Fotoausstellungen

G.B. WALES. Bargoed. Junior Wales ballroom dancing championships. 1973
copyright David Hurn Magnum Photos

Mit ‹Facing Britain› konfrontiert uns Kurator Ralph Goertz, der schon zahlreiche bemerkenswerte Fotoausstellungen kuratiert hat, mit dem Antlitz einer vielteiligen Nation, die allen Gräben zum Trotz von Zuneigung, Menschlichkeit und Humor geprägt ist. Die Ausstellung ruft dabei in Erinnerung, was das Vereinigte Königreich seit seinem ersten Beitrittsgesuch zur Europäischen Wirtschaftsgemeinschaft im Jahr 1963 bis zu seinem Austritt aus der EU bewegte.

New Brighton. From 'The Last Resort. 1983-85
copyright Martin Parr  Magnum Photos

Martin Parr, 'The Last Resort'. New Brighton, England. 1983- 85
copyright Martin Parr Magnum Photos

Obwohl in der GAF nur ein Ausschnitt mit über 100 Bildern zu sehen ist, offeriert die Ausstellung mit Fotografien von Martin Parr, David Hurn, Ken Grant, Barry Lewis, Marketa Luskacova, Peter Mitchell, Kevon O’Farrell, Homer Sykes u.a. einen spannenden Überblick über Großbritanniens Dokumentarfotografie und Sozialgeschichte. Die ausgestellten Fotografen richteten ihre Objektive auf soziale Ungleichheit und die britische Zwei-Klassen-Gesellschaft, auf Probleme von Identität, Rassismus, Migration, Jugendarbeitslosigkeit und Brexit.

GAF Mr. & Mrs. Hudson. Leeds
copyright Peter Mitchell

Homer Sykes 1970 Supper Class Working Class Family
Outing The Derby Horse Race Britain

RUC-Patroling-NI-football-surporters, Belfast-1979
copyright Kevin-O'Farrell

Die GAF ist die erste Fotogalerie, in der die hochklassige Ausstellung präsentiert wird. Bislang war sie lediglich in Museen zu sehen, wie dem Museum Goch, der Kunsthalle Darmstadt, dem Mönchehaus Museum Goslar und dem Museum for Photography Krakow.

Fotogalerie GAF in der Eisfabrik
Seilerstraße 15d
30171 Hannover

Tony Vaccaro, 'Fun in Finland, Marimekko, Helsinki, Finland 1965' 
© Tony Vaccaro Studio, Courtesy of Monroe Gallery of Photography
and the Tony Vaccaro Studio

Während des Zweiten Weltkriegs war Tony Vaccaro in der 83. Infanteriedivision der US amerikanischen Armee an der Front und dokumentierte seine Kriegserlebnisse und -erfahrungen mit seiner Kamera. Dabei war er unter anderem in Deutschland stationiert. Im Anschluss an den 2. Weltkrieg blieb Tony Vaccaro zunächst in Frankfurt und Darmstadt und dokumentierte das Nachkriegsleben des Wiederaufbaus in Deutschland und Europa für das Magazin ‚Stars and Stripes‘, einer amerikanischen Militärzeitung, und für deren Wochenendbeilage 'Weekend'.

Tony Vaccaro, ‚Entering Germany, Frankfurt Germany‘, 1947
© Tony Vaccaro Studio, Courtesy of Monroe Gallery of Photography
and the Tony Vaccaro Studio

1949 kehrte er nach Amerika zurück und wurde ab 1950 in New York zu einem wichtigen Bildchronisten einer sich wandelnden Gesellschaft. Vor allem die Kunst- und Kulturszene und ihre Protagonist:innen wurden zu Themen des Fotografen. Portraits, von Künstlerinnen und Künstlern, Schauspielerinnen und Schauspielern oder Designer:innen gehören zu wichtigen Themenfeldern der Arbeit von Tony Vaccaro.

Tony Vaccaro, 'The Guggenheim Hat, New York 1960'
© Tony Vaccaro Studio, Courtesy of Monroe Gallery of Photography and the Tony Vaccaro Studio

Genauso gehören Politiker wie John F. Kennedy oder der bekannte Boxer Muhammad Ali zu den Portraitierten, Bilder die u.a. in Magazinen wie ‚Look‘, ‚Life‘ sowie ‚Newsweek‘ oder 'Flair' veröffentlicht wurden. Auch Modefotografie rückte hier in den Fokus des Fotografen, dessen Aufnahmen stets kreative und bildnerisch besondere Übersetzungen der jeweiligen Themen einschließen. Sowohl seine Portraits als auch seine Inszenierungen von Modefotografie lassen Bildkompositionen mit künstlerischen Qualitäten der Schwarzweiß- und Farbfotografie erkennbar werden.

Tony Vaccaro, 'Tony Vaccaro Holding a Test Strip, New York 1960'
© Tony Vaccaro Studio, Courtesy of Monroe Gallery of Photography and the Tony Vaccaro Studio

Die Ausstellung im Museum für Photographie Braunschweig entsteht in Zusammenarbeit und mit Unterstützung durch das Tony Vaccaro Studio, New York City, USA und der Monroe Gallery of Photography Collection, Santa Fe, NM, USA.

Ausstellung "Die Deutschen im 21. Jahrhundert" mit Fotografien
von Oliviero Toscani auf dem Wittelsbacherplatz in München.

Rund 800 Personen, die heute in Deutschland ihre Heimat gefunden haben, hat Oliviero Toscani für diese Arbeit fotografiert. 100 von ihnen zeigt er augenblicklich mit Unterstützung seines Auftraggebers Generali auf dem Münchner Wittelsbacherplatz, der nach einem der berühmtesten deutschen Adelsgeschlechter benannt ist. In Toscanis Porträtsammlung des modernen Deutschen, finden sich keine Klischees. Sie umfasst Menschen mit Wurzeln aus aller Welt, deren gemeinsame Klammer das Deutschsein ist.

Toscani fand seine Modelle auf den Firmengeländen von Airbus und BMW genauso wie auf der Straße, wo er zufällig auch den damals noch nicht so bekannten Gesundheitsminister Karl Lauterbach traf und porträtierte. Er habe so ein interessantes Gesicht, erklärte Toscani bei der Auswahl und Präsentation seiner Arbeiten. Er war selbst überrascht, welcher Fisch ihm da ins Fotonetz gegangen war.

Jeder, der hierher nach Deutschland kommt, spürt sofort,
dass es ein ganz anderes Land ist als das, was es
einmal war, sagt Oliviero Toscani.

Zu heutigen Eröffnung der Ausstellung kam auch Antje Herbst, Leiterin der Stelle für interkulturelle Arbeit der Stadt München, der Stadt, die mit 46 Prozent die höchste Zahl von Mitbürgern in Deutschland, aufweist, die einen Migrationshintergrund hat. Antje Herbst hat es sich zur Aufgabe gemacht, jeder Gruppe unabhängig von Herkunft, Geschlecht oder Religion in der Verwaltung gleichermaßen Gehör zu verschaffen und gleichberechtigt Zugang zu den Unterstützungen von Stadt und Staat zu ermöglichen.

In seiner Grußbotschaft zur Eröffnung der Open-Air Installation auf dem Wittelsbacher Platz nannte Oliviero Toscani seine Porträtserie der Deutschen des 21 Jahrhunderts sein wichtigstes fotografisches Werk überhaupt.
„Deutschland ist aufgrund seiner Vielfältigkeit das fortschrittlichste Land der Welt, erklärt er die Gedanken hinter seiner Idee zu diesem Projekt. „Wegen der Einwanderung, der Integration und auch wegen seiner politischen Köpfe. Deutschland ist ein Land, von dem man lernen kann. Jeder, der hierher nach Deutschland kommt, spürt sofort, dass es ein ganz anderes Land ist als das, was es einmal war. Die Vision Deutschlands ist fortschrittlicher als die der übrigen Welt.“

Antje Herbst, Leiterin der Stelle für Interkulturelle Arbeit der Stadt München (links) sagte
beim Pressegespräch zur Eröffnung der Toscani Ausstellung, dass 46 Prozent
der Münchner einen Migrationshintergrund haben. Ganz rechts im Bild
Tina Mirzai-Spitzer, Leiterin Unternehmenskommunikation bei Generali,
in der Mitte Giulio Benedetti, Leiter Unternehmenskommunikation,
ESG und Public Affairs.

