu sein scheinen (Lot 531 / € 7/9.000).

Die 1962 entstandene Aufnahme ‚Mur de Berlin‘ mit spielenden Kinder an der Mauer schlägt die Brücke ins Deutschland der Nachkriegszeit (Lot 565 / € 5/7.000) und damit in die Adenauer-Ära. Chargesheimers großformatiges Portrait des damaligen Bundeskanzlers aus allernächster Näheentstand 1955 im Zusammenhang mit einer Portraitserie für das Nachrichtenmagazin „Der Spiegel“. Seine Veröffentlichung auf dem Titelblatt der Zeitschrift schlug hohe Wellen im öffentlichen Leben, unterstellte man doch dem Photographen, mit seiner nahezu diabolisch anmutenden Inszenierung den Kanzler und seine Politik desavouieren zu wollen. Die Solarisation, die die veröffentlichte Version nicht aufweist, macht die hier vorliegende unikate Variante zu einer besonderen photo- und zeithistorischen Rarität (Lot 558 / € 3.500 – 4.000).

Floris M. Neusüss
Schätzpreis
6.000 € - 8.000 €

Floris M. Neusüss unbetiteltes ‚Nudogramm‘ aus dem Jahr 1967 ist die photographische Antwort auf die Malerei des Informel. Das Photogramm auf (Umkehr-) Gelatinesilberpapier zeigt in Lebensgröße den Schattenriss einer jungen Frau mit wallenden Haaren in anmutiger Schlafpose. Die großformatige Papierarbeit weist dabei eine überraschende poetische und malerische Wirkung auf (Lot 551/€ 6/8.000). 

Seydou Keïta
Schätzpreis
4.000 € - 5.000 €

Passend zum aktuellen Trend auf dem internationalen Kunst- und Photographiemarkt unter dem Einfluss der ‚Black Life Matters‘-Bewegung bietet die Auktion vier Arbeiten des aus Mali stammenden ‚Stars‘ unter den afrikanischen Photographe Seydou Keïta an. Die Portraits des 2001 verstorbenen Photographen zeichnen sich durch liebevolle Details bei den (Selbst-)Inszenierungen der Dargestellten in improvisierten Ateliersituationen aus (Lots 580–583 / jeweils € 4/5.000).

Evening Sale und Day Sale

Den Schwerpunkt der Photographie-Offerte der beiden Zeitgenossen-Auktionen am selben sowie an dem darauffolgenden Tag bilden zahlreiche Werke der ‚Düsseldorfer Schule‘: Highlight des Evening Sales ist das großformatige Werk ‚Stanze di Raffaello 2, Rom‘ von Thomas Struth aus der Serie der Museum Photographs, in dem der Künstler die historischen Gemälde der Raffael-Stanzen im Vatikanischen Museum und deren in die Betrachtung versunkenen Besucher subtil zueinander in Beziehung setzt (Lot 30 / € 60/80.000). Der Day Sale am Samstag bietet neben einer Gruppe von Industrieaufnahmen vonBernd und Hilla Becher (Lots 358–363, € 4/10.000) auch einige Schwarzweißaufnahmen und farbige Polaroids von Andy Warhol aus dem Factory-Kontext an (Lots 412–415 / € 4/15.000).

Milli Bau auf der chinesischen Mauer bei Peking. China, 1957
Sammlung Weltkulturen Museum

Dank des Digitalisierungsbudgets für die städtischen Kultureinrichtungen sieht sich das Weltkulturen Museum in der erfreulichen Lage 5000 fotografische Objekte - das umfasst alle Dias der Sammlung Milli Bau - reinigen und digitalisieren zu können. Die Überführung vom Analogen zum Digitalen erlaubt eine intensivere Nutzung, Bearbeitung, Wiedergabe und Verteilung. Die Überführung vom Analogen zum Digitalen erlaubt eine intensivere Nutzung, Bearbeitung, Wiedergabe und Verteilung.

Kind führt mit Heu beladenee Kamel, Afghanistan, 1956.
Foto Milli Bau. Sammlung Weltkulturen Museum, Frankfurt am Main

Milli Bau fährt durch die iranische Gebirgslandschaft. Iran, 1956,
Sammlung Weltkulturen Museum

Innerhalb der Sammlung Visuelle Anthropologie des Weltkulturen Museums sticht der fotografische Nachlass einer besonderen Frau heraus: Milli Bau, 1906 in Darmstadt geboren, lebt ab 1932 mit ihrem Mann, dem Siemensdirektor Waldemar Bau in Hamburg. Nach dem Krieg wird Bau Feuilleton-Chefredakteurin bei der Hamburger Zeitung Welt. Ihre erste große Reise führt die Journalistin und Fotografin nach Südamerika. Eine Expedition in das Quellgebiet des Amazonas, die sie schriftlich dokumentiert und später publiziert. 1956 bricht sie alleine mit einem VW-Bus auf, um dreieinhalb Jahre lang die Länder der Seidenstraße zu erkunden. Sie reist vom Mittelmeerraum über die arabische Halbinsel bis nach China. Ständiger Begleiter ist ihre Rolleiflex-Kamera, die ihre Erlebnisse und Eindrücke in Form von Schnappschüssen, dokumentarischen Aufnahmen bis hin zu ästhetischen Reisefotografien festhält. Es bleibt nicht bei dieser einen Reise. Insgesamt kann Milli Bau über 40 Reisejahre berichten. Aber immer wieder ist es Asien, das sie reizt.

Esel transportiert Esel. Syrien, 1956.
Foto Milli Bau. Sammlung Weltkulturen Museum, Frankfurt am Main

Pilger. Nepal, 1957.
Foto Milli Bau. Sammlung Weltkulturen Museum, Frankfurt am Main

Später lebt Bau sieben Jahre lang als Korrespondentin in Teheran. Nach einem Unfall kehrt sie in ihre Heimatstadt Darmstadt zurück. Dort eröffnet sie ein Asien-Archiv und fördert den Kulturaustausch mit der Region Jakutien in Russland. 1996 erhält sie die Goldene Verdienstplakette der Stadt Darmstadt für völkerverständigendes Engagement in aller Welt. Sie stirbt 2005 im Alter von 99 Jahren.

Boudhanath Stupa. Kathmandu, Nepal, 1957.
Foto Milli Bau. Sammlung Weltkulturen Museum, Frankfurt am Main

Im selben Jahr übergibt die Stadt Darmstadt den fotografischen Nachlass Milli Baus in einer Eigentumsübertragung an das Weltkulturen Museum in Frankfurt am Main.
Seitdem wurden zahlreiche Fotografien, Negative und Dias bearbeitet und inventarisiert, jedoch nur ein kleiner Teil der Sammlung digitalisiert. Besonders die gerahmten Mittelformat-Dias stehen auf Grund ihrer starken Verschmutzung und ihrer speziellen Größe nur bedingt digital zur Verfügung. Doch gerade die Überführung vom Analogen zum Digitalen erlaubt eine intensivere Nutzung, Bearbeitung, Wiedergabe und Verteilung.

