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Fotoausstellungen

01.12.2020 - 25.04.2021
Fotoausstellung Köln . Photographien aus der Sammlung Garnatz und der Photographischen Sammlung/SK Stiftung Kultur im Dialog zeigt die SK Stiftung Kultur der Sparkasse KölnBonn. Präsentiert werden Werke unter anderem von Bernd und Hilla Becher, Jürgen Klauke, Flores Neusüss und Thomas Struth. Voraussichtlich vom 1. Dezember 2020 bis 25. April 2021.
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Von Becher bis Blume
Fotoausstellung Köln . Photographien aus der Sammlung Garnatz und der Photographischen Sammlung/SK Stiftung Kultur im Dialog zeigt die SK Stiftung Kultur der Sparkasse KölnBonn. Präsentiert werden Werke unter anderem von Bernd und Hilla Becher, Jürgen Klauke, Flores Neusüss und Thomas Struth. Voraussichtlich vom 1. Dezember 2020 bis 25. April 2021.

SK 3_BerndundHillaBecher

Bernd und Hilla Becher: Charleroi-Montigny, B, 1984
© Estate Bernd & Hilla Becher, vertreten durch Max Becher,
courtesy Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur – Bernd und Hilla Becher Archiv, Köln, 2020

 

Die Ausstellung „Von Becher bis Blume“ gibt insbesondere Einblick in die einflussreich wirkende Photographie der 1980er- und 1990er-Jahre, eine Zeit, in der innovative und bis heute bedeutende Bildwerke und Konzepte entstanden sind. Eine zentrale Rolle kommt dabei dem Rheinland zu, mit zahlreich ansässigen Künstlern, Museen und Galerien. Das Sammlerpaar Ute und Eberhard Garnatz war Teil dieses äußerst lebendigen Geschehens, bereits in den 1970er-Jahren haben sie begonnen, ihrer Sammeltätigkeit engagiert nachzugehen.

 

SK 1_Klauke_fliegende_huete

Jürgen Klauke: Ohne Titel (Fliegende Hüte), aus: Sonntagsneurosen, 1990-92
© Jürgen Klauke

 

SK 15_Neusuess

Floris Neusüss: Neusüss verlässt den Schatten, Kassel, 1976
© Floris Neusüss

 

Neben einer großen Kollektion von Gemälden, Skulpturen und Graphiken entwickelten sie eine eigenwillige und beachtlich facettenreiche Sammlung von Photographien, die teils bis in die 1950er-Jahre zurückreichen, vor allem aber photographische Arbeiten umfasst, die seit den 1980ern bis in die 2000er-Jahre entstanden. In jenem Jahrzehnt trat die Photographie mehr und mehr in den Kosmos der bildenden Künste ein. Beharrlich eroberte sich das Medium mit und neben den tradierten Genres einen eigenständigen Platz. Und auch dies verfolgten die Sammler mit aufmerksamem Blick: Ganz auf der Höhe der Zeit, richteten sie ihr Augenmerk auf Kunstschaffende, für die das photographische Bild Grundlage und die Kamera als technisches Werkzeug im künstlerischen Tagesgeschehen eine Selbstverständlichkeit darstellte.

 

SK 22_StruthJPG

Thomas Struth: Rijksmuseum Amsterdam 1, 1990
© Thomas Struth

 

SK 4_Chargesheimer

Chargesheimer: Ohne Titel (Konfetti streuendes Mädchen), um 1956/57
© Museum Ludwig Köln

 

Es wären zum einen jene zu nennen, die das die das dokumentarische Bild zum Ausgangspunkt ihrer künstlerischen Konzepte gewählt haben; andererseits jene, die sich, weit weniger der Wirklichkeitstreue des Mediums verpflichtet, in experimentelle Gefilde begeben; und auch solche, die die Gegenstandswelt konterkarieren oder inszenieren respektive sich vorzugsweise die chemische Qualität des photographischen Prozesses zunutze machen, um so zu Bildwerken malerischer Formensprache zu gelangen.

 

SK 2_Becker

Boris Becker: Zeebrugge, 2003
© VG Bild-Kunst, Bonn 2020

 

Für die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur eröffnet sich mit dieser Präsentation die Möglichkeit, photographische Positionen der Sammlung Garnatz mit den eigenen in einen Dialog zu setzen. Einen gemeinsamen Nenner finden die beiden Sammlungen insbesondere in den Arbeiten von Bernd und Hilla Becher, Werke etwa von Boris Becker, Candida Höfer, Thomas Ruff und Thomas Struth bilden ebenfalls Korrespondenzen zwischen beiden Sammlungen. Darüber hinaus werden rare inszenatorische und experimentelle Arbeiten kontextualisiert. Sie treten solchen gegenüber, die an der Schnittstelle von Photographie und Malerei verortbar sind. So realitätsbezogen sich das Medium vorgibt, es begeistert durch die Bandbreite seiner Möglichkeiten, die graduell verschieden ins Abstrakte und Poetische reichen.

 

SK 3_Blume

Anna und Bernhard Blume: aus: Telekinetisch hysterische Szene (aus der Serie Trautes Heim“), 1986/87
© VG Bild-Kunst, Bonn 2020

 

 

So bietet Von Becher bis Blume ein weites und auch sehr abwechslungsreiches Spektrum unterschiedlicher Auffassungen, die sich so kontrastreich widersprüchlich wie erfrischend ungezwungen begegnen. Gezeigt werden über 150 Exponate, teils umfangreiche serielle Arbeiten von 22 Künstlerinnen und Künstlern, die die jüngere deutsche Photographie durch innovative Beiträge wesentlich geformt und nach wie vor großen Einfluss auf das künstlerische Medium haben.

Begleitend zur Ausstellung erscheint ein Katalogbuch im Snoeck Verlag.

 

SK Stiftung Kultur der Sparkasse KölnBonn Im Mediapark 7, Köln

 

 

 

 

 

28.11.2020 - 05.04.2021
Fotoausstellung Münster . Die weltbesten Naturfotografien des internationalen Wettbewerbs "Wildlife Photographen of the Year" sind zum neunten Mal im Westfälischen Pferdemuseum Münster zu sehen. Alle 100 ausgezeichneten Fotos werden als erstes Museum in Deutschland dort präsentiert. Anschließend gehen die Bilder als Wanderausstellung auf große Welttournee. 28.11.2020 bis 5.4.2021
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Wildlife Photographer of the Year
Fotoausstellung Münster . Die weltbesten Naturfotografien des internationalen Wettbewerbs "Wildlife Photographen of the Year" sind zum neunten Mal im Westfälischen Pferdemuseum Münster zu sehen. Alle 100 ausgezeichneten Fotos werden als erstes Museum in Deutschland dort präsentiert. Anschließend gehen die Bilder als Wanderausstellung auf große Welttournee. 28.11.2020 bis 5.4.2021

Wild © Matthew Maran, Wildlife Photographer of the Year 2020

© Matthew Maran, Wildlife Photographer of the Year 2020

 

Jedes Jahr zeichnet das Londoner Natural History Museum in einem internationalen Wettbewerb die besten Naturfotografien aus. Der Titel „Wildlife Photographer of the Year“ gilt als einer der wichtigsten und begehrtesten Preise für Naturfotografen. Seit seiner Premiere im Jahr 1964 verfolgt der Wettbewerb das Ziel, ein Bewusstsein für die Schönheit der Welt zu schaffen. Gleichzeitig sind die preisgekrönten Fotos ein eindringlicher Appell, verantwortungsvoll mit der Natur und ihren Lebewesen umzugehen.

 

Wild © Arshdeep Singh, Wildlife Photographer of the Year 2020

© Arshdeep Singh, Wildlife Photographer of the Year 2020

 

An dem diesjährigen Wettbewerb beteiligten sich Fotografen aus 86 Ländern mit fast 50.000 Aufnahmen: Von Pflanzenporträts, Unterwasserwelten über Tierfotografien bis hin zu Luftaufnahmen – die Bandbreite der eingereichten Bilder ist groß und deckt alle Aspekte der Natur ab. Eine Jury aus internationalen Experten wählt daraus die 100 besten Motive aus, die anschließend als Wanderausstellung auf große Welttournee gehen. 

 

Wild © Hannah Vijayan, Wildlife Photographer of the Year 2020

© Hannah Vijayan, Wildlife Photographer of the Year 2020

 

Die offizielle Bekanntgabe der Gewinner findet erst Mitte Oktober in London statt, doch schon jetzt gibt es einen ersten Vorschmack auf die diesjährige Ausstellung. So gehört zu den Preisträgern das seltene Porträt eines Rotschenkligen Kleideraffen, aufgenommen von dem jungen indischen Naturfotografen Arshdeep Singh. Der ausschließlich in Vietnam, Laos und Kambodscha vorkommende Langur ist durch den Verlust des Lebensraums, durch Bejagung und durch den Tierhandel bedroht. Er lebt hauptsächlich in den Kronen der Bäume – was es schwierig macht, ihn zu fotografieren. Doch Arshdeep hatte Glück und ihm gelang diese unvergessliche Aufnahme, als der Langur ihn für eine Sekunde ansah.

Ausgezeichnet wird auch der britische Fotograf Matthew Maran, der den Streit von vier jungen Rotfüchsen um ihre Beute, eine Wanderratte, mit seiner Kamera festhielt. Die Jagd steht auch beim Foto der jungen Kanadierin Hannah Vijayan im Fokus, die genau in dem Moment auf den Auslöser drückte, als ein Grizzlybär im Katmai National Park and Preserve in Alaska einen Lachs aus einem Fluss zieht. Es war genau die Komposition, auf die Hannah gewartet hatte – der Bär spiegelt sich mit seinem Fang vollständig im Wasser.

 

Die weiteren Siegerfotos werden am 13. Oktober 2020 bei der offiziellen Preisverleihung im Natural History Museum vorgestellt, in diesem Jahr zum ersten Mal nur virtuell. Ab dem 28. November 2020 sind dann die 100 „Wildlife Fotografien des Jahres“ in einer Ausstellung im Westfälischen Pferdemuseum im Allwetterzoo Münster zu bewundern.

 

12.11.2020 - 14.12.2020
Fotoausstellungen Berlin . Für vier Wochen präsentiert das Haus am Kleistpark Fotografien der Künstlerin Kathrin Linkersdorff an Plakatwänden an der Ecke Potsdamer Straße/Alvenslebenstraße. Die Motive auf den drei Plakatwänden wechseln alle zehn Tage. Die Open-Air-Ausstellung wird im Rahmen des Projektes „Draußenstadt“ der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa realisiert, mit dem in Pandemiezeiten Kunstprojekte im Stadtraum gefördert werden. 12.11. bis 14.12.2020
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Kathrin Linkersdorff - Open-Air Ausstellung
Fotoausstellungen Berlin . Für vier Wochen präsentiert das Haus am Kleistpark Fotografien der Künstlerin Kathrin Linkersdorff an Plakatwänden an der Ecke Potsdamer Straße/Alvenslebenstraße. Die Motive auf den drei Plakatwänden wechseln alle zehn Tage. Die Open-Air-Ausstellung wird im Rahmen des Projektes „Draußenstadt“ der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa realisiert, mit dem in Pandemiezeiten Kunstprojekte im Stadtraum gefördert werden. 12.11. bis 14.12.2020

Haus © Kathrin Linkersdorff, Fairies II _ 1

© Kathrin Linkersdorff
Fairies II/1

 

Kathrin Linkersdorff geht es in ihren Fotografien von Pflanzen darum, das Wesen von Objekten zu ergründen. In der westlichen Welt ist der Mensch bestrebt, die Natur zu dominieren. Flüsse werden begradigt, Straßen folgen Rastern – das Verständnis von Schönheit ist das Ergebnis von Kontrolle. Linkersdorff hingegen ist von der japanischen Philosophie des Wabi-Sabi geprägt, die die Schönheit von Unvollkommenheit und Unvollständigkeit preist.