Giovanni Liverani, CEO Generali Germany, Austria and Switzerland sieht in dem von seinem Unternehmen geförderten Projekt eine „Hommage an Deutschland, ja an die gesamte Menschheit. „Zudem ist die Initiative ein Symbol für einen neuen Humanismus, für den sich die Generali und ich ganz persönlich einsetzen“.

Jede der 50 Stehlen auf dem Wittelsbacherplatz in München wiegt rund 1,5 Tonnen und besitzt eine Größe von 2,85 x 1,5 Metern. Die 100 Fotografien, die dort gezeigt werden sind auch in einem Buch erschienen, das neben den Bildern der Menschen, die Toscani für das Projekt von zufälligen Passanten gemacht hat, auch Leitartikel und Interviews zu dem Projekt enthält. Das Buch ist in Kooperation mit dem Studio ZX, einem Unternehmen der ZEIT Gruppe, entstanden. Laut Factsheet zur Ausstellung betont Oliviero Toscani mit seiner Kunst das Vereinende: Er zeigt eine gemeinsame Vision, die wir alle in Deutschland und Europa für unsere Gesellschaft und unsere Zukunft brauchen: Vielfalt, Fortschritt, Inklusion.

Giulio Benedetti Leiter Unternehmenskommunikation,
ESG und Public Affairs, wird bei der offiziellen Eröffnung
der Ausstellung unterstützt von drei der in Toscanis Projekt
"Die Deutschen des 21. Jahrhunhderts"
abgebildeten Personen.

Die Ausstellung in München auf dem Wittelsbacherplatz ist noch bis zum 31. Oktober 2022 - Tag und Nacht - zugänglich. Die hochauflösenden Digitaldrucke sind durch einen speziellen Lack gegen Witterungseinflüsse geschützt. Dieser versiegelt die Arbeiten und ist außerdem umweltfreundlich.

Heiner Henninges

Ragnar Axelsson – „Arctic Heroes – Where the world is melting“

Ausstellungsort: Leica Galerie Zingst
Ausstellungsdauer: 30.09.2022 – 15.12.2022
Ausstellungseröffnung: 01.10.2022 | 18:00 Uhr

Ragnar Axelsson – „Arctic Heroes – Where the world is melting“

Ragnar Axelsson – „Arctic Heroes – Where the world is melting“

Für den isländischen Fotografen Ragnar Axelsson ist der grönländische Schlittenhund einer der größten Helden, die der Norden je gekannt hat . Die Serie „Arctic Heroes – Where the world is melting“ ist eine in Schwarzweiß fotografierte Hommage nicht nur an die Hunde, sondern auch an die durch die dramatisch fortschreitende Erderwärmung verschwindende Kultur der Arktis.

Christian Klant – „Landschaften“

Ausstellungsort: Max Hünten Haus Zingst
Ausstellungsdauer: 30.09.2022 – 15.01.2023
Ausstellungseröffnung: 30.09.2022 | 18:30 Uhr

Christian Klant fotografiert Landschaften auf Kollodium-Nassplatten und verbindet so das historische Verfahren mit aktuellen Motiven von zeitloser Schönheit.

Christian Klant – „Landschaften“

Christian Klant – „Landschaften“

Christian Klant – „Landschaften“

Die aufwändige Fotografie mit einer Großformatkamera und einem Dunkelkammerzelt vor Ort – an dem die Nassplatten nicht nur hergestellt, sondern auch direkt entwickelt werden – bedarf Geduld, Ruhe und vor allem Entschleunigung. Eine Mischung, die Christian Klant sehr schätzt: „Die Arbeit mit dem Verfahren zwingt mich dazu alles viel langsamer zu erleben. Diese Entschleunigung hat mir dabei geholfen, die Emotionen zu greifen, die mir zuvor noch durch die Finger geglitten sind.“

Marie Rief, exhausting 9J24B2Q, Serie, 2020, VG Bild-Kunst Bonn 2022 

„Mich interessiert der Spannungspunkt, wie sich Objekt und Fotografie bzw. Kopie eines Objektes zueinander verhalten. Meine Arbeit umfasst Fotoarbeiten, deren Negative von Hand gezeichnet sind, Reihen absichtlicher Fehlausdrucke, Kontaktabzüge von Laserdruck sowie Papierobjekte und -installationen“, sagt Marie Rief über ihre Werke. 

 Marie Rief, current image, Serie 2019, VG Bild-Kunst Bonn 2022 

Für ihre Serien, die Laserdruck und Fotopapier miteinander vereinen, lässt sie zum Beispiel Druckerpatronen so lange drucken bis das Papier gänzlich weiß bleibt. Bedruckte Transparentpapiere sind ihre Negative, von ihnen entstehen analoge Abzüge auf Fotopapier.

Marie Rief, white copy prints, Serie 2021, VG Bild-Kunst Bonn 2022 

 
Marie Rief wurde 1987 in Berlin geboren und studierte Bildende Kunst an der Universität der Künste Berlin. In dieser Zeit entwickelt sie ihre experimentelle und konzeptionelle Arbeit mit Fotomaterial, Zeichnung und Kopie. Marie Riefs Werke in der Ausstellung spielen auf die Bedeutung von Zufälligkeit im maschinellen Druckprozess an. Die Fotoarbeiten dokumentieren das Verlaufsbild der Erschöpfung der Patrone - wie auch das fließbandartige, repetitive Ab-arbeiten in der Dunkelkammer an den Abzügen. Der Betrachter kann das Objekt, das am Anfang der Vervielfältigung stand, im Verlauf der Serie nicht mehr erfassen. Die gewohnte, gelernte Wahrnehmung sucht nach Verbindungen und schafft so eine neue Wirklichkeit, eine neue Identität durch Wiederholung.
 

Walter Schels
Schaf, 1984
aus der Serie: Tierische Portraits
© Walter Schels

Chickenwings fallen nicht vom Himmel und Fleischpflanzerl wachsen nicht im Balkonkasten! Massentierhaltung und moderne Fleischindustrie haben uns vergessen lassen, dass der Mensch ursprünglich über Jahrtausende ein enges Verhältnis zu seinen Nutz- und Haustieren pflegte - eine einzigartige Symbiose, die dazu beitrug, menschliches Dasein zu sichern.

Mit einem Augenzwinkern rückt der 1936 in Landshut in Bayern geborene Fotograf Walter Schels seine tierischen Porträts in den Fokus unserer Aufmerksamkeit. Er hat sie frontal Porträtiert als wären sie Menschen. Es ist der direkte Blick ihrer Augen, der den unmittelbaren Kontakt zum Gegenüber herstellt - sie schauen uns an und wir schauen zurück. In diesem Moment vertauscht sich die Rolle von Betrachtern und Betrachteten, und die Tiere werden uns ebenbürtig. Walter Schels beschreibt seine Vorstellung von einer gelungenen Porträtfotografie mit den Worten: ..Manchmal fotografiere ich Menschen müde, damit sie ihr Fotolächeln aufgeben. Dieser Zustand der Selbstvergessenheit ist es, den ich suche. In ihm tritt der Wahrheitsgehalt eines Gesichts zutage."

Walter Schels
Dobermann, 1990
aus der Serie: Tierische Portraits
© Walter Schels

In ihrer Gesamtheit gleichen Walter Schels' umfangreiche fotografische Langzeitprojekte einem Bilderatlas. Das Universelle, nachdem er in seinen Bildnissen auf der Suche ist, kreist um die Einzigartigkeit und Vielgestaltigkeit von Menschen, Tieren und Pflanzen in der Welt - eine Expedition zu immer neuen Kontinenten, auf der der Fotograf mit seinen 86 Jahren bis heute unermüdlich unterwegs ist.