„Einmal mehr zeigt sich, welch wichtige Unterstützung wir unseren Häusern mit Hilfe des Digitalisierungsbudgets zukommen lassen. Der fotografische Nachlass von Milli Bau ist ein echtes Juwel, ein einzigartiges Stück Zeitgeschichte, das bewahrt und der Öffentlichkeit zugänglich gemacht werden muss,“ erklärt die Dezernentin für Kultur und Wissenschaft Dr. Ina Hartwig, die sich weiter für das Budget in Höhe von jährlich 300.000 Euro einsetzen will. „Wie das Weltkulturen Museum arbeiten auch unsere übrigen städtischen Kultureinrichtungen daran, ihre Sammlungen schrittweise zu digitalisieren. Diesen aufwändigen Prozess möchte ich weiter unterstützen, um unsere Sammlungsbestände zu öffnen und zeitgemäße Formen der kulturellen Teilhabe zu fördern.“

Wie bereits im Februar dieses Jahres von Kulturdezernentin Hartwig präsentiert, hat sich das Kulturdezernat im Rahmen seiner Digitalisierungsstrategie zum Ziel gesetzt, die strukturellen Rahmenbedingungen in den städtischen Häusern nachhaltig zu verbessern und sie unter anderem auch durch wirtschaftlichen Mitteleinsatz zu fördern. Die Digitalisierungsstrategie kann unter https://t1p.de/kulturffm-digitalstrategie eingesehen werden.

Die Direktorin des Weltkulturen Museums, Dr. Eva Raabe, erklärt dazu: „Das Museum besitzt umfangreiche wertvolle Bildbestände aus der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, die einen tiefen Einblick sowohl in die Ethnologie als auch das aktuelle Zeitgeschehen zwischen 1950 und 2000 gewähren. Wie das Beispiel der Milli-Bau-Sammlung zeigt, sind gerade die in dieser Zeit üblichen analogen Bildträger nur schwer zu erhalten und zugänglich zu machen. Ohne Förderung aus dem Digitalisierungsbudget wäre uns die dafür notwendige kontinuierliche Digitalisierung unserer Archivbestände nicht möglich.“

Milli Baus Nachlass bildet ein umfangreiches Bildwerk über die Regionen entlang der Seidenstraße. Fast 20 Jahre Kultur- und Zeitgeschichte können abgelesen werden, die politische, kulturelle und gesellschaftliche Veränderungen aufzeigen. Ein interessantes Werk, einer reisenden Schriftstellerin, die allen gesellschaftlich vorherrschenden Weiblichkeitsentwürfen dieser Zeit zum Trotz in die große Welt aufbrach.

Die nun durch die Förderung des Kulturdezernats möglich gemachte Digitalisierung ihres Werkes erhält die Sammlung und das Andenken an Milli Bau als eine außergewöhnliche Frauenpersönlichkeit weit über Frankfurt hinaus.

Phosphor Tailings Pond #4, Near Lakeland, Florida, USA, 2012
photo © Edward Burtynsky,
courtesy Galerie Springer, Berlin / Nicholas Metivier Gallery, Toronto

Die World Photography Organisation gibt heute bekannt, dass der renommierte kanadische Fotograf Edward Burtynsky im Rahmen der Sony World Photography Awards 2022 den Preis für Herausragende Leistungen für die Fotografie erhält. Burtynsky gilt als einer der erfolgreichsten zeitgenössischen Fotografen weltweit und ist vor allem für seine großformatigen Bilder von Industrielandschaften und der Umweltkrise im Allgemeinen bekannt. 

Salt Pans #18, Little Rann of Kutch, Gujarat, India, 2016 photo
© Edward Burtynsky,
courtesy Galerie Springer, Berlin / Nicholas Metivier Gallery, Toronto

Mehr als ein Dutzend dieser großformatigen Fotografien werden bei der Ausstellung zu den Sony World Photography Awards 2022 im Somerset House in London zu sehen sein. Die Auswahl wurde vom Künstler selbst getroffen und hebt wichtige Werkgruppen und Themen aus seiner 40-jährigen Karriere hervor. Unter anderem sind epische Szenen aus Anthropozän (2018) zu sehen. Benannt nach dem vorgeschlagenen Namen für unsere gegenwärtige geologische Epoche, beschäftigt sich diese Serie mit den menschlichen Aktivitäten und dem tiefgreifenden Einfluss, den sie auf die Erde und ihre Systeme haben.

Saw Mills #1, Lagos, Nigeria, 2016
© Edward Burtynsky,
courtesy Galerie Springer, Berlin / Nicholas Metivier Gallery, Toronto

Ebenfalls gezeigt werden Bilder aus Burtynskys bahnbrechender Serie Oil (2009), einer im Lauf von zwölf Jahren entstandenen Chronik, die den komplexen Kreislauf aus Gewinnung, Verwertung und täglichem Verbrauch des Rohstoffs Öl dokumentiert und unsere Abhängigkeit von dieser endlichen Ressource beleuchtet. Darüber hinaus werden – erstmals im Vereinigten Königreich – Bilder aus Burtynskys kommender Serie Africa (2022) zu sehen sein, die sowohl die natürliche afrikanische Landschaft als auch Gebiete zeigen, die durch den Abbau von Ressourcen verändert wurden. Als weitere Projekte sind Salt Pans (2016), Water (2013) und Railcuts (1985) in der Ausstellung vertreten.     

Edward Burtynsky wurde 1955 als Sohn ukrainischer Eltern in St. Catharines, Ontario (Kanada) geboren. 1982 erwarb er an der Ryerson University einen Bachelor of Arts in Fotografie/Medienwissenschaften. Als Kind hatte er die Frachtschiffe beobachtet, die seine Heimatstadt passierten, und seinen Vater bei der Arbeit im Werk von General Motors erlebt, wo er später auch selbst arbeitete. Die gewaltigen Ausmaße der menschlichen Produktion fesselten ihn und hatten Einfluss auf die Entwicklung seines fotografischen Stils.

In seinen Bildern erforscht Burtynsky die Auswirkungen, die wir als Spezies gemeinsam auf den Planeten haben. In eindrucksvollen Darstellungen riesiger, vom Menschen veränderter Landschaften legt er das ungeheure Ausmaß der Infrastrukturen und Zerstörungen offen, die der Kapitalismus und Konsum immer weiter vorantreiben. Die überwiegend aus der Vogelperspektive aufgenommenen Ansichten vernarbter Gebirgsketten, ausgetrockneter Gewässer, Steinbrüchen, Minen, Agrarflächen und ausufernden Städten werden zu malerischen Abstraktionen aus Farben und Formen destilliert. Wundersam und erschreckend zugleich, ziehen Burtynskys minutiös ausgeführte Kompositionen den Betrachter durch ihre ästhetische Schönheit in den Bann und lassen ihn nicht mehr los, während er immer mehr beunruhigende Details wahrnimmt, die das Ausmaß der Verwüstung offenbaren.