 

Haus © Kathrin Linkersdorff, Fairies I _ 3

© Kathrin Linkersdorff
Fairies I/3

 

Haus © Kathrin Linkersdorff, Wabi Sabi I_5

© Kathrin Linkersdorff
Wabi Sabi I/5

 

Im präzise inszenierten Moment ihrer Fotografie wird das schwindende Moment von Vergänglichkeit in seiner vollen Schönheit eingefroren und verweist gleichzeitig auf Strukturen, die unter der Oberfläche existieren. In ihrer bestechenden Klarheit erinnern ihre Arbeiten an die Pflanzenfotografien von Karl Blossfeldt und in ihrer Ästhetik an die Bilder von Edward Weston.

 

Haus © Kathrin Linkersdorff, Fairies II _ 6

© Kathrin Linkersdorff
Fairies II/6

 

Kommt man in das Atelier von Kathrin Linkersdorff, würde man nicht denken, es sei der Arbeitsraum einer Fotografin. Sich stapelnde Pappkisten bergen ein Archiv von trocknenden Pflanzen. Der Beginn ihrer Arbeit ist ein langwieriges und mühevolles Behandeln stets fragiler werdender Blumen. Über Monate werden sie aufgehängt, gedreht, entstaubt und wieder gewendet – um in erdachten Formen fragil zu erstarren.

Das Wesen ihrer Arbeitsweise ist ein analoges. Lange hat sie auf Filmmaterial mit einer Hasselblad fotografiert und noch heute arbeitet Linkersdorff ausschließlich mit gezielt eingesetztem Tageslicht. Im anschließenden Zusammenspiel mit dem aufwendigen Prozess der weiteren Verarbeitung und einem fein justierten Druck findet das Bild seinen vollkommenen Ausdruck und vermag den beseelten Moment der Aufnahme widerzuspiegeln.

Kathrin Linkersdorff (*1966) ist eine der vielversprechendsten fotografischen Entdeckungen der letzten Jahre in Deutschland. Sie begann ihre Karriere als Architektin, wesentlichen Einfluss hatte ein mehrjähriger Arbeitsaufenthalt in Japan. Seit 2012 arbeitet sie erfolgreich als freie Künstlerin in Berlin.

 

Open-Air-Veranstaltungsort, Plakatwände, Potsdamer Str. 149, Höhe Alvenslebenstraße, Berlin

 

Haus am Kleistpark, Grunewaldstraße 6/7, Berlin

07.11.2020 - 04.04.2021
Ausstellung Hamburg . Die Deichtorhallen zeigen auf vier Stockwerken der Sammlung Falckenberg die bisher größte Einzelausstellung der Künstlerin Katharina Sieverding. Die Ausstellung FOTOGRAFIEN, PROJEKTIONEN, INSTALLATIONEN legt einen besonderen Fokus auf die ungebrochen hohe Aktualität früherer Werke und das Interesse der Künstlerin installative Zugänge zum Medium Fotografie zu schaffen. 7.11.2020 bis 4.4.2021
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Katharina Sieverding - FOTOGRAFIEN, PROJEKTIONEN, INSTALLATIONEN
Ausstellung Hamburg . Die Deichtorhallen zeigen auf vier Stockwerken der Sammlung Falckenberg die bisher größte Einzelausstellung der Künstlerin Katharina Sieverding. Die Ausstellung FOTOGRAFIEN, PROJEKTIONEN, INSTALLATIONEN legt einen besonderen Fokus auf die ungebrochen hohe Aktualität früherer Werke und das Interesse der Künstlerin installative Zugänge zum Medium Fotografie zu schaffen. 7.11.2020 bis 4.4.2021

Deich 04_1993_KS_DEUTSCHLAND-WIRD-DEUTSCHER_XLI-92_1992_Berlin

Katharina Sieverding: DEUTSCHLAND WIRD DEUTSCHER XLI-92, 1992
Fünffarben-Offsetdruck
252 x 356 cm
Plakatierung in Berlin vom 30. April bis 12. Mai 1993
Copyright: © Katharina Sieverding, VG Bild-Kunst, Bonn 2020. Foto: © Uwe Walter

 

Rund 120 Arbeiten spannen einen Bogen durch alle Werkphasen der Künstlerin: Von den frühen großformatigen Fotografie-Montagen der 1960er-Jahre über die bildgewaltigen Selbstporträt-Serien und filmischen Werke der 1970er bis 1990er-Jahre bis hin zu gegenwärtigen Produktionen. Diese umfassen auch neue, bisher ungezeigte Arbeiten wie den dokumentarischen Film Metroboards über Sieverdings Kunst im öffentlichen Raum sowie das Werk Gefechtspause, das sich mit dem Lockdown während der Corona-Krise beschäftigt. 

 

Deich 02_1978_KS_XI-1978_SCHLACHTFELD-DEUTSCHLAND

Katharina Sieverding: XI/78, SCHLACHTFELD DEUTSCHLAND, 1978
C-Print, Acryl, Stahlrahmen
300 x 375 cm
Copyright: © Katharina Sieverding, VG Bild-Kunst, Bonn 2020.
Foto: © Klaus Mettig, VG Bild-Kunst, Bonn 2020

 

Seit mehr als fünf Jahrzehnten gehört Katharina Sieverding (geb. 1944 in Prag) zu den Pionieren, die früh die vielfältigen Ausdrucksmöglichkeiten von Fotografie erkannt haben und das Medium fortwährend inhaltlich und formal erweitern. Im Mittelpunkt ihrer Arbeiten stehen Transformations- und Präsentationsvorgänge, Fragen nach Identität, Gender und Race. Bekannt geworden ist Sieverding durch die Konsequenz, mit der sie filmisch und fotografisch ihr zum Teil extrem vergrößertes und auf vielfältige Weise manipuliertes Porträt seit den 1960er-Jahren einsetzt. Ab den 1970er-Jahren erarbeitet sie großformatige Montagen zu den gesellschaftlichen Fragen der Zeit, sei es zur atomaren Bedrohung durch den Kalten Krieg, zur RAF, zu weltpolitischen Krisen und zwischenmenschlichen Beziehungen, zur Verarbeitung des Nationalsozialismus und zur aktuellen Corona-Krise. Dabei hinterfragt sie die beschleunigten Bildprozesse der Gegenwart kritisch im Sinne einer Verantwortung auch sich selbst gegenüber.

 

Deich 03_1992_KS_KONTINENTALKERN-XXVIII-87_Reichstag_Berlin

Katharina Sieverding: XXVIII/87, KONTINENTALKERN VI, 1987
C-Print, Acryl, Stahl
480 x 635 cm
Installationsansicht: Gedenkstätte im Reichstagsgebäude in Berlin zum Andenken an die ermordeten und verfolgten Mitglieder des Reichtages der Weimarer Republik, Deutscher Bundestag, Berlin 1992
Copyright: © Katharina Sieverding, VG Bild-Kunst, Bonn 2020. Foto: © Klaus Mettig, VG Bild-Kunst, Bonn 2020



Zu ihren bekanntesten Arbeiten zählen die 1978 entstandene Fotoarbeit Schlachtfeld Deutschland, ein Statement zur RAF-Zeit, und 1993 die Berliner Plakataktion Deutschland wird deutscher, mit der Sieverding auf die rechtsradikalen Übergriffe nach dem Mauerfall reagierte. Kurz zuvor realisierte die Künstlerin im Reichstagsgebäude die Gedenkstätte für die verfolgten Reichstagsabgeordneten der Weimarer Republik.

 

Deich 01_1969_KS_06-F-XXI-XXII_A-B_1969

Katharina Sieverding: MATON SOLARISATION F-XXI/XXII A/B, 1969
C-Print, Acryl, Stahl
je 190 x 125 cm
© Katharina Sieverding, VG Bild-Kunst, Bonn 2020
Foto: © Klaus Mettig, VG Bild-Kunst, Bonn 2020
Copyright: © Katharina Sieverding, VG Bild-Kunst, Bonn 2020

 

 

Katharina Sieverding studierte 1963/64 an der Hochschule für bildende Künste Hamburg, von 1964 bis 1967 ist sie in der Klasse von Teo Otto an der Kunstakademie Düsseldorf. In dieser Zeit war sie an mehreren Theaterproduktionen als Bühnenbildnerin beteiligt, darunter im Deutschen Schauspielhaus Hamburg, am Burgtheater Wien, im Düsseldorfer Schauspielhaus und an der Deutschen Oper Berlin. 1967 wechselte Sieverding an der Kunstakademie Düsseldorf in die Klasse von Joseph Beuys. Es folgten Reisen und Vorträge über ihre Arbeit u.a. in die USA, nach Kanada, in die Volksrepublik China und in die Sowjetunion. Von 1990 bis 1992 war sie Gastprofessorin an der Hochschule für bildende Künste Hamburg, anschließend Professorin an der Universität der Künste Berlin. Weitere Gastprofessuren am Center for Contemporary Art Kitakyushu in Japan, der Internationalen Sommerakademie in Salzburg sowie an der China Academy of Art in Hangzhou. Ihre Arbeiten wurden in 820 Gruppen- und 150 Einzelausstellungen gezeigt und sind in zahlreichen renommierten Sammlungen vertreten, u.a. im Museum of Modern Art, New York, im San Francisco Museum of Modern Art, im Stedelijk Museum, Amsterdam, in der Nationalgalerie, Berlin, im Museum Folkwang, Essen, und in der Kunstsammlung NRW, Düsseldorf.
 
Sieverding erhielt bereits 1967 den Ernst-Poensgen-Preis in Düsseldorf, hinzu kamen zahlreiche weitere Auszeichnungen und Stipendien, darunter der Förderpreis des Landes Nordrhein-Westfalen (1975), der Förderpreis des BDI (1979), das Karl Schmidt-Rottluff-Stipendium (1980–1982), der Deutsche Kritikerpreis (1994), der Lovis Corinth-Preis (1996), der Kaiserring der Stadt Goslar (2004) und der Käthe-Kollwitz-Preis (2017).