Walter Schels
Gans, 1995
aus der Serie: Tierische Portraits
© Walter Schels

Kurator der noch bis November 2022 gezeigten Ausstellung ist Dr. Michael Hering.

„Die ganze Welt ist eine Bühne und alle Frauen und Männer bloße Spieler.“,                                                             so zitiert William Shakespeare, 1599, in seinem Stück "Wie es euch gefällt".

Toto Frima,1988 Polaroid60x50

Maskerade, Kostümierung und das performative Spiel als künstlerische Praxis bildet den gemeinsamen Ausgangspunkt der gezeigten Arbeiten. Diese zeigen, wie Künstlerinnen und Künstler die Grenzen des Annehmbaren ausloten, neue soziale Rollen erproben und gesellschaftliche Tabus brechen. Die Ausstellung eröffnet ein Panorama der Auseinandersetzung mit dem inszenierten Selbst zwischen spielerischem, ironischem und sozialen Blick auf das Thema Identität.

Gilbert Garcin, Flight of Icarus, 2005

Cindy Marler, transported Angel, 1996

Elliott Erwitt, Netherland, 1956

Anne-Arden MCDonald, self

Christine Webster, Black-Carnival, 1993-97

Vorgestellt werden Arbeiten von

Elliott Erwitt (USA), Sissi Farassat (A), Toto Frima (NL), Gilbert Garcin (F), Cindy Marler (NL), Anne Arden McDonald (USA), Jan Saudek (CZ) und Christine Webster (NZL).

Öffnungszeiten: 12. September bis 17. September 13 – 17 Uhr, ab dem 17. September bis 20. Dezember 2022: nur nach telefonischer Terminvereinbarung unter 0177 3202913

in focus Galerie,

Foto: Vatanajyankur Kawita The-Scale-of-Injustice 2021

Ja, wir wollen, dass alle Menschen die gleichen Rechte und Chancen haben! Ja, wir wollen mit Kunst das Bewusstsein schärfen und nachhaltig wirksame Begegnungen ermöglichen! Ja, wir wollen einen Beitrag für Gleichstellung leisten und an den Rand gedrängte oder von Diskriminierung betroffene Menschen ermutigen und empowern. Und ja, die Welt wäre eine bessere, wenn wir alle Feminist*innen wären – „We should all be feminists!“ (C. N. Adichie). Die Ausstellung Empowerment versammelt diverse feministisch orientierte Ansätze und versteht sie als progressive Methode, die Gesellschaften der Welt mit den Mitteln der Kunst zu analysieren und mögliche Wege aus den globalen Krisen aufzuzeigen. 

Pavlo Dorohoi, aus der Serie »Traces of Presence«, 2022
Copyright: © Pavlo Dorohoi

Die Eskalation des Krieges und der Einmarsch der russischen Truppen in die Ukraine am 24. Februar 2022 hatten erhebliche Auswirkungen auf die Geschichte und das Leben in der Ukraine. Die Ereignisse der letzten Monate haben jede/n Bürger*in des Landes sowie alle Bereiche des sozialen und politischen Lebens betroffen. Von einem auf den anderen Moment wurde das Leben in ein »Vorher« und ein »Während« gespalten.

Yelyzaveta Bukreieva Roadblock near my home

Die ukrainische Bevölkerung musste verschiedene Phasen der Transformation durchlaufen – Schock, Leugnung, Angst, Akzeptanz und Anpassung. Anliegen der Ausstellung ist es, eine neue Form des Lebens während des Krieges zu zeigen. Diese neue Form des Lebens beinhaltet die Anpassungsprozesse im sozialen und öffentlichen Raum, die Veränderung der gewohnten Verhaltensregeln und Alltagsroutinen sowie die Kombination von Gefühlszuständen wie Angst, Wut und Freude.

Nazar Furyk, aus der Serie »Single Works.«
Bucha, Mai 2022
Copyright: © Nazar Furyk

Das internationale Festival für zeitgenössische Fotografie Odesa Photo Days wurde 2015 als Reaktion auf den Krieg gegründet, den Russland im Osten der Ukraine begonnen hatte und der von Propaganda und Medienmanipulation begleitet wurde. Das seit 7 Jahren jährlich stattfindende Festival Odesa Photo Days wurde 2022 aufgrund des russischen Großangriffs im Februar abgesagt. Jetzt arbeitet das Festivalteam daran, die Situation in der Ukraine bekannt zu machen und ukrainische Dokumentarfotografen und Fotokünstler zu unterstützen, die vom Krieg betroffen sind. Neben dem Haus der Photographie der Deichtorhallen Hamburg gibt es Kooperationen mit dem Palais de Tokyo, Paris oder dem Copenhagen Photo Festival und vielen weiteren.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Kateryna Radchenko und Ingo Taubhorn.

Künstler*innen: Lisa Bukreyeva, Alexander Chekmenev, Pavlo Dorohoi, Nazar Furyk, Vladyslav Krasnoshchok, Sasha Kurmaz, Mykhaylo Palinchak, Oksana Parafeniuk, Daniil Russov, Alina Smutko, Elena Subach und Mila Teshaieva.

Bild: Wolga, Tamina Florentine Zuch 

Flüsse waren während der gesamten Menschheitsgeschichte immer Lebensadern, unabhängig davon, wie breit und lang sie sind. Und wie Albert Schweitzer schon richtig sagte: Auch die großen Flüsse brauchen die kleinen Wasser. 
 
Flüsse boten den  frühen Siedlern frisches Wasser, Nahrung, einen Transportweg und oft auch Schutz, denn von der Flussseite waren sie nicht leicht anzugreifen. Heute sind große Flüsse wie die Oder, die Wolga oder der Ganges vor allem wichtige Transportwege ökonomischer und imperialer Macht und sie schaffen Verbindungen. Aber egal, an welchem Fluss man steht, Leine oder Elbe, sie befördern immer auch unser Fernweh, bergen Mythen, erzählen Geschichten und versprechen Abenteuer. 
 
Weil die Flüsse dieser Welt so verschieden sind, zeigen die GAF in dieser Ausstellung die Arbeiten von 4 Fotografen und einer Fotografin. Sie stammen aus Italien, Polen und Deutschland. Ihre Flussgeschichten sind so unterschiedlich fotografiert, wie es die 5 Flüsse sind, ihre Hauptdarsteller

Bild: Isar, Martin Friedrich

Nur 295 Kilometer lang ist die Isar und sie ist in ihrem ganzen Lauf nicht schiffbar. Der Fotograf Martin Friedrich hat sie über mehrere Jahre hinweg zu jeder Jahreszeit mit einer Großbildkamera und analog fotografiert. Ohne dabei Menschen abzubilden, hat er sich ganz auf ihre Physiognomie beschränkt. Der Mensch tritt in seiner Serie nur als Schöpfer urbaner Spuren in Erscheinung.

Bild: Ganga Ma, Giulio Di Sturco

10 Jahre lang hat der italienische Fotograf Giulio Di Sturco den Ganges für sein Projekt »Ganga Ma«auf einer Länge von 2.500 Kilometer in größtenteils quadratischen Bildern fotografiert.  Der Fluss bildet die Lebensgrundlage für 400 Millionen Menschen, die an seinen Ufern leben. Die Vergiftung des Flusses und der gesunkene Wasserstand bedrohen ihren Lebensraum. Basierend auf den Traditionen der Dokumentarfotografie bemüht er sich in seiner Bildsprache, die durch eine ganz eigene Farbigkeit der Ganges-Bilder dominiert wird, um eine Mischung von Realität und Fiktion.

Bild: Wolga, Tamina Florentine Zuch

 
Die Fotografin Tamina-Florentine Zuch hat für den stern mit der Reporterin Bettina Sengling fast die gesamte Wolga bereist, mit 3.500 Kilometern der längste Fluss Europas. Dabei hat sie von Kamelzüchtern über Fischern bis zu der Zukunftsstadt Innopolis das enorm unterschiedliche Leben am Strom fotografiert und versucht, seinen Mythos zu ergründen.