Edward Burtynsky © Birgit Kleber 2012

Edward Burtynsky zu seinem Werk und der Annahme der Auszeichnung: „Ich freue mich sehr, diesen Preis entgegennehmen zu dürfen. Durch meine Arbeit in den letzten 40 Jahren hatte ich das Privileg, die Welt zu sehen, die Probleme zu verstehen, mit denen wir konfrontiert sind, und all das mit meiner Kamera zu bezeugen. Die Fotografien in dieser Ausstellung sollte man am besten als ein Gesamtwerk betrachten; sie vereinen sich zu einem Klagelied auf den Verlust der Natur. All diesen Bildern wohnt eine Dynamik inne – sie erlauben dem Betrachter, ganz nah heranzugehen, Details zu analysieren, das Ausmaß der Veränderungen zu erkennen und sich wirklich damit auseinanderzusetzen.“

Mit dem Preis für Herausragende Leistungen für die Fotografie werden Personen oder Gruppen ausgezeichnet, die einen bedeutenden Einfluss auf das Medium Fotografie ausgeübt haben. Als 15. Preisträger reiht sich Edward Burtynsky in eine illustre Liste ikonischer Persönlichkeiten ein. Dazu zählen William Eggleston (2013), Mary Ellen Mark (2014), Martin Parr (2017), Candida Höfer (2018), Nadav Kander (2019), Gerhard Steidl (2020) und Graciela Iturbide (2021), um nur einige zu nennen.

Während der Eröffnung von “The Order of Things" in Neu-Ulm, 2015.
Okwui Enwezor, Artur Walther, Brian Wallis (v.l.n.r.) © Alexa von Arnim

Aufgewachsen in Burlafingen, einem Stadtteil von Neu-Ulm, eröffnete der Deutsch-Amerikaner dort im Juni 2010 den Campus der The Walther Collection. In zwei umgenutzten typischen Vorstadtarchitekturen und einem Neubau mit unterirdischer Ausstellungsfläche präsentiert die Sammlung hier ihre umfangreichen Bestände moderner und zeitgenössischer afrikanischer Fotografie und Videokunst, neuerer chinesischer und japanischer Fotografie und Medienkunst sowie historischer Fotografie aus dem 19. Jahrhundert aus Europa und Afrika und weltweiter Alltagsfotografie. Der 2011 eröffnete Project Space in New York präsentierte zusätzlich bis 2020 im dynamischen Wechselspiel mit dem Stammhaus einzelne Aspekte und neue Interessensgebiete der Sammlung. Eine Sonderausstellung in Arles 2014 zeigte erstmals thematisch verbundene Fotografien aus allen Bereichen der Sammlung; seitdem hat die The Walther Collection fünfzehn solcher internationaler Sonderausstellungen weltweit präsentieren können.

Die Sammlung umfasst Arbeiten von relevanten Fotograf*innen unterschiedlicher Kulturen und Zeiten, u.a. Ai Weiwei, Richard Avedon, Bernd und Hilla Becher, Samuel Fosso, David Goldblatt, Huang Yan, Seydou Keïta, Sabelo Mlangeni, Santu Mofokeng, Daido Moriyama, Zanele Muholi, Jo Ractliffe, Rong Rong, August Sander, Malick Sidibé, Guy Tillim und Yang Fudong. Oft hinterfragen sie mit ihren Arbeiten die soziokulturellen Stereotype, die sich um Konzepte von Rasse, Geschlecht, Sexualität, Klasse und Nationalität bilden. Der Untersuchung einer der zentralen menschlichen Fragen, die nach der Identität und ihrer gesellschaftlichen Konstruktion, widmet sich The Walther Collection durch einen Sammlungsschwerpunkt auf Porträtfotografie und insbesondere Selbstdarstellungen. Ein weiterer Fokus liegt auf spezifischen Aspekten des Anthropozäns, vor allem jenen innerhalb von Landschaft und dem urbanen und öffentlichen Raum, die als Grundlage für kollektives Handeln und Individualität dienen.

Dem Sammler und Mäzen Artur Walther ist es ein Anliegen zu verbinden: „Artur sammelt nicht nur unsere Bilder, er bringt uns alle zusammen“, so die südafrikanische Fotografin und Aktivistin Zanele Muholi. Der Sammler leistet hierdurch einen wichtigen Beitrag zur westlichen Perspektiverweiterung durch die Sichtbarmachung fotografischer Positionen aus Afrika und Asien, ebenso wie zur globalen Vernetzung der Fotografie und der ihr verbundenen Menschen.

The Walther Collection betreibt zudem gemeinsam mit Steidl ein umfangreiches Publikationsprogramm, das vertiefende Forschung von bedeutenden Theoretik*innen, Kritiker*innen und Kunsthistoriker*innen in Ausstellungskatalogen und Künstler*innen-Monografien präsentiert. Mit unter anderem zwei Monografien zu Samuel Fosso, dem Black Photo Album von Santu Mofokeng, sowie Büchern zu Zanele Muholi und Jo Ractliffe sind wesentliche Referenzwerke veröffentlicht worden. Imagining Everyday Life, eine umfangreiche Bestandsaufnahme mit wissenschaftlichen Essays zur Amateur- und Alltagsfotografie, wurde 2020 mit dem Paris Photo / Aperture Photobook Award „Catalogue of the Year“ ausgezeichnet. Insgesamt sind bisher 17 Publikationen erschienen.

Die Verleihung des Kulturpreises an Artur Walther findet Anfang April 2022 in Düsseldorf statt. 

Kategorie Self Publishing
Luise: Archäologie eines Unrechts

Ausrichterin des Wettbewerbs „Deutscher Fotobuchpreis“ ist die Stuttgarter Hochschule der Medien (HdM). „Wir freuen uns, dass der Wettbewerb auch in diesem Jahr auf so eine große Resonanz gestoßen ist“, erklärt Prof. Dr. Volker Jansen, der gemeinsam mit Prof. Cornelia Vonhof und Sebastian Paul (alle HdM), die Organisation des Wettbewerbs verantwortet.