 

 

06.11.2020 - 30.01.2021
Fotoausstellung Stuttgart . Die Fotografin Tina Trumpp spielt in die erste Liga der Aktfotografie. Jetzt zeigt die Leica Galerie in Stuttgart neue Werke von Tina Trumpp unter dem Titel "Verführungen" vor.Die Einzelausstellung „Verführungen“ lädt Besucher ein, die weiblich erotische Perspektive in der Aktfotografie einzunehmen. Vom 6. November 2020 bis 30. Januar 2021
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Tina Trumpp - Verführungen
Fotoausstellung Stuttgart . Die Fotografin Tina Trumpp spielt in die erste Liga der Aktfotografie. Jetzt zeigt die Leica Galerie in Stuttgart neue Werke von Tina Trumpp unter dem Titel "Verführungen" vor.Die Einzelausstellung „Verführungen“ lädt Besucher ein, die weiblich erotische Perspektive in der Aktfotografie einzunehmen. Vom 6. November 2020 bis 30. Januar 2021

TT Portrait Of A Lady © Tina Trumpp_Leica Galerie Stuttgart

 

Als eine der wenigen Frauen auf dem Gebiet der Aktfotografie hat Tina Trumpp einen persönlichen Stil geschaffen, bei dem weiblicher Akt mehr als nur ein Motiv ist. Ihre Bilder sind eine Ode an die Frau und ihre sensible Schönheit. Trumpps verführerische Bilder lösen zum einen sinnliche Erzählungen aus, erinnern aber auch zugleich an wundervolle Bildwelten der großen Renaissance Maler. Auf ihre ganz eigene Art und Weise nimmt sie den Betrachter mit auf eine erotisch sinnliche Reise durch ihr Portfolio - getragen von weiblich romantischen Emotionen und Empfindungen. Die Gegenwart wird überblendet mit Fantasien und Traumbildern des Betrachters von Weiblichkeit und Erotik - nicht als oberflächliche Pin-up Darstellung, sondern eintauchend in die Bildwelten des weiblichen Körpers in der Malerei.

 

TT Apres Un Reve © Tina Trumpp_Leica Galerie Stuttgart

 

 

TT La Comtesse © Tina Trumpp_Leica Galerie Stuttgart

 

TT You Stepped Out Of A Dream © Tina Trumpp_Leica Galerie Stuttgart

 

 

 

Die Aufnahmen von Tina Trumpp sind voll klassischer Eleganz und atemberaubender Schönheit, ihre unverwechselbare Bildsprache, ob in Farbe oder Schwarzweiß, machen diese Aufnahmen einzigartig in der zeitgenössischen Aktfotografie. Weitere Informationen unter www.tinatrumpp.com.

 

01.11.2020 - 31.01.2021
Fotoausstellung München . In dem Ende Oktober eröffneten Leica Store wird als erste Ausstellung Bryan Adams „Exposed“ präsentiert. So kann man bei einem Besuch des 80 qm großen Shops in der Münchner Innenstadt nicht nur das aktuelle Produktportfolio aus dem Kamera- und Sportoptik-Sortiment, ein vielfältiges Angebot an Fachliteratur sowie Leica Accessoires bewundern, sondern auch in dem Galerie Teil die Werke von Bryan Adams genießen. Die Ausstellung läuft bis 31. Januar 2021
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Bryan Adams - Exposed
Fotoausstellung München . In dem Ende Oktober eröffneten Leica Store wird als erste Ausstellung Bryan Adams „Exposed“ präsentiert. So kann man bei einem Besuch des 80 qm großen Shops in der Münchner Innenstadt nicht nur das aktuelle Produktportfolio aus dem Kamera- und Sportoptik-Sortiment, ein vielfältiges Angebot an Fachliteratur sowie Leica Accessoires bewundern, sondern auch in dem Galerie Teil die Werke von Bryan Adams genießen. Die Ausstellung läuft bis 31. Januar 2021

Leica Sir Mick Jagger, Green Shirt, New York 2008 © Bryan Adams

Sir Mick Jagger, Green Shirt, New York 2008
© Bryan Adams

 

In den vergangenen Jahrzehnten hat sich der Musiker und Komponist Bryan Adams einen Weltruf als Fotograf erarbeitet. Elegante Studioaufnahmen wechseln sich mit exzentrischen Portraits ab, intime Momente mit Augenblicken im Rampenlicht.

Es sind Shootings auf Augenhöhe: Wenn Bryan Adams Freunde und Kollegen fotografiert, dann kommt er seinem jeweiligen Gegenüber immer ganz nahe. Er nimmt sich Zeit, findet das richtige Ambiente, sucht die passende Pose, um einen Blick hinter die Maske der Prominenten zu werfen, ohne sie bloßzustellen. Ob Amy Winehouse oder Mick Jagger, Danny Trejo oder Sir Ben Kingsley, Kate Moss oder HM, The Queen: Sie alle haben sich offenbar vor der Kamera des Fotografen sehr wohlgefühlt. Vielleicht lässt sich das besondere Vertrauensverhältnis am einfachsten dadurch erklären, dass er es selber nur allzu gut kennt, im Blitzlichtgewitter zu stehen. Kein Wunder also, dass die Stars es lieben, von ihm fotografiert zu werden, fühlen sie sich doch verstanden und können sich vor seiner Kamera öffnen. Adams versteht es brillant, mit vielen Klischees der Promi-Fotografie zu spielen, wenn er die Stars in ironisch-komischen Situationen festhält, doch ebenso findet er auch die stillen, intimen Momente. Der Fotograf beherrscht einfach alle Mittel der Darstellung, von der klassischen Studiofotografie bis hin zur spontanen Momentaufnahme.

 

Leica Sir Ben Kingsley, London 2010 © Bryan Adams

Sir Ben Kingsley, London 2010 © Bryan Adams

 

Seit den neunziger Jahren hat Adams eine rasante Fotografen-Karriere hingelegt, parallel zu seinen Erfolgen als Sänger, Songwriter und Produzent. Was bereits im Teenager-Alter begann, hat ihm längst Auszeichnungen und Ausstellungen beschert. Und so enthüllen die Aufnahmen nicht nur berühmte Zeitgenossen in packenden Portraits und manchmal überraschenden Facetten, sondern vor allem auch die Qualität des Bildautoren selbst. Seine Motive geben Einblick in den einvernehmlichen Dialog zwischen dem Fotografen und den Portraitierten. So wie Fotografien stets nur die Oberfläche als zweidimensionale Ebene abbilden können, haben sie aber durchaus die Fähigkeit, beim Betrachter vielschichtige Assoziationen und Gedanken auszulösen, die weit über das scheinbar Offensichtliche hinausgehen. Nur so entstehen Portraits, die nicht nur auffallen, sondern auch nachwirken.

 

Bryan Adams wurde 1959 in Ontario, Kanada, geboren. Er hat für Magazine wie Interview, i-D, Harper’s Bazaar sowie die britische und deutsche Vogue fotografiert und gründete 2003 das Zoo Magazine. Bryan Adams wurde zweimal mit dem Deutschen Lead Award für seine Serien mit Fotografien von Mickey Rourke und Daphne Guinness ausgezeichnet. Der Bildband „Exposed“ erschien erstmals 2012 im Steidl Verlag. Seine Fotografien wurden mittlerweile weltweit präsentiert.

 

Besucher des neuen Leica Stores und Galerie München in der Maffeistraße 4 erleben die Faszination der Leica Welt erstmals in einem neuen Design-Konzept. Für das überarbeitete Ambiente zeichnen sich die Münchner Designer Holzrausch in Zusammenarbeit mit dem Office Heinzelmann Ayadi (OHA) verantwortlich und präsentieren damit einen Paradigmenwechsel im Leica Store-Design. Natürliche Oberflächen aus nachhaltigem Holz in warmen Tönen verleihen dem neuen Leica Store mit Galerie eine ruhige, sich zurücknehmende Atmosphäre, die zum Verweilen einlädt.

 

Der Leica Store und Galerie München sind von Montag bis Samstag von 10.00 bis 19.00 Uhr geöffnet. Der Eintritt ist frei. Die Fotografien der Ausstellung können käuflich erworben werden.

 

31.10.2020 - 19.12.2020
Fotoausstellung Köln . Straßenlandschaften, Porträts und Architekturbilder von New York und Paris gehörten zu den Motiven mit denen der amerikanische Fotograf Louis Stettner bekannt wurde. Einen Abschnitt seines Werkes zeigt die infocusgalerie von Burkhard Arnold. 31.10.2020 bis 19. Dezember 2020
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Louis Stettner - Early Works
Fotoausstellung Köln . Straßenlandschaften, Porträts und Architekturbilder von New York und Paris gehörten zu den Motiven mit denen der amerikanische Fotograf Louis Stettner bekannt wurde. Einen Abschnitt seines Werkes zeigt die infocusgalerie von Burkhard Arnold. 31.10.2020 bis 19. Dezember 2020

Louis-Stettner_Newspaper-Reader-in-Train_Penn-Station_New-York_1958

Louis Stettner
Newspaper Reader in Train Penn-Station New-York,1958

 

“Was für ein Leben – zwischen Fotografie und bildender Kunst, Plastik und Tafelmalerei, Frankreich und Amerika. Ein Leben zwischen Ländern und Kulturen, Sprachen und Befindlichkeiten. Nicht dass sich Louis Stettner nicht hätte entscheiden können. Aber er brauchte wohl dieses Oszillieren zwischen den Kontinenten, den Städten und Disziplinen, um immer wieder neu den großen Fragen des Lebens nachstellen zu können. »Being a photographer«, hatte er einmal gesagt, »means perpetual discovery.« 1922 geboren, 2016 gestorben hat Stettner praktisch das gesamte 20. Jahrhundert durchmessen. (…) so Hans-Michael Koetzle, freier Schriftsteller, Fotohistoriker und Kurator, zu Louis Stettner

Letztlich waren es zwei Pole, die Stettner prägten und zwischen denen die eigene Kamerakunst vermittelt: Zum einen der linke Humanismus der von Grossman initiierten Photo League, zum anderen der am Formalen interessierte Ansatz eines Brodovitch. »Form cannot really exist without content«, brachte es Stettner auf den Punkt. Umgekehrt ist Inhalt ohne ein Ringen um die Form zumindest keine Kunst. In Stettners Werk gelangen beide Aspekte auf überzeugende Weise zur Deckung: Das tief empfundene Interesse am Menschen und ein wacher, bisweilen kühner, an der visuellen Überraschung interessierter, surrealistisch inspirierter Blick. Das gilt für sein  in New York entstandenes OEuvre ebenso wie für seine Auseinandersetzung mit Paris. (...) Hans-Michael Koetzle

 

Louis-Stettner_Manhattan-from-the-Brooklyn-Promenade_1954

Louis Stettner
Manhattan from the Brooklyn-Promenade, 1954

 

Louis-Stettner_Girl-playing-in-Circles_Penn-Station_New-York_1958

Louis Stettner
Girl playing in Circles, Penn-Station New-York, 1958

 

In Paris waren es Namen wie Doisneau, Boubat, Cartier-Bresson, die zu Freunden werden und ihn in seinem Weg bestätigten. Brassaï nicht zu vergessen, der nicht nur einen wunderbaren, einfühlsamen Text zu Stettners erstem Buch bzw. Mappenwerk – »10 Photographs« (1949) – beigesteuert hat. Er war auch Vorbild, Wegweiser, väterlicher Freund: »He was my master.« Nicht nur sei Paris eine große Inspiration gewesen, sagte Stettner, auch hätten ihm die Leute Gewissheit gegeben, »that I was doing something important.« Mode, Werbung, Journalismus: die Fotografie kann vieles sein, Auftrag und Selbstauftrag. Früh positionierte sich Stettner als unabhängiger Autor, als Street photographer, der sich wachen Auges den Offenbarungen des Alltags stellte. Paris wurde, wie er sagte, sein Outdoor-Studio und »la vie quotidienne« zu seinem großen Thema. In Frankreich war dies die hohe Zeit einer so genannten »Photographie humaniste«. Auch bei Stettner steht der Mensch, der kleine Mann im Mittelpunkt. Aber seine Bilder sind weniger anekdotisch, weniger offensichtlich, weniger an Geschichten als an Atmosphäre interessiert. Stettner suchte nicht Antworten, sondern stellte Fragen. Seine Bilder irritieren, präsentieren sich nicht selten als Geheimnis: Mysterien in Schwarzweiß, gestützt durch eine Lust am Experiment, die sich in mutigen Anschnitten, Unschärfen, Spiegelungen, in Dynamik, in Bewegung äußert oder einer Leere, die an Atget erinnert. (…) Hans-Michael Koetzle

 

Louis-Stettner_On-a-Dutch-Ferry_Holland_1958

Louis Stettner
On a Dutch-Ferry Holland, 1958

 

 

Louis-Stettner_On-Madison-Ave_New-York_1976

Louis Stettner
On Madison-Ave, New-York 1976

 

»Flaubert said, what he destested most in art is something that’s clever«, zitierte Stettner den großen Realisten, der neben Walt Whitman zu seinen »favorite poets«, seinen Lieblingsdichtern zählte. Stettners eigenes Werk ist alles andere als clever, vielmehr gut gesehen, tief empfunden, ehrlich und voller Überraschungen. »Art doesn’t work by pleasing other people«, definiert er selbst. »It’s by moving other people. Deeply.«

Auszüge aus einem Text von Hans-Michael Koetzle.