 
In einer spannenden Mischung aus Landschaften, Portraits und szenischen Bildern hat der deutsch-amerikanische Fotograf Jasper Bastian in seiner Arbeit »Across the River«den wahrscheinlich bedeutendsten Teil des Flusses Ibar fotografiert, wo er die nord-kosovoische Stadt Mitrovica seit 22 Jahren nicht nur geografisch teilt, sondern sie auch in einen serbischsprachigen und einen albanischsprachigen Teil spaltet. Seitdem ist der Fluss für viele Albaner als auch Serben aus Angst voreinander zu einer unsichtbaren Grenze geworden.

Bild: Oder, Mikolaj Nowacki

Mit enorm impressiven Sichtweisen, die dem Fluss eine ganz besondere Ästhetik verleihen, hat der polnische Fotograf Mikolaj Nowackis Polens größten Fluss, die Oder, fotografiert. Sie ist der Fluss seiner Kindheit und Jugend in Breslau und an ihren Ufern hat er viel Zeit verbracht und seiner Fernweh Nahrung gegeben. Ab der Neißemündung ist die Oder bis nördlich von Schwedt Grenzfluss zwischen Deutschland und Polen.

Galerie für Fotografie Hannover (GAF)

Eisfabrik

Seilerstraße 15d

Hannover 30171

Germany

Der finnisch-amerikanische Fotograf Arno Rafael Minkkinen (*1945 in Helsinki) fotografiert seit mehr als fünf Jahrzehnten Selbstporträts seines Körpers in der Natur. Von ersten Arbeiten in den frühen 1970er Jahren bis heute haben seine Bilder die gleiche Zeitlosigkeit und ästhetische Signatur bewahrt. Minkkinens Werk ist eine Hommage an die Beziehung zwischen Natur und Mensch. Er führt uns mit viel Empathie zurück zu den Anfängen des Umweltbewusstseins und zu Reformbewegungen, die den Stadtmenschen des Industriezeitalters wieder in Einklang mit der Natur bringen wollten. Es ist, als wolle er die Welt umarmen.

Arno Rafael Minkkinens Bilder, fotografiert in mehr als 30 Ländern, sind surreal, spirituell und transformativ, häufig mit humorvollem Unterton. Weltweit veröffentlicht und ausgestellt, befinden sich Minkkinens Arbeiten in den Sammlungen des MoMA, New York, des Museum of Fine Arts, Boston, des Centre Pompidou, Paris, des Musée de l'Élysée, Lausanne, des Kiasma Museum, Helsinki, des Tokyo Metropolitan Museum of Photography und vielen anderen.

Die Methoden, mit denen diese kühnen Aufnahmen entstehen, sind Jahrzehnte älter als die Verwendung von Photoshop. Stattdessen verlässt er sich auf einen einfachen 9-Sekunden-Auslöser, der es ermöglicht, für jede Aufnahme schnell zu posieren. Er arbeitet in der Regel allein und lässt niemanden durch den Sucher seiner Kamera blicken.

"Viele meiner Fotos sind schwierig zu machen. Einige können sogar gefährlich sein. Ich möchte nicht, dass jemand anderes in Gefahr gerät, wenn er die Risiken eingeht, die ich eingehen muss: sich von einer Klippe zu lehnen oder unter Wasser zu bleiben, um mein Bild zu machen. Einige meiner Bilder mögen einfach aussehen, aber in Wirklichkeit testen sie die Grenzen dessen aus, wozu ein menschlicher Körper fähig oder bereit ist, Risiken einzugehen. Deshalb nenne ich sie Selbstporträts, damit der Betrachter weiß, wer auf dem Bild zu sehen ist und wer es aufgenommen hat."

Das Kunstfoyer präsentiert Minkkinens bislang umfangreichste Ausstellung mit 150 Werken. Zum ersten Mal übernimmt Arno Rafael Minkkinen die Gestaltung der eigenen Ausstellung in zum Teil wandfüllenden Formaten. Das Ergebnis ist eine Präsentation mit Gesamtkunstwerk-Charakter, entstanden in Zusammenarbeit mit der Designerin Yolanda Cuomo und der Kuratorin Isabel Siben.

Fotograf unbekannt - Agfa Rohpapierlager 1956 Sammlung Agfa Museum Ludwig Köln

Seit ihrer Erfindung ist die Fotografie von der Gewinnung und der Ausbeutung so genannter natürlicher Rohstoffe abhängig. Im 19. Jahrhundert waren es Salz, Kupfer und Silber, die für die ersten Fotografien auf Kupferplatten und für Salzpapierabzüge genutzt wurden. Mit dem Aufkommen der Silbergelatineabzüge im späten 20. Jahrhundert wurde die Fotoindustrie mit etwa einem Viertel des weltweiten Verbrauchs zur wichtigsten Abnehmerin für Silber. Im Zeitalter der digitalen Fotografie und der Smartphones ist die Bildproduktion auf seltene Erden und Metalle wie Koltan, Kobalt und Europium angewiesen. Die Speicherung der Bilder und ihre Distribution produzieren zudem großen Mengen an CO2.

Photography Mary Mattingly - Mineral Seep 2016

Photography Ignacio Acosta Computer Aid

 Anhand historischer Fotografien und zeitgenössischer künstlerischer Positionen sowie Interviews mit Restaurator*innen, Geolog*innen und Klimaforscher*innen erzählt sie die Geschichte der Fotografie als eine Geschichte der industriellen Fertigung und zeigt, dass das Medium tief in die vom Menschen verursachten Veränderungen der Natur verwickelt ist. 

Fotograf unbekannt - Silberbarren im Tresor 1945 Kodak Collection, Eastman Kodak Company

Photography John Cooper - Minenarbeiterin 1860er Jahre Trinity College Library Cambridge

Beteiligte Künstler*innen: Ignacio Acosta, F&?D Cartier, Optics Division of the Metabolic Studio (Lauren Bon, Tristan Duke, Richard Nielsen), Susanne Kriemann, Mary Mattingly, Daphné Nan Le Sergent, Lisa Rave, Alison Rossiter, Robert Smithson, Simon Starling, Anaïs Tondeur, James Welling, Noa Yafe, Tobias Zielony

Die Ausstellung wird kuratiert von dem Künstler, Autor und Kurator Boaz Levin und Dr. Esther Ruelfs, Leiterin der Sammlung Fotografie und neue Medien am MK&G.

Der indische Fotograf Raghubir Singh (1942–1999) kehrte immer wieder nach Kolkata (bis 2001 Kalkutta) zurück und erstellte über die Jahre ein komplexes und vielschichtiges Fotoporträt der Metropole. Aufgewachsen in Jaipur, der Hauptstadt des indischen Bundesstaates Rajasthan, besuchte Singh Kolkata 1961 das erste Mal. In den frühen 1970er Jahren lebte er noch in Jaipur; danach verlegte er seinen Lebensmittelpunkt nach Hongkong und Paris; später lebte er in London und New York. Vor allem in seinen Straßenansichten verdichtet Singh die vielfachen Eindrücke Kolkatas in farblich und kompositorisch beeindruckenden Fotografien. Die Farbigkeit ist für Singh kennzeichnend für Geografie und Kultur Indiens. In seinen Fotografien wird mit ihrer Hilfe die Aufmerksamkeit über das ganze Bild verteilt, sodass Vorder-und Hintergrund häufig wie auf einer Ebene erscheinen. Die unterschiedlichen historischen Zeitschichten sind auf diese Weise in der Fotografie gleichermaßen vergegenwärtigt. Singhs Fotografien sind die Hommage eines Kosmopoliten an eine kosmopolitische Stadt.

Im Fotoraum präsentiert das Museum Ludwig zwölf Fotografien aus der „Kalkutta“-Serie von Singh, die sich seit 2017 in seiner Sammlung befinden. In der Präsentation sind sie um fünf Fotografien von Henri Cartier-Bresson ergänzt, die dieser während seiner Indien-Reise 1947 aufnahm. Die Zitate aus der Einführung von R.P. Gupta zu Calcutta. The Home and the Street  von 1988sowie aus Singhs einführendem Text zu River of Colour: The India of Raghubir Singh von 1998 kommentieren seine Aufnahmen sowie diejenigen Cartier-Bressons und verdeutlichen seine fotografische Haltung.