Die Preisträger des Deutschen Fotobuchpreises 21|22 in Gold

Kategorie Konzeptionell-künstlerischer Fotobildband
Das Erbe

Bildautorin: Anne Schönharting, historisches Bildmaterial
Textautor*innen: Johannes Odenthal, Albert Gouaffo, Natascha Roshani, Oliver Gehrs, Willy Klare, Hans Paasche
Gestaltung: Barbara Kotte, Peter Bünnagel (Kollektiv Scrollan)
Hartmann Books; ISBN: 978-3-96070-060-9

Kategorie Dokumentarisch-journalistischer Fotobildband
Napoli Super Modern

Bildautor: Cyrill Weiner
Textautor*innen: Gianluigi Freda, Andrea Maglio, Umberto Napolitano, Manuel Orazi
Gestaltung: pupilla grafik
Park Books; ISBN: 978-3-03860-218-7

Kategorie Coffee Table Book
TEATRIP: Eine faszinierende Reise durch das Reich der Mitte

Bildautor: Stefan Braun
Textautor: Christian Beck
Gestaltung: Lars Harmsen, Mara Schneider, Melville Brand Design
Slanted Publishers; ISBN: 978-3-948440-16-9

Kategorie Fotograf
Albrecht Fuchs. Album: Portraits 1989–2020

Bildautor: Albrecht Fuchs
Textautor*innen: Matthias Dachwald, Barbara Hofmann-Johnson, Albrecht Fuchs
Gestaltung: Kühle und Mozer, KölnVerlag der Buchhandlung Walther und Franz König;
ISBN: 978-3-96098-876-2

Kategorie Self Publishing
Luise: Archäologie eines Unrechts

Bildautor: Stefan Weger
Textautor: Stefan Weger
Gestaltung: Lisa Drechsel, Julia Schneider

Kategorie Studentisches Projekt
1,5°C

Bildautor: Matthias Ziemer
Textautor: Matthias Ziemer
Gestaltung: Matthias Ziemer

Kategorie Fotogeschichte
Good Morning, World! Fotografien und Filme von Ernst A. Heiniger

Bildautor: Ernst A. Heiniger
Textautor*innen: Patricia Banzer, Peter Pfrunder, Katharina Rippstein, Muriel Willi
Gestaltung: Anna Haas
Verlag Scheidegger & Spiess mit der Fotostiftung Schweiz; ISBN: 978-3-03942-006-3

Der Deutsche Fotobuchpreis wurde 1975 als „Kodak Fotobuchpreis“ in Zusammenarbeit mit dem Börsenverein des Deutschen Buchhandels und dem Landesgewerbeamt Stuttgart gegründet und fand bis 2003 unter diesem Namen jährlich statt. Seit 2003 und nach dem Rückzug der Kodak AG als Sponsor und Namensgeber wurde der Preis unter dem Namen "Deutscher Fotobuchpreis" vom Landesverband Baden-Württemberg e. V. des Börsenvereins des Deutschen Buchhandels weitergeführt.

Prämiert werden besondere Leistungen von Autoren, Fotografinnen und Herausgeberinnen im Fotobuchbereich. Neben Verlagen steht der Wettbewerb auch Fotografen und Fotodesignerinnen offen. Teilnahmeberechtigt sind Fotobücher von Verlagen aus dem deutschsprachigen Raum (also auch aus der Schweiz und Österreich), die in einem bestimmten Zeitraum erstveröffentlicht und noch nie am "Deutschen Fotobuchpreis" teilgenommen haben. Daneben sind Titel, die im Selbstverlag (Self Publishing) oder als studentische Projektarbeiten publiziert werden, teilnahmeberechtigt.

Als älteste Kunstmesse der Welt ist die ART COLOGNE für Galerien und Institutionen der wichtigste Branchentreffpunkt in Deutschland. Für Kunstsammler ist sie seit Generationen ein Anlass zum Entdecken, zum Sammeln, zum Austauschen und zum Aufbau neuer Kontakte.

Ein buntes Gemisch an Besuchern kann die Art Cologne bei jedem ihrer Auftritte verzeichnen: Dazu gehören  Kuratoren, Sammler  und AuktionshäuserKunstvereine, kulturelle Einrichtungen, Künstler, Kunst-Sachverständige, Banken | Versicherungen, Architekten, Ärzte | Rechtsanwälte, Kunstinteressierte.

Begleitet wird die Messe von Talks

So präsentiert die ART COLOGNE auf der Talks Bühne, ab 13:00 Uhr, ein facettenreiches Programm. Eine Talk-Serie – moderiert von Kathrin Luz macht den Anfang. Der Artsy Talk spricht am Samstag über die Zukunft des Online-Sammelns und am Sonntag ist der "geschredderte Banksy" unter anderem ein Themenpunkt.

Interessant wird sicher auch die Podiuksdiskussion "DIGITALISIERUNG im Kunstmarkt. Status Quo und Zukunftsaussichten" am 20.11.2021 um 11.30 Uhr. Vorherige, verpflichtende Anmeldung unter: m.hoffmann@uni-koeln.de

Weitere Infos: https://www.artcologne.de

Besucher:
Do. 18. - Sa. 20.11.2021, 11:00-19:00 Uhr
So. 21.11.2021, 11:00-18:00 Uhr

Führung durch die Ausstellungen bei C/O Berlin © Stephanie von Becker

Die Berliner Kunst- und Kulturszene ist bunt, vielfältig und zieht jährlich nicht nur Berliner*innen in ihren Bann, sondern auch Gäste aus aller Welt. Das kulturelle Angebot der Hauptstadt ist einer der Hauptgründe für Tourist*innen, nach Berlin zu reisen. Airbnb möchte gemeinsam mit C/O Berlin und dem C/O Berlin Open House – hosted by Airbnb einen Beitrag zur Wiederbelebung der lokalen Kulturszene leisten.

Das Programm im Überblick 
16:00/17:00/18:00/20:00/21:00: Führungen durch die Ausstellungen 

Statements zur Partnerschaft
„Modernes und innovatives Kulturmanagement – dafür steht C/O Berlin. Als privates Ausstellungshaus setzen wir auf einen lebendigen Dialog zwischen Kultur und Wirtschaft am Standort Berlin. In der Vergangenheit haben wir bereits zahlreiche Projekte erfolgreich mit Sponsoren umgesetzt und umso mehr freuen wir uns, mit Airbnb im Rahmen einer langfristigen Partnerschaft nun zusammenzuarbeiten. Als Auftakt und Geschenk für alle Berliner*innen veranstaltet Airbnb ihr erstes ‘Open House’ bei C/O Berlin am 2. Dez 2021 und lädt bei kostenlosem Eintritt zur Entdeckung unseres laufenden Ausstellungsprogrammes ein. Wir freuen uns sehr auf die Partnerschaft – und diesen inspirierenden, fotografischen Ausflug, den Airbnb den Berliner*innen ermöglicht!“
– Stephan Erfurt, CEO C/O Berlin Foundation

„Das letzte Jahr hat uns alle gefordert und in einem unvorstellbaren Maße eingeschränkt und isoliert. Wir alle können es kaum erwarten, die vielfältige Kunst- und Kulturszene Berlins wiederzuentdecken. Wir freuen uns, gemeinsam mit unserem Partner, der C/O Berlin Foundation, allen Berliner*innen sowie Gästen der Stadt mit dem ‘C/O Open House – hosted by Airbnb’ kostenfreien Zugang zum lokalen Kulturangebot zu ermöglichen und so einen kleinen Beitrag zur Wiederbelebung der Szene zu leisten.“ – Kathrin Anselm, General Manager DACH, CEE und Russland bei Airbnb

„Als Dank für Airbnbs Unterstützung von C/O Berlin und der Kulturszene in Berlin, stelle ich für die Abendveranstaltung eine besondere Präsentation zusammen. Dabei möchte ich einige Fotos zeigen, die die unerwarteten, oftmals außergewöhnlichen und inspirierenden Momente festhalten, die sich aus dem alltäglichen Leben auf Reisen ergeben.“
– Joel Meyerowitz, Fotograf und Wegbereiter der Street und New Color Photography

Heartbeat Photo richtet sich an Macher:innen unterschiedlichster Disziplinen, die mit ihrer Arbeit zur Stärkung des Fotografie-Standorts Hamburg beitragen. Gesucht werden herausragende, innovative Konzepte, die der Fotografie in Hamburg mehr Sichtbarkeit verleihen und interessierte Menschen und Fotografie-Begeisterten in Hamburg erreichen.