 

 

infocusgalerie, Hautstraße 114, Köln

 

 

 

31.10.2020 - 09.01.2021
Fotoausstellung Bad Homburg .Die Taunus Foto Galerie zeigt die Bilder von Margaret Soraya einer schottischen Landschaftsfotografin, die seit über zehn Jahren die Hebriden vor der Westküste Schottlands auf der Suche nach Abgeschiedenheit bereist. Vom 31.10.2020 bis 9.1.2021
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Margaret Soraya - STILLE
Fotoausstellung Bad Homburg .Die Taunus Foto Galerie zeigt die Bilder von Margaret Soraya einer schottischen Landschaftsfotografin, die seit über zehn Jahren die Hebriden vor der Westküste Schottlands auf der Suche nach Abgeschiedenheit bereist. Vom 31.10.2020 bis 9.1.2021

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Für Margaret Soray ist das Alleinsein bei ihrer Arbeit ein positiver Zustand der Einsamkeit, der ihr den kreativen Raum gibt, die unberührte Schönheit der zerklüfteten Küste und die schier endlosen Strände einzufangen. Margaret Soraya ist introvertiert und ihre künstlerische Interpretation der stürmischen See erinnert uns daran, dass Ruhe und Einsamkeit uns die Kraft gibt, durch die Kreativität gedeihen kann.

 

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Scarista-Sands-Study-2-Isle-of-Harris-Scotland-2017

 

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Seilebost-Colours-Study-2-Isle-of-Harris-Scotland-2019

 

 

Taunus Foto Galerie, Audenstr 6, Bad Homburg

30.10.2020 - 19.12.2020
Fotoausstellung München . Die in der Micheko Galerie gezeigte Ausstellung "Keita Sogaki - Hystorical Portraits" zeigt eine Serie, die auf dem Motiv der Porträts historischer Persönlichkeiten aus den verschiedensten Bereichen basiert. In dieser Reihe wird das Leben historischer Persönlichkeiten aus verschiedenen Perspektiven erforscht. Vom 30.10. bis 19.12 2020
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Keita Sagaki - Hystorical Portraits
Fotoausstellung München . Die in der Micheko Galerie gezeigte Ausstellung "Keita Sogaki - Hystorical Portraits" zeigt eine Serie, die auf dem Motiv der Porträts historischer Persönlichkeiten aus den verschiedensten Bereichen basiert. In dieser Reihe wird das Leben historischer Persönlichkeiten aus verschiedenen Perspektiven erforscht. Vom 30.10. bis 19.12 2020

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© Keita Sagaki, Hystorical Portraits No. 5 Audrey Hepburn, 2020 

 

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Alles, was wir in der Schule über diese berühmten Frauen und Männer gelernt haben, waren voreingenommene Darstellungen, die nur auf ihren Leistungen bzw. Schicksalen beruhen. Aber würden ihre Menschlichkeit und wahre Natur nicht in den Aspekten verborgen sein, die in den Lehrbüchern nicht erwähnt werden? In dieser Reihe werden wir das Leben historischer Persönlichkeiten aus verschiedenen Perspektiven erforschen, wie z.B. ihr Lebensumfeld, menschliche Beziehungen, Interessen, Vorlieben und die sozialen Bedingungen ihrer Zeit, und diese Informationen als detaillierte Motive sammeln, um den Versuch einer genaueren und vielschichtigeren Darstellung dieser Menschen zu unternehmen.

 

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Keita Sagaki:Hystorical Portraits vol. 6 - Albert Einstein, 2020

 

 

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Das Wort „Hystorisch“ im Titel ist ein geprägtes Wort, das eine Kombination aus „hysterisch“ (emotional, verrückt) und „historisch“ ist. Der Künstler möchte damit versuchen, einen Blick auf diese leidenschaftlichen und exzentrischen historischen Figuren aus einer anderen Perspektive zu werfen als die Darstellungen, die man gewohnt ist.

 

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Keita Sagaki Hystorical Portraits vol. 4 - Steve Jobs, 2020

 

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Parallel zu Sagakis Arbeiten stellt die Galerie eine Auswahl von Werken der in den USA lebenden Künstlerin Emi OZAWA mit dem Titel "Play" vor. Im Mittelpunkt von Ozawas Arbeit steht immer das Spiel. Sie schafft Stücke mit geometrischen Formen, leuchtend in Farbe und Bewegung.

 

 

 

Micheko Galerie, Theresienstrasse 18, München 

30.10.2020 - 30.01.2021
Fotoausstellung Düsseldorf . Die Ausstellung "Samburuland" präsentiert 26 ausgewählte Fotografien von Mario Marino in der Galerie noir blanche. Im Mittelpunkt des Werkes steht der Mensch. Seine Motive findet Mario Marino auf seinen zahlreichen Reisen, die ihn zwischen 2000 und 2020 von Europa nach Afrika, Asien, Lateinamerika und Indien führten. Bis 30.1.2021
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Mario Marino - Samburu
Fotoausstellung Düsseldorf . Die Ausstellung "Samburuland" präsentiert 26 ausgewählte Fotografien von Mario Marino in der Galerie noir blanche. Im Mittelpunkt des Werkes steht der Mensch. Seine Motive findet Mario Marino auf seinen zahlreichen Reisen, die ihn zwischen 2000 und 2020 von Europa nach Afrika, Asien, Lateinamerika und Indien führten. Bis 30.1.2021

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In seiner neuen Bildserie Samburuland taucht der Fotograf Mario Marino in die traditionelle Welt der Ureinwohner des Nordens Kenias ein. Dem Nomadenvolk der Samburus. Seit über 500 Jahren besiedeln sie den nördlichen Teil Kenias und bestreiten ihr Dasein als Bauern und Viehzüchter. Mario Marino verbringt mehrere Monate mit ihnen, begleitet ihren Alltag sowie die spirituelle Zeremonie einer traditionellen Hochzeit. Wie so oft in Mario Marinos Werk stehen Würde und Anmut des Einzelnen im Zentrum seiner Portraits.

 

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"Fotografieren heißt für mich vor allem die Welt und ihre Protagonisten besser zu verstehen. Welche Geschichte verbirgt sich hinter dem einzelnen Menschen? Anteil zu nehmen und die Persönlichkeit im Portrait zu verdichten, einzutauchen und mit der Situation zu verschmelzen, darum geht es mir auf meinen Reisen.
"Ich versuche, das Leben der Menschen zu lesen, die ich fotografiere, die Umstände, unter denen sie leben. Ich bin fasziniert von ihrem kulturellen Hintergrund und ihrer Identität".

 

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Seit 2011 wurden in über 50 Galerie und Museumsausstellungen weltweit Fotografien von Mario Marino gezeigt.
Stationen waren unter anderem Amsterdam, Basel, Beijing, Berlin, Brüssel, Dubai, Düsseldorf, Edinburgh, Frankfurt am Main, Genf, London, Miami, Paris und Tokyo.
Im Frühling 2018 erschien im Kerber Verlag eine erste große Monografie über den Künstler mit dem Titel "Die Magie des Augenblicks" mit Fotografien aus Indien. 

Zur Ausstellung erscheint ein Begleitkatalog mit 56 Seiten und 42 Fotografie

 

noir blanche, Galerie für Fotografie, Ratherstr. 34, Düsseldorf

 

20.10.2020 - 23.02.2021
Fotoausstellung München . Die Alte Pinakothek zeigt die Ausstellung "Skulpturenfotografie in Rom 1850-1870". Zu den beliebten Motiven der frühen Fotografie in Rom gehörten Aufnahmen der berühmten antiken Skulpturen in den Museen des Vatikans und auf dem Kapitol. Fotografien des Apollo Belvedere oder der Kapitolinischen Venus wurden nicht nur von Reisenden als Souvenirs geschätzt, sondern auch von Forschern und Künstlern als Bilddokumente. Bis 23.2.2021
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Skulpturenfotografie in Rom 1850-1870
Fotoausstellung München . Die Alte Pinakothek zeigt die Ausstellung "Skulpturenfotografie in Rom 1850-1870". Zu den beliebten Motiven der frühen Fotografie in Rom gehörten Aufnahmen der berühmten antiken Skulpturen in den Museen des Vatikans und auf dem Kapitol. Fotografien des Apollo Belvedere oder der Kapitolinischen Venus wurden nicht nur von Reisenden als Souvenirs geschätzt, sondern auch von Forschern und Künstlern als Bilddokumente. Bis 23.2.2021

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Thomaso Cuccioni
(um 1790–1864)
Galleria delle Statue (Vatikan, Museo Pio Clementino), um 1853
Albuminpapier
32,9 x 44,9 cm
Inv. Nr. DS 1362
© Bayerische Staatsgemäldesammlungen

 

 Die Aufnahmen in den Innenräumen der Museen stellten hohe technische Anforderungen und erforderten lange Belichtungszeiten, die bis zu zwei Tage in Anspruch nehmen konnten. Das wandernde Licht im Raum und die weichen Schatten verleihen den auf diese Weise entstandenen frühen Aufnahmen einen besonderen Charakter.
Die Präsentation im Erdgeschoss der Alten Pinakothek zeigt eine Auswahl von 15 Fotografien von Giacomo Caneva bis Giorgio Sommer, die auch die rasante Entwicklung des Mediums von den ersten Abzügen auf Salzpapier bis zu den technisch ausgereiften Aufnahmen aus der Zeit um 1870 belegen.

 

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Giacomo Caneva
(1813–1865)
Niobide Chiaramonti (Vatikan, Museo Chiaramonti), um 1850/52
Salzpapier von einem Papiernegativ
20,8 x 13,1 cm
Inv. Nr. DS 1209
© Bayerische Staatsgemäldesammlungen

 

Alle Fotografien stammen aus der Sammlung Dietmar Siegert, die 2014 durch den Pinakotheks-Verein in Verbindung mit der Ernst von Siemens Kunststiftung und der Sparkassen Finanzgruppe für die Neue Pinakothek erworben wurde.