Raghubir Singh begann in den 1960er Jahren als Fotojournalist für indische und internationale Publikationen zu arbeiten wie National Geographic, Life, Time und New York Times. Bereits als Schulkind entdeckte er Henri Cartier-Bressons Fotobuch Beautiful Jaipur. 1966 begegnete er Cartier-Bresson, der einen wichtigen Einfluss auf seine Arbeitsweise hatte, erstmals persönlich. Wie diesem ging es auch Singh darum, die Momenthaftigkeit des Augenblicks mit kompositorischer Strenge zu verbinden. Anders als sein Vorbild entschied er sich aber sehr früh für die Farbfotografie. In seinem grundlegenden Text „River of Colour: An Indian View“ erläutert Singh 1998, inwieweit die Wertschätzung der Farbe in der indischen Ästhetik und Kulturgeschichte begründet liegt und die Ablehnung der Farbfotografie als vulgär (Walker Evans) im westlichen Wertesystem verankert ist. Zugleich stehe das Sehen nicht wie in der westlichen Tradition für eine distanzierte Wahrnehmung, sondern für eine, bei der die Sensualität des Tastsinns und Gemeinsinns enthalten ist. Es war nicht Singhs Interesse, mit der Farbfotografie einen neuen Stil als Antwort auf die modernistische Fotografie eines Cartier-Bresson, Andre Kertesz‘ oder auch Lee Friedlander zu begründen. Vielmehr wollte er die Fotografie aus indischer Perspektive prägen.

„Western modernism in photography will in time be broadened, by non-Western artists through a fine disregard of the philosophical stance of the West and of the related rules of the game", so Singhs Überzeugung.

In diesem Sinne entwickelte Singh um 1980 eine fotografische Haltung, die die Merkmale der Street photography, wie Schnappschussästhetik und ungewöhnliche Bildausschnitte, einsetzte, ohne sich jedoch von den gewählten Sujets als „entfremdete und verworfene" - so Singh - zu distanzieren. Die Intensität der Farbfotografien von Singh beruht wesentlich auf seiner Fähigkeit, der modernistischen Fotografie in diesem Sinne eine neue Wendung zu geben.

Singh nutzte den Ausschnitt, um Alltagssituationen im öffentlichen Raum als verdichtete Ereignisse zu vermitteln, wie zum Beispiel eine Auseinandersetzung im Straßenverkehr oder der Handel vor der Börse. Auf einer Aufnahme von Gläubigen, die das Durga Puja Fest im Kali Tempel Komplex feiern, ist ein Auto zentral ins Bild gesetzt; es wird dadurch gleichbedeutend mit der religiösen Szene und nimmt ihr die Zeitlosigkeit. In der Aufnahme eines Zigaretten- und Teeladens entsteht durch eine Trennwand und einen eingezogenen Boden eine Bild-im Bildkonstruktion, die zur genauen Betrachtung der Fotografie herausfordert.

In vielen Fotografien bringt Singh Alt und Neu, Geschichte und Jetztzeit in ein spannungsvolles Verhältnis, so zum Beispiel in der Aufnahme des Innenhofs eines herrschaftlichen Gebäudes, in der die alte koloniale Welt korinthischer Säulen und einer neoklassizistischen Venusdarstellung mit Rindern, Hühnern und Katze belebt ist.

Die Fotografien der „Kalkutta"-Serie vermitteln Singhs genaue Kenntnis der Metropole und ihrer langen Geschichte, die von der sogenannten bengalischen Renaissance geprägt war - einer Reformbewegung Intellektueller Anfang des 19 Jahrhunderts, die kulturellen, sozialen und politischen Wandel initiierten. Zu ihnen gehörte der Dichter, Musiker und Philosoph Rabindranath Tagore, dem Singh in Fotografien wie dem ehemaligen Musikzimmer im Hause der Gosh-Familie Tribut zollt. Eine andere Fotografie zeigt zwei Hausangestellte, die getrennt von den anderen Gästen einem Konzert von Tagore-Liedern lauschen. Von Singhs Porträts aus der „Kalkutta"-Serie ist eine Aufnahme des Filmemachers Satyajit Ray ausgestellt. Singh sah in dessen Filmen ein Vorbild für die gelungene Weiterentwicklung der Verbindung von Ost und West, wie sie bereits in der bengalischen Renaissance angelegt war.

Raghubir Singh hat 13 Fotobücher veröffentlicht und ist mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet worden. Werke von Singh befinden sich beispielsweise im Metropolitan Museum of Art, Museum of Modern Art und dem Art Institute Chicago.

Kuratorin: Barbara Engelbach

Web und Social Media

Zur Ausstellung kommuniziert das Museum Ludwig auf seinen Social-Media-Kanälen mit dem Hashtag # RaghubirSingh

Facebook/lnstagram/Twitter/Vimeo: @Museumludwig - www.museum-ludwig.de

"Ergun Çagatay  - Wir sind von hier. Türkisch-deutsches Leben 1990." ist ein Ausstellungsprojekt des Ruhr Museums, Essen in Kooperation mit dem Goethe-Institut, Istanbul, dem Museum für Hamburgische Geschichte und dem Museum Europäischer Kulturen – Staatliche Museen zu Berlin 

 Türkische Fraueninitiative auf der Kundgebung gegen
den Entwurf des neuen Ausländergesetzes, Hamburg, 31. März 1990
© Ergun Çagatay/Fotoarchiv Ruhr
Museum/Stadtmuseum Berlin/Stiftung Historische Museen Hamburg

 Kinder vor einem Hauseingang, Berlin-Kreuzberg
© Ergun Cagatay /Fotoarchiv Ruhr

Museum/Stadtmuseum Berlin/Stiftung Historische Museen Hamburg

 Historische Straßenbahn des Typs 3344 im Pendelverkehr vor dem Türkischen Basar,
Bahnsteighalle des stillgelegten Jugendstil-Hochbahnhofs Bülowstraße, Berlin-Schöneberg
© Ergun Cagatay /Fotoarchiv Ruhr Museum/Stadtmuseum Berlin/Stiftung
Historische Museen Hamburg

Nach Stationen in Essen, Istanbul und Hamburg nimmt die Ausstellung die Besucher*innen mit auf Çagatays Reise von Hamburg über Köln und Werl nach Berlin und zurück in den Westen nach Duisburg. Neben den ortsspezifischen Arbeits- und Lebensbedingungen deutsch-türkischer Communities in diesen Städten fanden auch politische Themen immer wieder Eingang in Çagatays Motivauswahl. So dokumentierte er etwa die migrantischen Kämpfe um gesellschaftliche Teilhabe dieser Zeit. In verschiedenen Fotografien deutete er zudem den gesellschaftlichen Rechts-Ruck an. 

 Wartesaal mit Nummern-Aufrufanlage, Ausländerbehörde im Bieber-Haus, Hamburg-St. Georg
© Ergun Çagatay /Fotoarchiv Ruhr Museum/Stadtmuseum Berlin/Stiftung
Historische Museen Hamburg

 Selbstbildnis des Fotojournalisten Ergun Ça?atay in Grubenkleidung vor Beginn der Anfahrt,
Bergwerk Walsum, Duisburg
© Ergun Çagatay/Fotoarchiv Ruhr Museum/Stadtmuseum
Berlin/Stiftung Historische Museen Hamburg

Rund 30 Jahre nach dem Anwerbeabkommen zwischen der Bundesrepublik Deutschland und der Türkei entstanden, sind Ergun Çagatays F-tos inzwischen wichtige zeithistorische Dokumente. Sie bieten eine not-wendige Ergänzung zum herrschenden Narrativ der politischen und gesellschaftlichen Umbrüche der Wendejahre. Die Geschichten von Mig-rant*innen spielen hierbei nach wie vor viel zu selten eine Rolle. Im Be-gleitprogramm zur Ausstellung möchte das MEK deshalb den Raum für diese Perspektiven öffnen: Tandemführungen mit den portraitierten Personen sowie Erzählcafés werden persönliche Einblicke und Möglichkeiten zum Dialog bieten. Zum 3. Oktober wird darüber hinaus die seit mehr als 60 Jahren gewachsene deutsch-türkische Geschichte mit einem Kulturtag gefeiert. 