Die von der Fachjury des Freundeskreises ausgewählten Bewerber:innen erhalten eine finanzielle Förderung von maximal 5.000 Euro und werden mit öffentlichkeitswirksamen Maßnahmen unterstützt. Dazu zählen die Auszeichnung und Vorstellung des Projekts im Rahmen des Freundeskreis-Programms sowie die Bekanntmachung in den Medien des Freundeskreises und darüber hinaus. Weitere Kommunikations- und Marketingaktivitäten werden von den Geförderten als wichtige Säule des Konzepts selbst organisiert.

Gesucht werden innovative Konzeptideen und Projektvorhaben, die mit den Mitteln der Fotografie die Sichtbarkeit des Mediums in Hamburg unterstützen. Eingereicht werden können neue Konzepte derFotografie, die noch nicht realisiert worden sind. Dabei sind das Thema, die Fragestellung und die Medien zur Umsetzung frei wählbar.

Bewerben können sich alle Akteur:innen unterschiedlichster Disziplinen aus Hamburg, die die Arbeit mit Fotografie vereint. Es gibt keine Altersbegrenzung.

Das Projekt wird eigenständig von dem Geförderten im Zeitraum Februar bis September 2022 in Hamburg organisiert und produziert und im Zeitraum August bis November der Öffentlichkeit vorgestellt und zugänglich gemacht.

Fachjury des Freundeskreises des Hauses der Photographie e.V.:

• Stephanie Bunk, Kuratorin der Griffelkunst-Vereinigung Hamburg e.V.
• Prof. Dr. Karen Fromm, Hochschule Hannover, LUMIX Festival for Young Visual Journalism
• Ulrike Klug, Konzeption und Kommunikation, kulturreich Agentur & Galerie
• Anja Kneller, Beratung für Fotograf:innen I freie Bildredaktion
• Ulrich Rüter, freier Fotografiehistoriker und Magazin-Redakteur
• Marie Hübner, Fotografin

Zeitplan:

• Bewerbungsphase: 15. November 2021 - 20. Januar 2022

• Jurierung: Ende Januar 2022

• Bekanntgabe der Geförderten: Februar 2022

• Realisierung der Projekte: ab Februar bis ca. September 2022

• Finanzielle Unterstützung in Etappen zum Start und zum Projektabschluss

• Projektvorstellung/-umsetzung: September 2022

Der Fotograf Ralph Gibson vor seinen Bildern 

Fotografie steht im Mittelpunkt des Leitz-Parkes in Wetzlar: ob in der Hauptniederlassung, im Hotel Vienna House ERNST LEITZ Wetzlar oder am EIngang  zum Museum.

Seydou Keita-Sans titre(portrait de fammile)(1949-51) © Artcurial

« In den letzten zehn Jahren hat die zeitgenössische afrikanische Kunst bei internationalen Sammlern stark an Attraktivität gewonnen. Und zwar sowohl für historische und etablierte Künstler wie die Fotografen Malick Sidibé und Seydou Keïta, die beide bereits in Museen auf der ganzen Welt internationale Anerkennung gefunden haben, als auch für aufstrebende Künstler, die in verschiedenen Medien wie Malerei, Textilien, Fotografie oder Bildhauerei arbeiten »
so Christophe Person, Direktor des Departments für Zeitgenössische Afrikanische Kunst, Artcurial

Seydou Keïta © Artcurial

Seydou Keita-Sans titre(couple) (1949-1951) © Artcurial

Malick Sidibé und Seydou Kenta ließen ihre Modelle allein, zu zweit oder in Gruppen posieren und versuchten, den Abgebildeten das schönste Bild von sich selbst zu vermitteln, indem sie ihnen schicke Kleidung, Accessoires und Geldmittel zur Verfügung stellten. Die Fotos von Keïta und Sidibé sind ein hervorragendes Zeugnis der malischen Gesellschaft der Zeit. 

Malick Sidibé-A la plage(1975) © Artcurial

Malick Sidibé-Grand galla de boxe (1966)© Artcurial

Anlässlich dieser Ausstellung wird Artcurial in Zusammenarbeit mit der Galerie DDM Werke von Abou Traoré, einem burkinischen Bildhauer aus Bobo Diolasso, präsentieren. Traoré hat jüngst mit seinem einzigartigen abstrakten Werk, das sich auf afrikanische Inspirationen und die burkinische Tradition der Bronzeskulptur stützt, internationale Aufmerksamkeit erlangt. 

Skulpturen(3)-© Artcurial

Moogooo2021(4)-© Artcurial

Artcurial kooperiert ebenfalls mit PRIOR Contemporary aus Berlin in Form eines Art Talks zum Thema Afrikanische Kunst sammeln mit Oliver Elst und Laura Nunez del Arco sowie unserem Direktor des Departments für Zeitgenössische Afrikanische Kunst, Christophe Person.

Auktionen

Die nächste Auktion für Zeitgenössische Afrikanische Kunst wird am 16. November in Paris stattfinden. Sie zeigt eine große Auswahl an Werken der Künstler des Hangar, der modernen Schule des Kongo der 50er Jahre, die bereits im März 2020 bei Artcurial Gegenstand einer eigenen Auktion waren; ein atemberaubendes Quadriptychon von William Kentridge aus der Serie «Preparing the Flute», ein Mini-Theater als Animation für die Oper «Die Zauberflöte» von Mozart, woraus 2 Filme entstanden, von denen sich einer in der Sammlung des MoMA in New York befindet; sowie Werke von Godwin Champs, Aboudia und Bodys Isek Kingelez. 

Die Auktion für Zeitgenössische Afrikanische Kunst in Marrakesch findet am 30. Dezember parallel zu unserer Winterauktion für moderne und zeitgenössische marokkanische und internationale Kunst statt. Zu sehen sind atemberaubende Werke von Aboudia und eine Reihe von Vintage-Fotografien von Seydou Keïta und Malick Sidibé. Einen Schwerpunkt bilden Werke von Künstlerinnen, wie Adjaratou Ouédraogo, Keyezua und Ana Silva.

Artcurial Deutschland, Galeriestraße 2b, München

Leica Oskar Barnack Award 2021: Gewinnerin  Ana María Arévalo Gosen

Ana María Arévalo Gosen aus der Serie „Días Eternos“
© Ana María Arévalo Gosen/LOBA 2021

In ihrer Serie „Días Eternos“ stellt die venezolanische Fotografin die erschütternden Lebensbedingungen von inhaftierten Frauen in den Fokus. Die Bilder entstanden  seit 2017 mit einer Leica Q in Gefängnissen in Venezuela und El Salvador. Mit großer visueller Wucht und Wirkung zeigt Arévalo Gosen die Ursachen und Folgen der Haft, nicht nur für die Frauen, sondern auch für ihre Familien und die Gesellschaften Lateinamerikas.