17.10.2020 - 04.04.2021
Fotoausstellung Waldkirchen . Paul Kooiker ist einer der wichtigsten konzeptuellen Fotografen der Niederlande. Die Ausstellung in der Galerie Zink Waldkirchen gibt einen Einblick in die Arbeits- und Denkweise des 1964 geborenen Niederländers Paul Komiker und zeigt in einer Auswahl von acht großformatigen Arbeiten die bahnbrechende Ästhetik seiner Fotografie. 17.10.2020 bis 4.4.2021
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Paul Kooiker - Pages
Fotoausstellung Waldkirchen . Paul Kooiker ist einer der wichtigsten konzeptuellen Fotografen der Niederlande. Die Ausstellung in der Galerie Zink Waldkirchen gibt einen Einblick in die Arbeits- und Denkweise des 1964 geborenen Niederländers Paul Komiker und zeigt in einer Auswahl von acht großformatigen Arbeiten die bahnbrechende Ästhetik seiner Fotografie. 17.10.2020 bis 4.4.2021

Wald Galerie Zink_Paul Kooiker_Untitled (muscles) 2019_114x86cm

 

Paul Kooiker oftmals seriell angelegten Arbeiten verfügen über eine sehr eigene Ästhetik, bei der nicht das eigentliche fotografische Motiv im Mittelpunkt steht, sondern die Ästhetik der Fotografie selbst zum Thema wird. Viele seiner Fotoserien entstehen oftmals im Kontext von Buchprojekten und seine Fotobücher sind meist in wenigen Tagen ausverkauft und gesuchte Sammlerobjekte.

 

Wald Galerie Zink_Paul Kooiker_Untitled (shoes) 2020_114x86cm

 

Wald Galerie Zink_Paul Kooiker_Untitled (wigs) 2020_114x86cm

 

Die acht großformatigen Arbeiten von Paul Kooiker zeigen die bahnbrechende Ästhetik seiner Fotografie, wenn er für AnOther, Dazed, Vogue oder für die internationale Avantgarde der Modewelt wie Rick Owens und dessen Frau Michèle Lamy fotografiert.

Es ist der „skulpturale Blick“ auf das Motiv, der seine Bilder so besonders macht. Die Person, die Persönlichkeit des Modells ist für ihn nicht interessant, seine Modelle fotografiert er meist so, dass man das Gesicht nicht erkennen kann, oder der Kopf sogar abgeschnitten ist.

 

Wald Galerie Zink_Paul Kooiker_Untitled (hair) 2020_114x86cm

 

Auch wenn es darum geht ein Produkt wie Mode, Schuhe, oder Schmuck in Szene zu setzten, ist für ihn das Produkt eher nebensächlich und nur das Objekt selbst zählt. Paul Kooiker bildet nicht ab, sondern er stellt die Frage an den Betrachter „Auf was schauen wir hier?“. In diesem Spannungsfeld entsteht eine eigenwillige Ästhetik, bei der das Motiv selbst zweitrangig wird und die Fotografie selbst zum Thema wird.  Zusätzlich bearbeitet Paul Kooiker seine Fotografien digital und erzeugt so durch die gezielt manipulierte Farbigkeit, Körnung und Unschärfen neue Referenzen zu Bildwelten aus anderen Zeiten.

 

Wald Galerie Zink_Paul Kooiker_The Rumour 2020

 

Die Arbeiten von Paul Kooiker befinden sich in bedeutenden privaten und öffentlichen Sammlung, wie zB. Akzo Nobel, Niederlande, DSM, Niederlande, Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, Gemeentemuseum, Den Haag, Fries Museum, LeeuwardenDe Nederlandsche Bank, Amsterdam, ABN AMRO Collectie, the Netherlands, Caldic Collectie, Wassenaar, Ministry of Foreign Affairs, the Netherlands, Achmea Kunstcollectie, Zeist, H+F collection, the Netherlands, LUMC, Leiden, The Ordonez Falcon Collection, Spain, La Maison Rouge, Paris, Zabludowicz Collection, London.

 

Galerie Zink, Waldkirchen 2, Waldkirchen i. d. Oberpfalz

 

16.10.2020 - 10.01.2021
Fotoausstellung Berlin . Die umfassende Gruppenausstellung im Gropius Bau untersucht auf welche Weise Männlichkeit seit den 1960er Jahren durch Fotografie und Film erlebt, performativ hergestellt und sozial konstruiert wird. In einer Zeit, in der sich klassische Männlichkeitsbilder in der Krise befinden und Begriffe wie „toxische“ und „fragile“ Männlichkeit gesellschaftliche Diskurse prägen, Vorgestellt werden über 300 Arbeiten von 50 internationalen Künstlern. 16.10.2020 bis 10.1.2021
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Masculinities: Liberation through Photography
Fotoausstellung Berlin . Die umfassende Gruppenausstellung im Gropius Bau untersucht auf welche Weise Männlichkeit seit den 1960er Jahren durch Fotografie und Film erlebt, performativ hergestellt und sozial konstruiert wird. In einer Zeit, in der sich klassische Männlichkeitsbilder in der Krise befinden und Begriffe wie „toxische“ und „fragile“ Männlichkeit gesellschaftliche Diskurse prägen, Vorgestellt werden über 300 Arbeiten von 50 internationalen Künstlern. 16.10.2020 bis 10.1.2021

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Thomas Dworzak, Taliban portrait. Kandahar, Afghanistan, 2002, Ausstellungsdruck
copyright: Collection T. Dworzak/Magnum Photos

 

Die Ausstellung offertiert ein Panorama der filmischen und fotografischen Auseinandersetzung mit dem Maskulinen in all seiner Widersprüchlichkeit und Komplexität. Zentrale Bezugspunkte der Ausstellung sind Themen wie Patriarchat, Macht, queere Identität, race und Klasse, Sexualität sowie die weibliche Wahrnehmung von Männlichkeit, welche als ein weitgehend fließendes, performatives Identitätskonzept ins Blickfeld rückt. 

 

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Karlheinz Weinberger, Horseshoe Buckle, 1962
Courtesy: Galerie Esther Woerdehoff
copyright: Karlheinz Weinberger

 

 

In sechs Abschnitten setzt sich die Ausstellung mit Männlichkeit in ihren vielfältigen Erscheinungsformen auseinander. Das erste Kapitel, Die Erschütterung des Archetyps, untersucht die Darstellung konventioneller und klischeehafter männlicher Subjekte wie Soldaten, Cowboys, Athleten, Stierkämpfer, Bodybuilder und Ringkämpfer

Das zweite Kapitel, Männliche Ordnung: Macht, Patriarchat und Raum, lädt die Betrachter ein, über die Konstruktion männlicher Macht, Geschlecht und Klasse nachzudenken.

 

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Adi Nes, Untitled, Aus der Serie „Soldiers“, 1999
Courtesy: Adi Nes und Praz-Delavallade Paris, Los Angeles
copyright: Adi Nes

 

 

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Catherine Opie, Rusty, 2008
Courtesy: Regen Projects, Los Angeles; Thomas Dane Gallery, London
copyright: Catherine Opie

 

Im Gegensatz zu den Konventionen des traditionellen Familienporträts geht es den Künstlern, die im dritten Kapitel, "Zu Nah an Zuhause: Familie und Vaterschaft", versammelt sind, darum, das „Chaos“ des Lebens zu dokumentieren. Ihre Bilder sind Reflexionen von Misogynie, Gewalt, Sexualität, Sterblichkeit, Intimität und sich entfaltenden Familiendramen, die eine komplexe und nicht immer angenehme Sicht von Vaterschaft und Maskulinität zeigen. 

Den Vorurteilen und rechtlichen Beschränkungen zum Trotz, denen sich Homosexualität in Europa, den Vereinigten Staaten und darüber hinaus im Verlauf des letzten Jahrhunderts ausgesetzt gesehen hat, veranschaulichen die im vierten Kapitel, Männlichkeit queeren, gezeigten Werke, wie Künstler*innen seit den 1960er Jahren eine neue, politisch aufgeladene, queere Ästhetik geschaffen haben.

Das fünfte Kapitel, Die Rückeroberung des Schwarzen Körpers, rückt Künstler in den Vordergrund, die im Laufe der letzten fünf Jahrzehnte bewusst Erwartungen, die im Zusammenhang mit race, Gender und dem weißen Blick stehen, unterlaufen haben, indem sie die Macht zurückforderten, ihre eigenen Identitäten zu gestalten.

 

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Masahisa Fukase, Aus der Serie „Family“, 1971–90
Upper row, from left to right: A, a model; Toshiteru, Sukezo, Masahisa. Middle row, from left to right: Akiko, Mitsue, Hisashi Daikoji. Bottom row, from left to right: Gaku, Kyoko, Kanako, and a memorial portrait of Miyako, 1985
copyright: Masahisa Fukase Archives

 

In den 1960er und 1970er Jahren versuchten Aktivisten mit dem Aufkommen der zweiten Welle des Feminismus, tief verwurzelte Vorstellungen von Maskulinität aufzudecken und zu kritisieren, um alternativen Sichtweisen auf Gender und Repräsentation Raum zu geben. Vor diesem Hintergrund werden im sechsten Kapitel, Frauen über Männer: Die Revidierung des männlichen Blicks, Arbeiten versammelt, die Männer zu ihrem Sujet machen, Männlichkeit aus feministischer Perspektive untersuchen und die gesellschaftliche Konstruktion von binären Geschlechterzuordnungen aufbrechen.

Stephanie Rosenthal, Direktorin des Gropius Bau, erklärt: „Heute werden gängige Vorstellungen davon, was es bedeutet ein Mann zu sein oder zu werden, zunehmend hinterfragt. Besonders für jüngere Generationen, die auf eine ganz andere Weise mit diesen Fragen konfrontiert sind, bietet die Ausstellung Masculinities: Liberation through Photography eine nuancierte Auseinandersetzung mit Männlichkeiten in all ihren Facetten und Zwischentönen. Die in der Ausstellung gezeigten Arbeiten von über 50 internationalen Künstler*innen schlagen eine Brücke von klassischen Männlichkeitsbildern zu fluiden geschlechtlichen Identitäten und schaffen es so, einer komplexen Wirklichkeit gerecht zu werden.

 

Künstler

Bas Jan Ader, Laurie Anderson, Kenneth Anger, Liz Johnson Artur, Knut Åsdam, Richard Avedon, Aneta Bartos, Richard Billingham, Cassils, Sam Contis, John Coplans, Jeremy Deller, Rineke Dijkstra, George Dureau, Thomas Dworzak, Hans Eijkelboom, Fouad Elkoury, Hal Fischer, Samuel Fosso, Anna Fox, Masahisa Fukase, Sunil Gupta, Kiluanji Kia Henda, Peter Hujar, Isaac Julien, Rotimi Fani-Kayode, Karen Knorr, Deana Lawson, Hilary Lloyd, Robert Mapplethorpe, Peter Marlow, Ana Mendieta, Annette Messager, Duane Michals, Tracey Moffatt, Andrew Moisey, Richard Mosse, Adi Nes, Catherine Opie, Elle Pérez, Herb Ritts, Kalen Na'il Roach, Paul Mpagi Sepuya, Collier Schorr, Clare Strand, Mikhael Subotzky, Larry Sultan, Wolfgang Tillmans, Hank Willis Thomas, Piotr Ukla?ski, Andy Warhol, Karlheinz Weinberger, Marianne Wex, David Wojnarowicz und Akram Zaatari

Kuratiert von Alona Pardo, Barbican Centre London 

 

 

 

Gropius Bau, Niederkirchnerstraße 7, 10963 Berlin

 

 

16.10.2020 - 14.02.2021
Fotoausstellung München . Die Ausstellung Sebastião Salgado. EXODUS im Kunstfoyer in München zeigt Bilder mit denen ich der Fotograf in aller Dringlichkeit für soziale Gerechtigkeit und Frieden eingesetzt hat, lange bevor er mit dem Projekt GENESIS und dem Film von Wim Wenders “Das Salz der Erde” (2014) einer breiten Öffentlichkeit bekannt wurde. Bis 14.2.2021
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Sebastião Salgado. EXODUS.
Fotoausstellung München . Die Ausstellung Sebastião Salgado. EXODUS im Kunstfoyer in München zeigt Bilder mit denen ich der Fotograf in aller Dringlichkeit für soziale Gerechtigkeit und Frieden eingesetzt hat, lange bevor er mit dem Projekt GENESIS und dem Film von Wim Wenders “Das Salz der Erde” (2014) einer breiten Öffentlichkeit bekannt wurde. Bis 14.2.2021

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© Sebastião Salgado, Der Vung Tau Strand, der einst Cap Saint Jacques hieß,
ist der Ort von dem aus die meisten Boat People üchteten. Südvietnam. 1995.