Sven Simon, Die "Dirndlgruppe" bei der Eröffnungsfeier
am 26. August 1972 im Münchner Olympia-Stadion, Fotografie, 1972
© IMAGO/Sven Simon

Am 26. April 1966 entschied das Olympische Komitee, die Spiele der XX. Olympiade 1972 nach München zu vergeben. Für die Landeshauptstadt war dies eine tiefgreifende Zäsur. Die damit verbundenen Ereignisse und Entwicklungen haben vielfältige Spuren in der Stadt hinterlassen. Das Münchner Stadtmuseum macht diese im Jubiläumsjahr im Stadtraum selbst sichtbar und lädt zu einer Olympischen Spurensuche ein. Erstmals begibt sich das Museum direkt an die historischen Orte des Geschehens. An etwa 20 ausgewählten, im Stadtraum verteilten Stationen werden Besonderheiten und Ereignisse hervorgehoben, die mit den Spielen in Zusammenhang stehen.

Unbekannt, Peter Trump (rechts) in Aktion beim Hockeyfinale BRD
gegen Pakistan am 10. September 1972, Fotografie, 1972
© IMAGO/Horstmüller

Sven Simon, Gold für die Bundesrepublik Deutschland (v.l.n.r.):
Annegret Richter, Ingrid Mickler-Becker, Heide Rosendahl und Christiane Krause
gewinnen die 4-mal-400 Meter-Staffel, Fotografie, 1972
© IMAGO/Sven Simon

Olympia '72 steht für weit mehr als die sportlichen Spitzenleistungen, die zwischen dem 26. August und dem 11. September 1972 erbracht wurden. Visionäre Zukunftsideen und Gesellschaftsentwürfe, politischer Gestaltungswille und nüchterner Pragmatismus sowie Begeisterung und Tragödie verdichten sich bei den Olympischen Spielen in München zu einem vielschichtigen Bild, das bei einer Tour durch die Stadt entdeckt werden möchte. An bekannten, aber auch längst in Vergessenheit geratenen und teils unerwarteten Orten wird vermittelt, welche Auswirkungen die Ausrichtung für die Stadt hatte: Sie hat sie nicht nur baulich und infrastrukturell entscheidend verändert, sondern auch in ideeller und gesellschaftlicher Hinsicht Zeichen gesetzt.

Herbert Michalke, Baumaßnahmen am Marienplatz zur Errichtung
der unterirdischen Stammstrecke für die S-Bahn, Fotografie, 1968
© Aldiami/Herbert Michalke/Timeline Images/Süddeutsche Zeitung Photo

Im Olympiapark entwarfen die Architekten die zentralen Sportstätten nicht als massive oder gar monumentale Einzelbauten, sondern als „Fortsetzung der Landschaft mit anderen Mitteln“. Stadion, Sport- und Schwimmhalle betteten sie in Mulden ein und überspannten sie mit einem transparenten Dach. In Abgrenzung zu den Olympischen Spielen in Berlin 1936 versinnbildlichte ihre Gestaltung konsequent demokratische Werte und machte sie in Form einer Landschaftsplastik erleb- und erfahrbar. Naheliegend ist daher eine Ausstellungsstation direkt auf dem Olympiaberg. Analoge und digitale Module der Station vermitteln die zukunftsweisende Olympia-Architektur und die gebaute Landschaft im Olympiapark – direkt an dem Ort, von dem aus das gesamte Ensemble zu sehen und seine Intention spürbar ist.

Unbekannt, Hans-Jochen Vogel (links) und Willi Daume (rechts) testen Telefonzellen
bei der Eröffnung des Pressezentrums auf dem Olympiagelände, Fotografie, 1972
© IMAGO/ZUMA Wire

Eine weitere Stele der Olympischen Spurensuche befindet sich am Nördlichen Schloßrondell. Mit dem Nymphenburger Schlosspark wurde eines der größten und bedeutendsten Gartenkunstwerke Deutschlands gezielt als Austragungsort für das Dressurreiten ausgewählt – aus heutiger Sicht kaum vorstellbar. Das reiche kulturelle Erbe Münchens sollte damit zum Erlebnis für das Publikum und die Olympionik*innen gleichermaßen werden. Historische Aufnahmen auf der Stele illustrieren die aufwendigen, temporären Aufbauten wie den 20 mal 60 Meter großen Wettkampfplatz und die zwei Zuschauertribünen. In unmittelbarer Nähe zum Originalschauplatz können Besucher*innen so Geschichte und Gegenwart direkt miteinander verknüpfen.

Otl Aicher/Elena Winschermann (Entwurf),
Olympia-Maskottchen "Waldi", 1972, Münchner Stadtmuseum © IOC

An 17 weiteren Standorten werden unter anderem Themen wie Nachhaltigkeit, das grafische Erscheinungsbild und dessen Vorbildfunktion für modernes Corporate Design, Migration, die Modernisierung sowie der Ausbau der Infrastruktur und das die Spiele prägende Attentat behandelt. Die Ausstellung ist bewusst direkt an die Orte des Geschehens verlegt und rund um die Uhr erlebbar. Die Stelen sind markant dort platziert, wo sie auch von Passant*innen oder Tourist*innen zufällig wahrgenommen werden können. Das Design der Stelen dient nicht nur als Trägermaterial für die Informationen, sondern bietet zudem Sitzmöglichkeiten an und lädt so die Besucher*innen zum Verweilen ein. Kurze Texte auf deutsch und englisch bieten Basisinformationen und Bildmaterial zum jeweiligen Thema. Ein QR-Code führt zu einer Vertiefungsebene: Die hinterlegte Website bietet weiterführende Informationen, Abbildungen und Filme, darunter auch Interviews mit Zeitzeug*innen. An neun ausgewählten Stationen sind die Besucher*innen selbst gefordert: Bei der #WaldiChallenge können sie sowohl ihr Wissen zu Olympia als auch ihr sportliches Können unter Beweis stellen.

Unbekannt, Protestplakat mit Fritz Teufel,
zeitweise Mitglied des Anti-Olympischen-Komitees,
Farboffsetdruck, um 1969 (Nachdruck 2012), Münchner Stadtmuseum

Stelen der Ausstellung befinden sich hier:

1 Ein Besuch mit Folgen | Marienplatz
2 »München plant und baut«: die Ringstraßen | Isartor
3 »München wird moderner« | Ungererstraße
4 »Im Windschatten der Olympiade« – die Fußgängerzone | Stachus
5 München ist Einwanderungsstadt | Hauptbahnhof
6 Nicht gradlinig, rechtwinklig, ernst – der Olympiapark | Olympiaberg
7 Münchens erster Olympiasieger | Olympiaberg
8 Die Stadt in der Stadt | Connollystraße
9 Die Abteilung XI. des Organisationskomitees | Saarstraße
10 Die »Edition Olympia« | Nymphenburger Straße
11 Münzen und Medaillen für Olympia | Pfisterstraße
12 »Fernseh-Olympia« | Connollystraße
13 »Es empfiehlt sich, ab jetzt nur noch zu lächeln« – die Eröffnung | Olympiaberg
14 Höfische Noblesse und Olympische Spiele | Nördliches Schloßrondell
15 Bogenschießen im Englischen Garten | Werneckwiese
16 »Bayern – Kunst und Kultur« | Münchner Stadtmuseum
17 »Weltkulturen und moderne Kunst« | Haus der Kunst
18 »Quartiere für die Jugend der Welt« | Kapuzinerhölzl
19 Heitere Spiele auf Kosten der Sicherheit? | Ettstraße
20 »Die heiteren Spiele sind zu Ende« – das Attentat | Connollystraße
21 Das Experiment »Spielstraße« | Olympiaberg
22 »Olympischer Sommer« | Odeonsplatz
23 »Internationales Folklorefestival« | Circus Krone
24 Vergessene Olympiaorte | Theresienhöhe

Kuratiert wird die Ausstellung von Henning Rader und Antonia Voit.
Begleitend zu dieser Ausstellung erscheint eine Publikation, die ab Anfang Juli kostenfrei im Münchner Stadtmuseum erhältlich ist.