Ana María Arévalo Gosen aus der Serie „Días Eternos“
© Ana María Arévalo Gosen/LOBA 2021

Ana María Arévalo Gosen aus der Serie „Días Eternos“
© Ana María Arévalo Gosen/LOBA 2021

„Bei den Porträts der inhaftierten Frauen geht es mir um die Haftbedingungen, bei  denen die Menschenrechte außer Kraft gesetzt zu sein scheinen. Ich denke nicht, dass ich das Leben der Frauen ändern kann, aber zumindest kann ich durch meine Arbeit zeigen, dass sie existieren“, erläutert Ana María Arévalo Gosen.

Ana María Arévalo Gosen
© Ana María Arévalo Gosen/LOBA 2021

Ana María Arévalo Gosen wurde 1988 in Caracas, Venezuela, geboren. Sie studierte Fotografie an der École supérieure de photographie in Toulouse und an der EFTI (Centro Internacional de Fotografia y Cine) in Madrid. Arévalo Gosen nutzt die Fotografie für visuelle Erzählungen mit hohem dokumentarischem Wert; ein Schwerpunkt ihrer Arbeit sind Projekte zu Frauenrechten und Umweltthemen. Für die Arbeit „Días Eternos“ erhielt sie ein Stipendium des Pulitzer Center on Crisis Reporting. Für die Serie wurde sie bereits mit dem LUMIX Award   und dem  Lucas  Dolega Award  ausgezeichnet.  Sie ist  Mitglied  von Ayün Fotógrafas, einem Kollektiv lateinamerikanischer Fotografinnen. Arévalo Gosen pendelt zwischen Bilbao und Lateinamerika.

Leica Oskar Barnack Award Newcomer 2021: Gewinner Emile Ducke

Emile Ducke aus der Serie „Kolyma - Along the Road of Bones“ 
© Emile Ducke/LOBA 2021

Tausende Insassen der Gulags der Stalin-Ära starben beim Bau einer Schnellstraße durch die eisige, abgelegene Kolyma-Region in Sibirien. Der deutsche Dokumentarfotograf, der derzeit in Moskau lebt, suchte auf seiner Reise entlang der sogenannten „Straße der Knochen“ nicht nur nach Resten der ehemaligen Zwangsarbeiterlager, sondern hinterfragt auch, wie heute an sie erinnert wird.

Emile Ducke aus der Serie „Kolyma - Along the Road of Bones“ 
© Emile Ducke/LOBA 2021

Emile Ducke aus der Serie „Kolyma - Along the Road of Bones“
© Emile Ducke/LOBA 2021

„Am meisten bewegt haben mich bei meiner Reise entlang des Kolyma Highways, erbaut von Häftlingen der Gulags in Russlands Fernem Osten, die Begegnungen mit Zeitzeugen und Überlebenden dieser tragischen Vergangenheit“, sagt Emile Ducke.

Emile Ducke © Emile Ducke/LOBA 2021

Emile Ducke wurde 1994 geboren. 2017 entschied er sich, seinen Hochschulabschluss in Fotojournalismus zu verschieben und nach Moskau zu ziehen, wo er seither  sowohl an persönlichen Projekten als auch im Auftrag verschiedener internationaler Publikationen arbeitet.  Als regelmäßiger Mitarbeiter der New York Times  hat er die Auswirkungen  des schmelzenden  Permafrostbodens  oberhalb des  Polarkreises dokumentiert, das  Erbe von Stalins Zwangsarbeitslagern im russischen Fernen Osten untersucht und Szenen des traditionellen Lebens in Tschetschenien eingefangen. Seine Fotoessays wurden unter anderem von der Washington Post, National Geographic und dem Spiegel veröffentlicht. Er wurde zum World Press Photo 6x6 Visual Storyteller gewählt, zu einem der 30 aufstrebenden Fotografen von PDN ernannt  und mit dem n-ost  Preis für seine  Berichterstattung  über  Osteuropa ausgezeichnet.

Die Jury

„Im Namen der gesamten Jury (Sandra M. Stevenson, Assistant Editor, Photography, The New York  Times,  USA;  Ralph Gibson, Fotograf, USA;  Santiago  Lyon,  Fotograf und  Head of Advocacy and Education, Adobe, Spanien; sowie Dr. Michael Pritchard, Director Education and Public Affairs,  Royal Photographic Society, Großbritannien) beglückwünsche ich die Gewinner des diesjährigen Leica Oskar Barnack Awards. Die Vielfalt, das hohe Niveau der Serien und die vielen Einreichungen von sehr jungen Fotografinnen und Fotografen haben mich beeindruckt und berührt. Ein ganz herzliches Dankeschön geht an unsere  sehr professionelle und immer den menschlichen Blick im Herzen habende Jury, wie auch an alle unsere  engagierten  Nominatoren aus  der  ganzen  Welt“,  so  Karin  Rehn-Kaufmann,   Art Director & Chief Representative Leica Galleries International.

Die 2020  signifikant erhöhten  Preisgelder werden 2021  beibehalten:  Ana María Arévalo Gosen erhält neben  der Gewinnerprämie in Höhe von 40.000  Euro eine Leica  Kamera- Ausrüstung  im Wert von 10.000  Euro. Als Gewinner des Newcomer Awards  erhält Emile Ducke ein Preisgeld von 10.000 Euro sowie eine Leica Q2.

Am 4. November werden die beiden Gewinner mit der Preisverleihung und einer alle dreizehn Serien der Shortlist zeigenden Ausstellung im Rahmen eines großen Fests der Fotografie im Leitz-Park in Wetzlar geehrt, bei dem ebenfalls der Leica Hall of Fame Award verliehen und das Ernst Leitz Museum sich nach seiner Neuausrichtung international präsentieren wird.

Begleitend zur Ausstellung erscheint der LOBA Katalog 2021, der die beiden Gewinner sowie die weiteren elf Kandidaten der LOBA Shortlist 2021 mit ihren kompletten Bildserien und Hintergrundinformationen vorstellt. Die Ausstellung der Gewinner- und Shortlist-Serien wird mit freundlicher Unterstützung von WhiteWall realisiert.

Vera Mercer
Crab, Paris 2018
© Vera Mercer

 International bekannt wurde Vera Mercer vor gut zehn Jahren durch ihre üppigen, neobarocken Farb-Stillleben : Sie enthalten Gläser und Vasen, Früchte und Pilze, Silberbesteck oder tote Tiere, mal frisch erlegt, mal steht eine übrig gebliebene Hülle stellvertretend für eine verstorbene Kreatur. Zudem arrangiert sie Kerzenständer mit frischen oder fast heruntergebrannten Kerzen, dazu immer wieder Blumen, die teilweise schon Blütenblätter verlieren. Doch während manche der toten Tiere auf den Stillleben weiterhin aussehen, als würden sie schlafen, muten andere eher an, als wären sie gerade exhumiert worden; so entstehen neue, radikalere Vanitas-Studien zwischen Schönheit und Vergänglichkeit, diesem immerwährenden Dualismus in Vera Mercers Werk.