 

In der fotografischen Serie EXODUS dokumentiert Salgado die Schattenseite der Neuzeit: Die rücksichtslose Ausbeutung der Natur und das Schicksal von Millionen Menschen auf der Flucht, die unter unwürdigsten Bedin- gungen um ihr Überleben ringen. Dieses große Elend zu erleben, raubt Salgado den Lebenswillen. Entkräftet und desillusioniert hört er für mehrere Jahre auf, zu fotografieren. Seine Frau Lélia Salgado aber entwickelt die Idee, den Regenwald wieder aufzuforsten. 1998 gründen sie das Istituto Terra und haben seither mehr als 2,5 Millionen Bäume wieder angepflanzt. Das Paradies, wie es Salgado aus der Kindheit kannte, ersteht wieder neu. Mit der Rückkehr der Natur schöpfen sie Hoffnung und beschließen, den Menschen zu zeigen, dass es sich lohnt, sich zu engagieren. Die Idee zum fotografischen Projekt GENESIS (Ausstellung weltweit / im Kunstfoyer München 2015) entsteht. Eine viel optimistischere Sicht derselben Erde, die Salgado so lange als verletzt und zerstört bezeugt hat.

 

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© Sebastião Salgado, Churchgate Bahnhof. Bombay (Mumbai), Indien. 1995.

 

2019 erhält er den Friedenspreis des Deutschen Buchhandels. Der Börsenverein zeichnet den brasilianischen Fotografen Sebastião Salgado “als Bildkünstler aus, der mit seinen Fotografien soziale Gerechtigkeit und Frieden fordert und der weltweit geführten Debatte um Natur- und Klimaschutz Dringlichkeit verleiht. Zugleich hat Sebastião Salgado mit seinem Istituto Terra eine Einrichtung geschaffen, die einen Beitrag zur Wiederbelebung von Biodiversität und Ökosystemen leistet. Mit seinem fotografischen Werk, das in zahlreichen Ausstellungen und Büchern veröffentlicht ist, nimmt er die durch Kriege oder Klimakatastrophen entwurzelten Menschen genauso in den Fokus wie jene, die traditionell in ihrer natürlichen Umgebung verwurzelt sind. Dadurch gelingt es Sebastião Salgado, Menschen weltweit für das Schicksal von Arbeitern und Migranten und für die Lebensbedingungen indigener Völker zu sensibilisieren.

Indem der Fotograf seine aufrüttelnden, konsequent in schwarz-weiß gehaltenen Bilder als „Hommage an die Größe der Natur“ beschreibt und die geschändete Erde ebenso sichtbar macht wie ihre fragile Schönheit, gibt Sebastião Salgado uns die Chance, die Erde als das zu begreifen, was sie ist: als einen Lebensraum, der uns nicht allein gehört und den es unbedingt zu bewahren gilt.”

Die Ausstellung EXODUS wurde von Lélia Wanick Salgado kuratiert. Gezeigt werden 170 großformatige Fotografien in schwarz-weiß. Außerdem wird die Verleihung des Friedenspreises an Sebastião Salgado vom 20. Oktober 2019 in der Paulskirche und die Dankesbotschaft des Fotografen als ZDF-Filmdokument erlebbar gemacht.

 

Aufgrund Covid19 kann die Ausstellung EXODUS nur mit Onlinetickets besucht werden. Diese sind auf der Website der Versicherungskammer Kulturstiftung buchbar:  www.versicherungskammer-kulturstiftung.de

 

Kunstfoyer, Versicherungskammer Kulturstiftung | Maximilianstr. 53, 80538 München

 

 

11.10.2020 - 30.04.2021
Fotoausstellung Salzburg . Die Ausstellung auf Schloss Arenberg „THE STILLS OF HANNIBAL - 20 Jahre Gletscherschauspiel"“ repräsentiert vielschichtig und kompetent das seit 20 Jahren anhaltende Abenteuer Hannibal und will eine Auswahl der entstandenen Bilder als eigenständige Kunstwerke vorstellen. Der Eintritt ist frei!. Vom 11.10.2020 bis 30.4.2021
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The Stills Of Hannibal
Fotoausstellung Salzburg . Die Ausstellung auf Schloss Arenberg „THE STILLS OF HANNIBAL - 20 Jahre Gletscherschauspiel"“ repräsentiert vielschichtig und kompetent das seit 20 Jahren anhaltende Abenteuer Hannibal und will eine Auswahl der entstandenen Bilder als eigenständige Kunstwerke vorstellen. Der Eintritt ist frei!. Vom 11.10.2020 bis 30.4.2021

Hannibal © eSeL[2]

Hannibal © eSeL

 

„Ich stehe in einer Schneelandschaft auf beinahe 3000 Metern und erlebe mit Tausenden eine Erzählung, die mir immer wieder unter die Haut geht.“ Regisseur Hubert Lepka.

Das Künstlerkollektiv Lawine Torrèn, unter der Leitung von Hubert Lepka, erzählt seit 20 Jahren die Lebensgeschichte des karthagischen Feldherren Hannibal. Inszeniert wurde dieses Schauspiel als atemberaubendes Naturtheater, als eine spektakuläre Show unter freiem Himmel, die als direktes Erlebnis der Sinne konzipiert wurde. Zehntausende Zuschauer sind staunend mittendrin. In einer Welt der Medienbilder wirkt dieses Naturschauspiel dem Verlust von Landschaft entgegen. Hannibal ist ein wohldurchdachtes Abenteuer, vollkommen analog und in Echtzeit.

 

Hannibal © Jürgen Skarwan[2]

Hannibal © Jürgen Skarwan

 

 

Hannibal © Ernst Lorenzi[2]

Hannibal © Ernst Lorenzi

 

Seit dem Entstehungsjahr 2001 wurde HANNIBAL insgesamt vor über 50.000 Menschen in über 40 Aufführungen und Generalproben gespielt. Jede Aufführung, der räumlich betrachteten größten zeitgenössische Performance der Welt, hatte ihr eigenes Wetter, wechselnde Darsteller und eine im wörtlichen Sinne fließende Geografie des Gletschers, der in seiner Langsamkeit den Ruhepuls der Gesamtchoreographie vorgibt. Ein narratives Bewegungstheater in einem sechs Kubikkilometer messenden Naturraum des Rettenbachgletscher in der Ötzaler Bergwelt.

Die Aufführungen der HANNIBAL-Performance wurden von vielen namhaften Fotografinnen und Fotografen portraitiert, dokumentiert und in deren eigenes Portfolio eingeschrieben.

 

Hannibal © Bernhard Spoettel[2]

Hannibal © Bernhard Spoettel

 

Hannibal © Peter Rigaud

Hannibal © Peter Rigaud

 

Hannibal ist eine Produktion von Sölden, Red Bull und Lawine Torrèn/Hubert Lepka

Für 2021 ist eine Aufführung am 16. April geplant.

Schloss Arenberg, Arenbergstraße 10, 5020 Salzburg

 

 

 

 

 

 

09.10.2020 - 16.05.2021
Fotoausstellung Berlin . Die Berliner Helmut Newton Stiftung präsentiert in ihrer neuen Ausstellung „America l 970s/80s" die Werke von vier großen Fotografen, die ein Bild des Landes in dieser Zeit zeigen: Evelyn Hofer, Sheila Metzger, Joel Meyerowitz und Helmut Newton. Vom 9.10.2020 bis 16.5.2021
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America l 1970s/80s
Fotoausstellung Berlin . Die Berliner Helmut Newton Stiftung präsentiert in ihrer neuen Ausstellung „America l 970s/80s" die Werke von vier großen Fotografen, die ein Bild des Landes in dieser Zeit zeigen: Evelyn Hofer, Sheila Metzger, Joel Meyerowitz und Helmut Newton. Vom 9.10.2020 bis 16.5.2021

Helmut Newton Taylor

Helmut Newton ElizabethTaylor, Los Angeles,1985
© Helmut Newton Estate
 
 

Nach seiner Festanstellung bei der französischen Vogue im Jahr 1 961 arbeitete Helmut Newton parallel auch für die amerikanische Ausgabe des Modemagazins. Einige dieser Aufnahmen entstanden in Europa, andere in den USA. In New York lieferte Newton seine Bilder direkt an Alexander Liberman, der die amerikanische Vogue von den 1 960ern bis in die l 990er Jahre leitete - und nebenbei sehr erfolgreich als Maler, Bildhauer und Fotograf arbeitete. Newton mochte die Vereinigten Staaten und die sprichwörtliche Freiheit in jenen Jahren, und so pendelte er regelmäßig zwischen der Alten und Neuen Welt hin und her.

 

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Helmut Newton Sigourney Weaver, Los Angeles,1983
© Helmut Newton Estat

 

In den 970er-Jahren fotografierte Newton Mode und Akt in Amerika vor allem in New York, Las Vegas, Miami oder Los Angeles; diese Aufnahmen wurden sowohl in unterschiedlichen Magazinen als auch teilweise in seinem zweiten Bildband (,,Sleepless Nights", 1 978) publiziert . Nach 1980, als Helmut und June Newton regelmäßig nach Los Angeles reisten, um im Chateau Marmont die Wintermonate zu verbringen, kamen zahlreiche Porträts der ,Berühmten und Berüchtigten' in und um Hollywood hinzu, entstanden für Zeitschriften wie Egoiste, Interview, Vanity Fair oder New Yorker, sowie einige Aktbilder für den Playboy Die Fokussierung innerhalb der Ausstellung zeigt deutlich, dass sich Newtons Bildsprache während seiner Arbeit in den USA in diesen Jahren verändert hat und ins besondere das Genre Porträt für ihn immer wichtiger wurde.

 

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Joel Meyerowitz Darrell, Provincetown,1983
© Joel Meyerowitz, courtesy oft he Howard Greenberg Gallery
 
 

 

Etwa parallel zu den gezeigten Newton-Bildern entstanden die Porträts von Joel Meyerowitz in Provincetown, Massachusetts. Der Fotograf zog sich in den späten l 970er- und frühen l 980er-Jahren von New York aus jeden Sommer in das ehemalige idyllische Fischerörtchen zurück - und porträtierte dort mit seiner Großbildkamera, meist plein air, gleichgesinnte Freigeister, die ebenfalls die Sommerfrische, die Erholung am Meer und die Natur suchten, Männer und Frauen, Junge und Ältere, allein oder als Paar. Wir sehen intensive und neugierige Blicke zurück in die Kamera und nur wenige Posen; die Menschen, darunter zahlreiche Freunde und Bekannte von Meyerowitz, wirken offen, unverstellt, authentisch.