Karl Lagerfeld (1933-2019)
A Portrait of Dorian Gray, 2004, 8 Fotografien (Acryldruck)
je 70 x 50 cm
© The Estate of Karl Lagerfeld, Courtesy Steidl

Vielleicht ist ja alles ein Irrtum: Der körperliche Verfall, der geistige Abbau, das Alter, der Tod? Schließlich bietet die menschliche Vorstellungskraft eine Fülle von Auswegen, der körperlichen Vergänglichkeit zu entkommen. Schneewittchen bewahrt durch jahrelangen Schlaf seine Schönheit, Dorian Gray lässt ein Porträt altern statt seiner selbst, Ikarus überwindet mit Flügelprothesen die Grenzen seines Skeletts.

Installationsansicht 1
(Alex Van Gelder: „Louise Bourgeois at home in 2009“, Stefan Panhans:
„UP! UP!! UP!!!“, Juergen Teller: „Helen Mirren, London 2010“)
Foto: ERES-Stiftung, Thomas Dashuber

Der Wunsch des Menschen, seinem biologischen Körper zu entweichen, ist uralt. Und seine Erfüllung scheint durch Fortschritte in Gentechnologie und künstlicher Intelligenz greifbarer denn je. Die Entdeckung des „Unsterblichkeits-Gens“ FoxO3, potenzielle Steigerungsmöglichkeiten der Telomerase-Aktivitäten zur Verlangsamung des Alterns und neue Erkenntnisse der Epigenetik lassen auf eine deutliche Verlängerung der eigenen Lebensspanne und sogar der unserer Nachkommen hoffen. Unterstützt wird dieses Versprechen durch tragbare Gesundheitselektronik wie Smartwatches für bessere Kondition, Fitness-Ringe, die selbst den richtigen Empfängniszeitpunkt vorhersagen oder Schuheinlagen, die das Gleichgewicht dokumentieren. Dem quantifizierten Ego scheint die Zukunft zu gehören.

On and On and On, 2022
ABBA-Fotoalbum
Mixed-Media-Installation
Courtesy the artists, Privatsammlung
Foto: ERES-Stiftung, Thomas Dashuber

Tracker und Apps helfen dabei, den Körper tiefer und genauer zu vermessen, Makel rechtzeitig zu erkennen und eine gesunde Lebensführung angemessen zu belohnen – Datenmissbrauch eingepreist. Coaching-Angebote zur Selbstoptimierung sowie Schönheitsoperationen boomen. Lässt die Körperkraft nach, stehen modernste Prothesen und hilfreiche Entwicklungen aus der Robotik zur Verfügung. Exoskelette erweitern Wirbelsäule, Arme und Beine und ermöglichen körperliche Leistungsfähigkeit bis ins hohe Alter.

eres/colliders
On and On and On, 2022
Mixed-Media-Installation
4 Objekte, Digitaldruck hinter Acryl,
je 10 x 10 x 2 cm
Courtesy the artists
Foto: ERES-Stiftung, Thomas Dashuber

Techno-Utopisten aus dem Silicon Valley begreifen das Alter ohnehin als überwindbare Krankheit und sehen den biologischen Körper in seiner derzeitigen Form als fehleranfällig   und von zu mühsamer Instandhaltungsrout ine gezeichnet an. So soll beispielsweise Googles biotechnologische Abteilung „Calico“ den Alterungsprozess lösen helfen. Noch einen Schritt weiter gehen die Fantasien der Transhumanisten. Sie sehen die Menschheit vor der nächsten Evolutionsstufe und glauben, dass mittels KI das menschliche Bewusstsein künftig in der Cloud hochgeladen werden kann und sich durch Robotik, künstliche Intelligenz und virtuelle Realität Parallelkörper entwickeln lassen. Bis es so weit ist, bietet sich die Kryonik, das Einfrieren von Kopf oder gesamtem Körper in „Cephalon- Boxen“ oder mit Flüssig-Stickstoff gefüllten Aluminiumkapseln, als Übergangslösung an. Entwarnung also? Versprechen uns Medizin und Technologie schon bald nicht mehr nur eine steigende Lebenserwartung, sondern sogar Unsterblichkeit? Schön wär’s – oder nicht?

Marina Abramovi? (*1946)
The Abramovi? Method, 2021
Video, Schwarz-Weiß/Farbe, Ton,
13:30 Min.
© Marina Abramovi? / MAI
Foto: ERES-Stiftung, Thomas Dashuber

Die Ausstellung „Alter + Ego“ beleuchtet mit künstlerischen Positionen die Verheißungen des „Human Enhancement“ in verschiedenen Facetten und geht der Frage nach, wie wir als Ego mit dem Alter und der Vergängl ichkeit zurechtkommen. Denn hat nicht ein winziges Virus in der Corona-Pandemie die modernen Jungbrunnen-Fantasien auf den harten Boden der Realität zurückgeholt und gezeigt: Mit Alter und Tod verknüpfte Erfahrungen wie Fürsorge, Abschied und Trauer bleiben elementare, zutiefst menschlicheEmpfindungen, die unsere Spezies ausmachen.

Das Projekt

Wie ABBA als animiertes Hologramm die Zuschauer begeistert und die Bandmitglieder als digitale Avatare bis über den Tod hinaus Konzerte geben könnten, wie ein alter Mann in der Arbeit von Superflux die gutgemeinten Alltagshilfsmittel seiner Kinder boykottiert und Thomas Silberhorn einen wildgewordenen Treppenlift durch den Ausstellungsraum fegen lässt macht Mut und Laune, sich dem Thema zu stellen – egal in welchem Alter.

Fasst die Kunstgeschichte die dem Projekt zugrundeliegenden Überlegungen prägnant im Motiv des memento mori – in der Ausstellung repräsentiert durch das barocke Gemälde von Daniel Preisler, um 1650) – fächern zeitgenössische künstlerische Positionen die vielfältigen Aspekte des Themas auf. Basieren etwa Jeremy Shaws fluoreszierende UVPrints auf 3D-Bildgebungsverfahren, die in der Diagnostik angewendet werden, um degenerative Veränderungen des Gehirns im Alter sichtbar zu machen, nimmt uns Sybille Fendt in ihrer sehr intimen Fotoserie mit auf die letzte Reise eines Ehepaares nach einer Demenz- Diagnose.

Installationsansicht 2
(Sibylle Fendt: „Gärtners Reise“, eres/colliders „On and On and On“)
Foto: ERES-Stiftung, Thomas Dashuber

Die US-Amerikanerin Taryn Simon wagt sich für ihre Fotoarbeit in das umstrittene Cryonics Institute Michigan, wo Gefrier-Dienstleistungen für Menschen und Tiere angeboten werden, um womöglich eines Tages den Tod zu überwinden. Zeichnungen von künstlichen Gliedmaßen des Erfinders Albrecht Ludwig Berbl inger aus dem frühen 19. Jahrhundert treffen auf die altmeisterlich anmutenden Gemälde von Schnürungen und Prothesen der 1984 geborenen Künstlerin Mona Ardeleanu. Karl Lagerfeld visioniert das Altern seiner beiden Models in Anlehnung an Oscar Wildes Dorian Gray in einer verstörend schönen Fotoserie. Die fast hundertjährige Bildhauerin Louise Bourgeois hingegen steht vor der Kamera von Alex van Gelder selbstbewusst zu ihrem Alter,

Schauspielerin Helen Mirren gewährt mit 65 Jahren Jürgen Teller einen Blick auf ihren reifen, ungeschminkten Körper in der Badewanne. Besuchern bietet sich die Gelegenheit, an einem Coaching durch Marina Abramovi? teilzunehmen und sich selbst zu optimieren, im digitalen Schlaflabor der Italienerin Elisa Giardina Papa Techniken zur Perfektionierung des Egos und gedanklich die hintersinnige Kletterwand-Installation „Up! Up!! Up!!!“ von Stefan Panhans zu erklimmen.