Vera Mercer
Untitled
Platinum Print, Omaha 2020
© Vera Mercer

 Obwohl einige ihrer “New Works” inzwischen etwas düsterer und morbider ausfallen als noch vor einigen Jahren, bleibt sich die Fotografin in ihrer stilllebenbasierten Fotografie treu, die sie in ihren Wohnorten Omaha und Paris in immer neuen Arrangements realisiert.

Parallel zu den farbigen, großformatigen Inkjet-Prints stellt sie seit 2018 auch kleinformatige Platinum- Prints  her. Das reiche Tonwertspektrum ist eine der Besonderheiten dieser fotografischen Drucktechnik. Charakteristisch für das Edeldruckverfahren sind auch die schwarzen, unregelmäßigen Ränder oder Flächen rund um das eigentliche Motiv. Einige Platindrucke sind sehr reduziert, sie zeigen nur eine einzige Blume oder Blüte vor einem neutralen Hintergrund oder auf einem Silberteller. Andere Platinum-Motive wiederum sind Varianten oder schwarz-weiße Übersetzungen ihrer farbigen Blumenstillleben. Motivisch identisch, ist der Eindruck in der der jeweils anderen Technik sehr unterschiedlich, denn im Gegensatz zu den Farb-Inkjets wirken die getonten Platindrucke abstrakt und zeitlos.

 Die Welt wird bei Vera Mercer zur mal reduzierten, mal überbordenden Kulisse – und immer zu einer Art Schaukasten. Formal sind ihre Bilder Jagdstillleben oder flämischen Küchenstücken des 17. Jahrhunderts nicht unähnlich, doch in der zeitgenössischen Fotografie sind sie unvergleichlich.

Ebenso autonom ist die Illumination der Szenerie mit Kerzenlicht. Dass manche Accessoires ein wenig aus der Zeit gefallen wirken, fügt den Stillleben eine weitere inhaltliche Ebene hinzu; denn sie finden sich tatsächlich zuhauf in den beiden Wohnungen der Fotografin und geraten so selbstverständlich von ihrem Leben in ihre Bildwelt. Insofern sind die Fotografien auch eine Art Selbstporträt von Vera Mercer.

So bleibt ihr Werk überraschend und autonom, neben den Stillleben entstehen auch weiterhin Porträt oder Mischformen dieser Genres, realisiert in den unterschiedlichsten fotografischen Techniken. 

Vera Mercer. “New Works”, herausgegeben von Matthias Harder, mit Texten von Sergio Fabio Berardini und Matthias Harder, Gestaltung: Jonas Kirchner, Hardcover, 24 x 28 cm, 96 Seiten, 40 Abbildungen,

Deutsch und Englisch, DCV Verlag, Berlin, ISBN: 978-3-96912-049-1, 28 Euro

Ralph Gibson und Karin  Rehn-Kaufmann, Art Director & Chief Representative Leica Galleries International

Ralph Gibson, 1939 in Los Angeles geboren. Ralph Gibson kam über den Militärdienst bei der amerikanischen Marine zur FotografieEr studierte von 1956 bis 1962 am San Francisco Art Institute Fotografie und wurde Assistent von Dorothea Lange, 1969 zog Gibson von der Westküste nach New York. Hier arbeitete er zusammen mit Robert Frank an dem Film Me and my Brother. Im gleichen Jahr gründete er – gemeinsam mit befreundeten Fotografen – seinen eigenen Verlag Lustrum Press, weil keines der etablierten Verlagshäuser die Arbeiten veröffentlichen wollte. Gibson wandte sich um 1970 von der Dokumentarfotografie ab. Ralph Gibson ist Gründungsmitglied der Künstlergruppe LM100, eine Beratergruppe der Luxus-Hotelmarke Le Méridién. Unter anderem gestaltete er das 'Transitional Portal' im Le Méridien Beach Plaza Monte Carlo.

 Wie er in Wetzlar bei der Preisverkündung sagte, habe er seit 60 Jahren mit keinem anderen Handwerkszeug als der Leica gearbeitet. 

 HENRI CARTIER-BRESSON (1908–2004)
»Derrière la Gare Saint-Lazare« , Paris 1932
Großformatiger Ausstellungsprint (26,5 x 40 cm)
Startpreis: 18.000 € / Schätzpreis: 30.000–35.000 €

Es ist ein Bild, das jeder kennt und dass seinen Reiz trotz vielfacher Reproduktion nie verloren hat: Derrière la Gare Saint-Lazare (Hinter dem Bahnhof Saint-Lazare) ist Henri Cartier-Bresson 1932 das geniale Bild seines inzwischen legendären »Pfützenspringers« gelungen. Die meisterhafte Aufnahme steht wie keine andere für seine, erst zwanzig Jahre später im Fotobuch Images à la Sauvette (engl. The Decisive Moment) erläuterte fotografische Herangehensweise. Der springende Mann ist einen Sekundenbruchteil vor jenem Augenblick erfasst, wo er mit dem Fuß die glatte Wasserfläche berührt und die perfekte Spiegelung zerstört hätte. Dieses Motiv der Verdopplung findet sich mehrere Male und in komplexen Verschränkungen in dieser Ikone der Fotografie, die in einem exzellenten, sehr seltenen großformatigen Ausstellungsprint aus dem Jahr 1960 zur Versteigerung kommt und mit Sicherheit zu den begehrtesten Losen der 24. OstLicht Photo Auction zählen wird (Schätzpreis: 30.000 - 35.000 €).

 ROBERT FRANK (1924–2019)
Candy Store, New York, 1955
Signierter, seltener Print, veröffentlicht im Buch »The Americans« (20 x 30 cm)
Startpreis: 22.000 € / Schätzpreis: 35.000–40.000 €

Unter Sammlern nicht weniger begehrt dürfte Robert Franks Aufnahme aus dem Candy Store, 86th Street sein, die er 1958 für sein bahnbrechendes Buch The Americans aufgenommen hat. Für den vor zwei Jahren verstorbenen Fotografen war die Ansammlung von Teenagern, die sich um eine Jukebox drängen eines der paradigmatischen Motive, mit denen er den US-amerikanischen Lebensstil der 1950er Jahre treffend, wie kein anderer beschrieb. OstLicht versteigert den rund 60 Jahre alten, gut erhaltenen Vintage Print dieser Aufnahme, die u.a. auch zu den Highlights der der Sammlung des Art Institute of Chicago zählt (Schätzpreis: 35.000 - 40.000 €).