Die groß angelegte Porträtserie hatte seinerzeit keinen Auftraggeber, es war ein freies Projekt. So entstand ein faszinierendes Gesellschaftsporträt einer liberalen, individualistische n Community an der amerikanischen Ostküste. Es zeigt ein anderes, freieres, mitunter freizügigeres Amerika, als wir es heute kennen. Meyerowitz hat diese Porträts vor Kurzem in seinem Archiv wiederentdeckt, eine Auswahl ist im Herbst 2019 erstmals in Buchform erschienen - und wird nun in der Helmut Newton Stiftung zum ersten Mal öffentlich ausgestellt

 

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Sheila Metzner, Rebecca, Diamond Necklace, 1984
© Sheila Metzner

 

Die amerikanische Fotografin Sheila Metzner verband eine sehr enge Freundschaft mit Helmut und June Newton. Die gegenseitigen, bislang unveröffentlichten Porträts aus Südfrankreich, die in der Ausstellung in zwei Vitrinen ausgebreitet werden, bezeugen dieses besondere Verhältnis. Sheila Metzner arrangiert in ihrem Werk ansonsten minimalistische Dinge auf einer ebensolchen Bühne als pure Form; in der fotografischen Nahansicht wirken sie wie eine Erscheinung ihrer selbst, verdichtet als metaphysische Essenz. Die zarte Tonung der Fotografien, entstanden als Fresson-Prints, die an Bromöldrucke der Avantgardisten der 1910er-Jahre erinnern, entrückt den  Bildinhalt,  die  floralen und  künstlerischen  Formen,  ins Tagtraumhafte. Aber auch Menschen tauchen im Werk von Sheila Metzner wiederholt auf, seien es die eigenen fünf Kinder, weibliche und männliche Modelle, etwa für ihre raffinierten Modeinszenierungen oder nackte, odaliskenhafte Schönheiten. Metzner, die noch immer in New York lebt, besuchte Joel Meyerowitz Ende der l 970er-Jahre in Provincetown und wurde dort von ihm porträtiert, wie wir hier sehen. So schließt sich in dieser Ausstellung, die einer Art Zeitreise in ein progressives und cooles Amerika entspricht, gleich mehrfach ein Kreis.

In June's Room schließlich werden 30 Aufnahmen von Evelyn Hofer präsentiert, die in den 1960er und 70er-Jahren in New York entstanden sind, eine Art subjektives Stadtporträt mit Straßenszenen und Panoramen, Interieurs und Porträts, in Schwarz-Weiss und Farbe. Insbesondere ihre subtilen Farbbilder des New Yorker Alltagslebens, ausgeführt im DyeTransfer­ Verfahren, sind neben denen von Saul Leiter oder Helen Levitt Pionierleistungen eines poetisch-magischen Realismus in der Street Photography, die nachfolgende Fotografengenerationen prägen sollten. Hofer wurde in Deutschland geboren, verließ ihre Heimat mit der Familie 1933 Richtung Madrid, später nach Paris, Zürich und Mexiko, um 1946 schließlich nach New York überzusiedeln. Dort arbeitete sie im Auftrag unter anderem für Modemagazine und frei an eigenen Buchprojekten, stets mit großformatiger Plattenkamera und Stativ. Daraus resultierte ein bewusstes, konzentriertes und langsames Arbeiten, das spontane Reaktionen vor und hinter der Kamera ausschloss.

 

 

Helmut Newton Stiftung, Jebensstraße, Berlin

 

 

05.10.2020 - 16.01.2021
Fotoausstellung Nürnberg . Aus einem breiten Spektrum aus Bildern speist sich die Ausstellung in der Nürnberger Leica Galerie mit kleiner, aber doch typischer Ausschnitt der Fotografien von Dr. Paul Wolff und Alfred Tritschler: Eine fiktive Fahrt mit dem Auto, die in ihrer Heimatstadt Frankfurt beginnt, durch zahlreiche fränkische Städte und Dörfer führt und in der Reichsstadt Nürnberg endet. Vom 5. Oktober 2020 bis 16. Januar 2021
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Dr. Paul Wolff & Alfred Tritschler: „Mit dem Kraftwagen von Frankfurt nach Nürnberg"
Fotoausstellung Nürnberg . Aus einem breiten Spektrum aus Bildern speist sich die Ausstellung in der Nürnberger Leica Galerie mit kleiner, aber doch typischer Ausschnitt der Fotografien von Dr. Paul Wolff und Alfred Tritschler: Eine fiktive Fahrt mit dem Auto, die in ihrer Heimatstadt Frankfurt beginnt, durch zahlreiche fränkische Städte und Dörfer führt und in der Reichsstadt Nürnberg endet. Vom 5. Oktober 2020 bis 16. Januar 2021

Wolff&Tritschler5

 

 

In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts waren Dr. Paul Wolff und Alfred Tritschler die wohl bekanntesten Fotografen Deutschlands. Sie betrieben schon vor dem Krieg eine sehr renommierte Bildagentur in Frankfurt/M., die bald auch international bekannt wurde. Kaum eine Illustrierte, kaum ein Fotoband, in denen ihre Bilder fehlten. Viele der Fotografien, die in jener Zeit entstanden, wurden mit dem damals noch jungen Kleinbildformat aufgenommen. Die technische Perfektion der verwendeten Leica-Kameras, das gestalterische Können der beiden Fotografen und die sehr erfolgreiche Vermarktung ihrer Bilder und Publikationen machten sie zu „Pionieren der Kleinbildkamera“.

 

Wolff&Tritschler6

 

Wolff&Tritschler1

 

Das Leistungsangebot ihrer Agentur ist enorm breit: von den ikonischen Bildern der Frankfurter Altstadt bis zu Industrie- und Reisereportagen, von Menschen in damals modernen Lebensumgebungen, bis zu Fotografien im Stil der Neuen Sachlichkeit – alles wurde bildnerisch gestaltet und fotografisch festgehalten.

Aus diesem breiten Spektrum wird in der vorliegenden Ausstellung ein kleiner, aber doch typischer Ausschnitt der Fotografien von Dr. Paul Wolff und Alfred Tritschler gezeigt: Eine fiktive Fahrt mit dem Auto, die in ihrer Heimatstadt Frankfurt beginnt, durch zahlreiche fränkische Städte und Dörfer führt und in der Reichsstadt Nürnberg endet.

 

Wolff&Tritschler3

 

 

Das Auto wurde in den zwanziger und dreißiger Jahren des letzten Jahrhunderts zunehmend zum zuverlässigen Verkehrsmittel. Anders als mit der Eisenbahn, konnte man auf der Reise mit dem Kraftwagen seine ganz individuellen Fahrstrecken planen, jederzeit die Fahrt unterbrechen und sich an den Schönheiten auch abgelegener Orte erfreuen. Von der Begeisterung für diese neuen Möglichkeiten und Freiheiten, von dem damit verbundenem neuen Lebensstil erzählen die Bilder dieser Ausstellung.

Die meisten ihrer Fotografien sind natürlich inszeniert, aber wie hier Architektur und Landschaft,Technik und Menschen in einer Bildatmosphäre verbunden wurden, das ist phantastisch!

Wolfram Reuter
Leica Galerie Nürnberg

 

 

Leica Galerie Nürnberg,
Obere Wörthstraße 8
Nürnberg

04.10.2020 - 31.01.2021
Fotoausstellung München . Wenn die US-Amerikaner am 3. November 2020 ihre Stimmzettel abgeben, ist die Wahl zum neuen US-Präsidenten im Grunde längst entschieden. Denn die politischen Identitäten in den USA kennen kein Datum. Sie sind jederzeit und überall sichtbar. Der Münchner Fotograf Jens Schwarz hat eben diese Identitäten in seinem neuesten Multimedia-Projekt Blue Donkey & Red Elephant: Tales from the American Electorate eingefangen, das das Amerikahaus München vom 04. Oktober 2020, bis 31. Januar 2021, zeigt.
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Jens Schwarz: Blue Donkey & Red Elephant: Tales from the American Electorate
Fotoausstellung München . Wenn die US-Amerikaner am 3. November 2020 ihre Stimmzettel abgeben, ist die Wahl zum neuen US-Präsidenten im Grunde längst entschieden. Denn die politischen Identitäten in den USA kennen kein Datum. Sie sind jederzeit und überall sichtbar. Der Münchner Fotograf Jens Schwarz hat eben diese Identitäten in seinem neuesten Multimedia-Projekt Blue Donkey & Red Elephant: Tales from the American Electorate eingefangen, das das Amerikahaus München vom 04. Oktober 2020, bis 31. Januar 2021, zeigt.

AH 2020-10-02 Blue Donkey and Red Elephant (c) Jens Schwarz (8)

Jack & Chandler, Cincinnati, Ohio, 09/2019 
© Jens Schwarz 

Jack ist alleinerziehender Vater aus Cincinnati, Ohio. Der Gärtner und Handwerker lebt hier gemeinsam mit seiner Tochter Chandler, die vor kurzem die High School beendet hat. 

 

 Durch Fotos, Video und Audio untersucht Schwarz unterschiedliche und teils gegensätzliche Lebensstile, soziale Gefüge, Wahrnehmungen und Verhaltensweisen innerhalb des politischen Spektrums. Mit seinen Aufnahmen erfasst er das komplexe Narrativ hinter diesen politischen Identitäten. Da ist beispielsweise die Krankenschwester Jana, die nach Präsident Obamas erster Amtszeit begonnen hat, für die Demokraten und für einen sozialen Wandel zu kämpfen. Oder Jim aus Black Oak, Tennessee, in dessen Plastiktüte sich das Gericht befindet, das das Time Magazine zum „most Republican food“ erklärt hat: „Sweet and Sour Chicken“. 

 

AH 2020-10-02 Blue Donkey and Red Elephant (c) Jens Schwarz (7)

Jana, Charlotte, North Carolina, 03/2020 
© Jens Schwarz 
Jana Brooks ist Krankenschwester aus Charlotte, North Carolina und Wahlvorsteherin der demokratischen Partei. 

 

AH 2020-10-02 Blue Donkey and Red Elephant (c) Jens Schwarz (5)

 Jim, Black Oak, Tennessee, 03/2020 
© Jens Schwarz 
Jim mit einer Tüte „Sweet and Sour Chicken“ in Black Oak, Tennessee 

 

 Das Projekt ist das Ergebnis von Jens Schwarz Reisen nach Ohio, Kentucky, North Carolina und Tennessee während des amerikanischen Vorwahlkampfs 2019 und 2020. Schwarz liefert vor dem Hintergrund des politischen Wahlzirkus einen einzigartigen Blick auf das amerikanische „heartland“ und damit auf jene Staaten, in denen die Wahl entschieden wird. Seine Reise ist auch ein stückweit Teil seiner eigenen Biografie. Mit seiner Ausstellung Displaced – Migration into Germany über die deutsche Willkommenskultur während des „Flüchtlingssommers 2015“ im  Gepäck kam Schwarz im Herbst 2019 nach Cincinnati, Ohio, der US-Partnerstadt von München. Das Projekt, das er in Kooperation mit dem Amerikahaus München im Rahmen des Deutschlandjahres USA im dortigen Contemporary Arts Center zeigte, gab ihm die Möglichkeit, mit den unterschiedlichsten Menschen ins Gespräch zu kommen. 