Vorträge

Donnerstag, 14. Jul i 2022, 19 Uhr
Können wir das Altern abschaffen?
Prof. Dr. Christoph Englert
Forschungsgruppe Molekulare Genetik am Leibniz-Institut für Alternsforschung, Fritz-Lipmann-Institut e.V. (FLI), Jena

Montag, 18. Jul i 2022, 19 Uhr
Schöner neuer Mensch. Ist künftiges Leben nicht mehr an die Biologie des Körpers gebunden?
Prof. Dr. Stefan Lorenz Sorgner
Chair of the Department of History and Humanities, John Cabot University, Rom

Donnerstag, 22. September 2022, 19 Uhr
Schlaue Roboter – Alter und Maschinenintelligenz
Prof. Dr. Sami Haddadin
Direktor des Munich Institute of Robotics and Machine Intelligence (MIRMI), Inhaber des Lehrstuhls für Robotik und Systemintelligenz an der TU München

Donnerstag, 13. Oktober 2022, 19 Uhr

Gibt es ein Unsterblichkeits-Gen?
Prof. Dr. Dr. h.c. Thomas Bosch
Zell- und Entwicklungsbiologe, Direktor des Zoologischen Instituts der Christian-Albrechts-Universität zu Kiel

Mittwoch, 26. Oktober 2022, 19 Uhr

So können wir unsere Gene steuern: Die Chancen der Epigenetik für ein langes, gesundes Leben (in englischer Sprache)
Prof. Dr. Isabelle Mansuy
Departement Gesundheitswissenschaften und Technologie, Institut für Neurowissenschaften, ETH Zürich

Eres-Stiftung, Römer Straße 15, München

 "Mutter und Vater Aydin mit Bayram und Mustafa", Essen-Altendorf, 2. Juli 1977
Copyright: Fotoarchiv Ruhr Museum; Foto: Henning Christoph

Die Ausstellung mit Fotografien von Henning Christoph , geboren 1944 in Grimme bei Leipzig, mehrfacher World Press Photo-Preisträger, zeigt die Zeit von Ende der 1970er bis Ende der 1980er Jahre, also die Phase, in der sich viele der ehemaligen türkischen „Gastarbeiter*innen“ entschieden, in Deutschland zu bleiben, ihre Familienangehörigen nachzuholen oder eine Familie zu gründen und hier eine neue Heimat zu finden. 

„Abfahrt in die Heimat am Röntgenplatz“ Essen-Altendorf, um 1978
Copyright: Fotoarchiv Ruhr Museum; Foto: Henning Christoph

Ölringen: Begrüßungsritual, Hannover, Juni 1982
Copyright: Fotoarchiv Ruhr Museum; Foto: Henning Christoph

 Das Anwerbeabkommen zwischen Deutschland und der Türkei, das am 30. Oktober 1961 geschlossen wurde, war ein einschneidendes Ereignis in der wirtschaftlichen, vor allem aber in der gesellschaftlichen Entwicklung der Bundesrepublik Deutschland. Es war nicht das erste Abkommen, ihm gingen ähnliche voraus und ihm folgten weitere. Aber das Anwerbeabkommen mit der Türkei war sicherlich das wichtigste, denn dadurch gelangten mit Abstand die meisten Menschen in die Bundesrepublik und die türkeistämmige ist heute noch die größte Migrationsgruppe in Deutschland.

Fatma und Seyfi beim Ernten von Mais auf einem unbebauten Nachbargrundstück,
Essen-Frohnhausen, um 1978
Copyright: Fotoarchiv Ruhr Museum; Foto: Henning Christoph

Trocknen von Schafwolle auf einem Hinterhof, Essen-Altendorf, um 1978
Copyright: Fotoarchiv Ruhr Museum; Foto: Henning Christoph

 Zugang zu den sozialen Aktivitäten der ersten Generation türkeistämmiger Arbeitsmigrant*innen in Essen und Umgebung erhielt Henning Christoph durch die Freundschaft mit den in seiner Nachbarschaft lebenden Familien Sakin und Aydin. „Ich war vielleicht der Erste, der wirklich in das türkische Leben eingetaucht ist. [...] Ich bin in dieses Thema reingestolpert [...] und habe gespürt, das ist ein gutes Thema. Und wenn ich ein Thema gefunden habe, das mich wirklich interessiert, bleibe ich jahrelang dran“, erläutert der Fotograf Henning Christoph. 

Filiz und Mehmet Süer in ihrer gemeinsamen Wohnung, Lüdenscheid, Februar 1983
Copyright: Fotoarchiv Ruhr Museum; Foto: Henning Christoph

Eine Auswahl der besten Bilder erschien 1979 in der dreizehn Doppelseiten langen Reportage „Die deutschen Türken“ mit einem Text seiner damaligen Ehefrau, der Journalistin Shawn Christoph, in der Zeitschrift GEO. „Die deutschen Türken“ war die erste und umfangreichste Fotoreportage, die sich mit der türkei-stämmigen Arbeitsmigration auseinandersetzte. Aufgrund des gut recherchierten Textes von Shawn Christoph und den tiefe Einblicke gewährenden Fotografien Henning Christophs ist die Reportage, für die eineinhalb Jahre Recherche- und Produktionszeit zur Verfügung stand, bis heute eine sozial- und fotogeschichtlich einmalige und bedeutsame Quelle. Diese legendäre Reportage wird vollständig mit rund 150 Fotografien in Farbe und Schwarzweiß in der Ausstellung gezeigt. 

Schaufenster eines deutschen Fotografen,
der sich auf seine überwiegend türkische Kundschaft eingestellt hat Berlin, September 1980
Copyright: Fotoarchiv Ruhr Museum; Foto: Henning Christoph

Viele der türkeistämmigen Arbeiter*innen waren aufgrund besserer Verdienstchancen nach Deutschland gekommen. Die meisten planten eine Rückkehr mit dem in Deutschland angesparten Geld, um sich in der Türkei ihren Traum zu erfüllen,  so wie der 1962 nach Deutschland gekommene Mustafa Aydin (1926 – 1997). Ursprünglich plante er in die USA zu gehen, lernte deshalb Englisch, wurde dann aber nach einigen Umwegen in der Türkei von dem Bauunternehmen Heitkamp aus Herne angeworben und eingestellt. In Deutschland wollte Mustafa nur solange bleiben, bis er ausreichend Geld verdient hatte, um sich in der Türkei ein Sägewerk zu kaufen. Diesen Traum hegte er lange; er manifestierte sich in dem Modell eines Sägewerks, das Aydin in seiner Freizeit baute. 

„Mustafas Traum“ hat sich jedoch nicht erfüllt. Er steht aber zugleich für die Hoffnungen, Träume, Wünsche und Sehnsüchte zahlreicher anderer Menschen, die sie bewogen hatten, ihre Heimat zu verlassen und ein neues Leben zu beginnen. Viele sind geblieben und haben bereits Kinder und Enkelkinder, die in Deutschland geboren sind. Oft pendeln sie zwischen den Ländern. 

Der studierte Ethnologe und Journalist Henning Christoph zog 1967 für sein Studium bei Professor Otto Steinert an der Folkwangschule für Gestaltung von Washington D.C. nach Essen, wo er bis heute lebt. Er arbeitete frei für internationa-le Agenturen, Zeitschriften und Zeitungen, gründete eine eigene Fotoagentur und widmet sich seit fünfzig Jahren, davon mehr als dreißig Jahren intensiv, der Doku-mentation unterschiedlicher Kulturen in Afrika und des Voodoo. Er hat zahlreiche Bücher mit seinen Fotografien herausgegeben; zum Thema „Migration“ ist bislang jedoch noch keine Monografie mit Henning Christophs Arbeiten veröffentlicht worden. 

Ruhr Museum in der Kohlenwäsche 21-Meter-Ebene UNESCO-Welterbe Zollverein Gelsenkirchener Str. 181 Essen