 FERDINAND SCHMUTZER (1870–1928)
Porträts 1899–1927
Sigmund Freud, 1926

Daneben bilden die zahlreichen Exponate aus der österreichischen Fotografiegeschichte einen Schwerpunkt des insgesamt 181 Lose umfassenden, von Galeriebesitzer Peter Coeln persönlich kuratierten Auktionsportfolios. Darunter herausragend ist eine rare Editionsbox mit 15 Fotografien von Ferdinand Schmutzer, die unter anderem Porträts von Albert Einstein, Sigmund Freud und die letzte Aufnahme von Thronfolger Franz Ferdinand enthält.

FERDINAND SCHMUTZER (1870–1928)
Porträts 1899–1927
Albert Einstein, 1921

 FERDINAND SCHMUTZER (1870–1928)
Porträts 1899–1927
Erzherzog Franz Ferdinand  1914

Die hochwertigen Abzüge wurden von Original-Glasnegativen aus dem seit dem Tode von Schmutzer im Jahre 1928 unbeachteten und vor mehr als 20 Jahren von Peter Coeln wiederentdeckten Archiv angefertigt und zählen zu den beeindruckendsten Arbeiten heimischer Provenienz (Schätzpreis: 7.000 - 9.000 €). »Mit diesem, auch nach internationalen Maßstäben beeindruckenden Angebot präsentiert sich OstLicht in der 24. Foto-Auktion einmal mehr als Drehscheibe für arrivierte Sammler*innen«, so Galeriebesitzer Peter Coeln. »Darüber hinaus bieten wir aber mit attraktiven Losen aus dem mittleren und unteren Preissegment auch Neueinsteiger*innen die Chance, in die faszinierende Welt der Fotokunst einzutauchen«.

Weitere Highlights in der Auktion:

 MARIO GIACOMELLI (1925–2000)
»Pretini« , 1961
Aus der Serie: »Lo non ho mani che mi accarezzino il volto«
(»Ich habe keine Hände, die mein Gesicht streicheln«)
(30 x 40 cm)
Startpreis: 4.600 € / Schätzpreis: 8.000–10.000 €

Die tanzenden Priester, im Originaltitel Pretini, die Mario Giacomelli 1961 für seine eindringliche Fotoserie Lo non ho mani che mi accarezzino il volto (Ich habe keine Hände, die mein Gesicht streicheln) im Priesterseminar von Senigallia fotografiert hat. Die unverwechselbare Aufnahme voll poetischer Intensität hat einen Schätzpreis von 8.000 - 10.000 € und wird mit einem Startpreis von 4.600 € ausgerufen.

Der von August Sander 1929 in seinem legendären Werk Antlitz der Zeit veröffentlichte Lackarbeiter. Die Aufnahme zählt zu den bekanntesten Motiven dieser bahnbrechenden fotografischen Gesellschaftsanalyse der Weimarer Republik, mit der Sander zum Wegbereiter der konzeptionellen Fotografie wurde (Schätzpreis: 10.000 - 12.000 €).

 HEINRICH KÜHN (1866–1944)
Stillleben mit Tomaten, 1911
Fotogravüre des berühmten österreichischen Piktorialisten
(11,6 x 16 cm)
Startpreis: 4.800 € / Schätzpreis 8.000–10.000 €

Ein Stillleben mit Tomaten von Heinrich Kühn aus 1911, das zu den gelungensten Motiven dieses Genres zählt und den in Innsbruck lebenden Fotografen endgültig zu einem der bedeutendsten Vertreter des Piktorialismus machte (Schätzpreis: 8.000 - 10.000 €).

 ANONYMER FOTOGRAF
Gustav Klimt am Attersee, 1904
Sehr seltenes Porträt (11 x 16,4 cm)
Startpreis: 5.000 € / Schätzpreis: 10.000–12.000 €

Gustav Klimt, der mit gleich zwei Porträts in der Auktion vertreten ist. Eines stammt aus einer 1904 aufgenommen Porträtserie, von der sich vier Kontaktabzüge in der Österreichischen Nationalbibliothek befinden. In dem äußerst seltenen Print auf Bromsilberpapier wird der konzentrierte Blick des damals 42-jährigen Malers durch die Aussilberungen in den Randzonen reizvoll gesteigert. Von wem die Aufnahme gemacht wurde, konnte die Forschung noch nicht endgültig klären, doch Moriz Nährs Urheberschaft steht zumindest in Diskussion (Schätzpreis: 10.000 -12.000 €).

Moriz Nähr ist auch der Fotograf des deutlich bekannteren Porträts von Gustav Klimt aus dem Jahr 1917, das den Maler vor seinem Atelier in der Hietzinger Feldmühlgasse zeigt. Ein Jahr vor Klimts Tod aufgenommen, gilt es als die letzte Porträtaufnahme des Ausnahmekünstlers (Schätzpreis: 8.000 - 10.000 €).

• Elf Lose aus drei Werkgruppen von Franz Hubmann, in denen der österreichische Vorreiter des modernen Bildjournalismus das »ungeschminkte Leben« der Künstler, der Stadt und im Café Hawelka eingefangen hat. Mit der Rückenansicht einer beleibten Einkäuferin am Brunnenmarkt nahm er Kompositionsprinzipien vorweg, die er später als stilbildender Fotograf des Magazins magnum perfektionieren sollte (Schätzpreis: 4.000 - 5.000 €).

 LENNART NILSSON (1922–2017)
Foetus 18 weeks, 1965
Ikonenhafte Fotografie als Platinum Print (44 x 44 cm)
Startpreis: 4.000 € / Schätzpreis: 7.000–9.000 €

Das von Lennart Nilsson 1965 unter dem Titel Foetus 18 weeks am Cover des Life Magazin veröffentlichte Bild eines Ungeborenen, das zerbrechlich und fast transparent vor einem dunklen Hintergrund zu schweben scheint. Die bis dahin unbekannte Ansicht und die Ästhetik des Bildes trafen den Nerv der von Umbrüchen zerrissenen 1960er Jahre und sorgten dafür, dass die 8 Millionen-Auflage von Life schneller ausverkauft war als die Ausgaben über die Mondlandung oder das Kennedy-Attentat. Diese Ikone der Fotografie wird als großformatiger, signierter Platinum Print angeboten (Schätzpreis: 7.000 - 9.000 €).

Der 140 Seiten starke Auktionskatalog enthält neben hochwertigen Reproduktionen detaillierte Beschreibungen über Inhalt und Geschichte der angebotenen Fotografien. Der unter Sammler*innen inzwischen selbst als Kultobjekt gehandelte Band kann ab sofort gegen eine Schutzgebühr von 25 € unter www.ostlichtauction.com/katalog bestellt werden.

Die Lose sind ab 11.11. – oder nach Vereinbarung – in der Galerie OstLicht zu besichtigen. Online ist der Katalog ab 15.10. unter www.ostlicht-auction.com abrufbar.

24. OstLicht Photo Auction
19. November 2021, 17 Uhr

OstLicht Photo Auction

Absberggasse 27

A-1100 Wien

+43 1 99 620 66 17

info@ostlicht-auction.com

www.ostlicht-auction.com