 

AH 2020-10-02 Blue Donkey and Red Elephant (c) Jens Schwarz (4)

Wahllokal Pct 09, Charlotte, North Carolina, 03/2020 
© Jens Schwarz 
Wähler in Charlotte, North Carolina, stimmen am Super Tuesday über die Delegierten für die National Convention ab. 

 

AH 2020-10-02 Blue Donkey and Red Elephant (c) Jens Schwarz (1)

Jack & Billy, Cincinnati, Ohio, 09/2019 
© Jens Schwarz 
Billy ist Jacks Nachbar. Beide leben in South Fairmont, einem Vorort von Cincinnati, Ohio. 

 

Seine Erfahrungen während dieser Zeit spiegeln sich in Blue Donkey & Red Elephant: Tales from the American Electorate wieder, die bis Ende Januar 2021 im Amerikahaus München zu sehen ist. Wenn also am 19. Januar 2021 der neue oder alte Präsident der USA vereidigt wird, werden die Stimmen der Protagonist*innen der Ausstellung vielleicht in einem neuen Licht erscheinen. Doch egal, ob die demokratischen Esel oder die republikanischen Elefanten das Rennen machen werden, eines haben beide Tiere gemeinsam: Veränderung ist nicht ihre Stärke. Schwarz‘ Projekt, das offen auf beide Seiten schaut, setzt sich mithilfe einer tieferen und subtileren visuellen Erzählung mit der amerikanischen Identität auseinander, die umfassender ist, als sie in der massenmedialen Verkürzung oftmals ihren Ausdruck findet. 

 

Amerikahaus, Karolinenplatz 3, München

 

 

26.09.2020 - 10.01.2021
Fotoausstellung Berlin . Die Ausstellung im Willy-Brandt-Haus vereint das fotografische Werk der beiden Schwestern Lotte und Ruth Jacobi. Hineingeboren in eine Fotografendynastie, führen sie ab 1931 zusammen das Fotoatelier Jacobi, mitten im Berliner Westen am Kurfürstendamm, wo die Avantgarde zu Hause ist. Vom 26.9.2020 bis 10.1.2021
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Ruth und Lotte Jacobi Fotografien
Fotoausstellung Berlin . Die Ausstellung im Willy-Brandt-Haus vereint das fotografische Werk der beiden Schwestern Lotte und Ruth Jacobi. Hineingeboren in eine Fotografendynastie, führen sie ab 1931 zusammen das Fotoatelier Jacobi, mitten im Berliner Westen am Kurfürstendamm, wo die Avantgarde zu Hause ist. Vom 26.9.2020 bis 10.1.2021

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Lotte Jacobi: Lotte Lenya, Berlin, 1928
© The University of New Hampshire, 2019 

 

Als Repräsentantin der „Neuen Fotografie“ wurde Lotte Jacobi bereits in den 1920ern berühmt, während ihre jüngere Schwester Ruth weitgehend unbekannt blieb. Zum ersten Mal ist das fotografische Werk – bestehend aus Porträts, Stillleben, Reportagen, Lichtbildern und Experimentalaufnahmen – dieser vierten Generation einer Fotografenfamilie in einer Ausstellung vereint. Neben Schwarz-Weiß-Aufnahmen erlauben Briefe, persönliche Dokumente, Familienfotos und Texte zur Historie einen tiefen Einblick in die Lebenswelt der Schwestern.

 

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Lotte Jacobi: Claire Bauroff, „Drehung“, Berlin, 1928
© The University of New Hampshire, 2019 

 

Lotte Jacobi (1896-1990) übernimmt 1927 das väterliche Atelier, nachdem sie an der Staatlichen Höheren Fachschule für Phototechnik in München eine zweijährige Ausbildung zur Fotografin absolvierte. Sie wird bereits in den 1920er Jahren mit ihren Porträts u.a. von Albert Einstein, Käthe Kollwitz, Lotte Lenya oder Klaus und Erika Mann berühmt.

 

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Ruth Jacobi: Kinderporträt, ohne Ort und Datum
© Jüdisches Museum Berlin 

 

Ruth Jacobi (1899-1995) steht zeitlebens im Schatten ihrer Schwester. Sie erhält ihre Ausbildung an der Photographischen Lehranstalt des Lette-Vereins in Berlin. Ihr Werk umfasst Porträts, Stillleben, Reportage- und Reisefotografien sowie Pflanzen- und Experimentalfotografien. Das Œuvre von Ruth Jacobi ist bis heute noch wenig erforscht.

 

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Ruth Jacobi: Spaziergängerin mit Gans, New York, 1928
© Jüdisches Museum Berlin 

 

Neben den Schwarz-Weiß-Aufnahmen werden zahlreiche Briefe, persönliche Dokumente und Fotos der Familie Jacobi aus der Zeit in Westpreußen, Berlin und den USA gezeigt. So entsteht ein persönliches Bild einer der ältesten Fotografenfamilien im Deutschland der Vorkriegszeit.

19.09.2020 - 17.12.2020
Fotoausstellung Hamburg . Die Fotoarbeit von Enver Hirsch und Philipp Meuser die in der Freelens Galerie zeigt wird, beschäftigt sich mit dem Innen und Außen der letzten noch existierenden Behelfsheime. Sie dokumentiert einen Häusertyp und dessen Materialist, bei dem Nachkriegsgeschichte sichtbar wird und sie ist die letztmögliche Dokumentation eines Provisoriums, welches die Zeit bis heute überdauert hat. 19. September bis 17. Dezember 2020
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Enver Hirsch und Philipp Meuser - Behelfsheim
Fotoausstellung Hamburg . Die Fotoarbeit von Enver Hirsch und Philipp Meuser die in der Freelens Galerie zeigt wird, beschäftigt sich mit dem Innen und Außen der letzten noch existierenden Behelfsheime. Sie dokumentiert einen Häusertyp und dessen Materialist, bei dem Nachkriegsgeschichte sichtbar wird und sie ist die letztmögliche Dokumentation eines Provisoriums, welches die Zeit bis heute überdauert hat. 19. September bis 17. Dezember 2020

 

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Aus der Arbeit »Behelfsheim« von Enver Hirsch & Philipp Meuser.

 

Während und kurz nach Ende des zweiten Weltkriegs entstanden im zerstörten Hamburg tausende von Behelfsheimen inmitten von Kleingartenvereinen, da diese vom Bombardement der Alliierten weitgehend verschont geblieben waren. Konstruiert aus Trümmern oder einfachsten Baumaterialien in Form des standardisierten Reichseinheitstyps, haben die meisten dieser Häuser seit ihrer Entstehung eine stetige bauliche Veränderung erfahren, um sie strukturell oder räumlich aufzuwerten.

 

Behelfsheim_print_02

Aus der Arbeit »Behelfsheim« von Enver Hirsch & Philipp Meuser.

 

 

Behelfsheim_print_07

Aus der Arbeit »Behelfsheim« von Enver Hirsch & Philipp Meuser.

 

Die Erstbewohner*innen und ihre Nachkommen wurden mit einem lebenslangen Bleiberecht ausgestattet, aber die Zeit der Behelfsheime geht nun langsam dem Ende entgegen, da diese Wohnform nicht länger geduldet wird: Hamburgs Bevölkerungszahl wächst stetig, Wohnraum in der Stadt wird zunehmend knapper und das dauerhafte Wohnen in Schrebergärten ist den Behörden ein Dorn im Auge. Nach dem Tod oder Auszug der Bewohner*innen werden die Häuser abgerissen oder auf die Größe einer Schrebergartenlaube zurückgebaut.

 

Behelfsheim_print_08

Aus der Arbeit »Behelfsheim« von Enver Hirsch & Philipp Meuser.

 

Enver Hirsch, geboren 1968 in Hamburg, studierte von 1989 bis 1992 Fotografie am Bournemouth and Poole College of Art and Design. Seit 1994 wird seine Arbeit international ausgestellt und in Büchern und Magazinen veröffentlicht. 2018 co-kuratierte er die Off-Triennale-Ausstellung  »Sightseeing the Real«. In seinen persönlichen Projekten beschäftigt er sich meist mit den absurden Spuren, die Menschen im Laufe ihres urbanen Lebens zurücklassen. Enver Hirsch lebt und arbeitet in Hamburg.

Philipp Meuser, geboren 1986 in Hamburg, hat Fotografie an der HAW Hamburg studiert. Er hat  dokumentarische Fotoprojekte in Israel, Spanien, den USA und Deutschland realisiert. Seine Arbeiten werden international ausgestellt und erscheinen in zahlreichen Magazinen. 2018 co-kuratierte er die Off-Triennale-Ausstellung  »Sightseeing the Real«. Er ist Teilnehmer bei »Parallel-European Photo Based Platform« und erhielt zuletzt ein Arbeitsstipendium der Claussen-Simon-Stiftung. Philipp Meuser lebt und arbeitet in Hamburg.

 

 

FREELENS e.V., Alter Steinweg 15, Hamburg

12.09.2020 - 10.01.2021
Fotoausstellung Winterthur . Der letztes Jahr verstorbene Robert Frank zählt zu den bedeutendsten Fotografen unserer Zeit. Im Zentrum der Ausstellung in der Fotostiftung steht die erzählerische Kraft von Robert Franks Bildsprache, die sich gegen alle Konventionen entwickelte und erst dann internationale Anerkennung erfuhr, als sich Frank bereits von der Fotografie verabschiedet und dem Medium Film zugewandt hatte. Bis 10.1.2021
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Robert Frank - Memories
Fotoausstellung Winterthur . Der letztes Jahr verstorbene Robert Frank zählt zu den bedeutendsten Fotografen unserer Zeit. Im Zentrum der Ausstellung in der Fotostiftung steht die erzählerische Kraft von Robert Franks Bildsprache, die sich gegen alle Konventionen entwickelte und erst dann internationale Anerkennung erfuhr, als sich Frank bereits von der Fotografie verabschiedet und dem Medium Film zugewandt hatte. Bis 10.1.2021

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Robert Frank, "Los Angeles", 1955
© Andrea Frank Foundation; courtesy Pace/MacGill Gallery, New York

 

Robert Franks 1958/59 erschienenes Buch «The Americans» ist vielleicht das einflussreichste der Fotogeschichte. Als eine Art Roadmovie entwirft es ein düsteres Gesellschaftsporträt, das damals ganz Amerika aufschreckte. Und sein persönlicher, zwischen Dokumentation und subjektivem Ausdruck changierender Stil veränderte die Nachkriegsfotografie radikal. Doch «The Americans» war kein spontaner Geniestreich. Bereits in Franks Frühwerk gibt es Vor- und Nebengeschichten, die enge Verbindungen zu Themen und Bildern seines legendären Buchs aufweisen.

 

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Robert Frank, Trolley – New Orleans, 1955
© Andrea Frank Foundation; courtesy Pace/MacGill Gallery, New York

 

 

Presse_FSS_Frank_01

 


Die Fotostiftung Schweiz verfügt über eine Kollektion von kaum bekannten Arbeiten, an denen sich die Verfestigung von Franks subjektivem Stil nachvollziehen lässt. Neben Essays aus der Schweiz und Europa umfasst sie auch Werke aus den USA der frühen 50er Jahre, die den bekannten Klassikern ebenbürtig sind, aber aus editorischen Gründen unpubliziert blieben. 

 

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Robert Frank, London, 1951
© Andrea Frank Foundation; courtesy Pace/MacGill Gallery, New York

 

 

Die Ausstellung wird mit Leihgaben des Fotomuseum Winterthur ergänzt. Sie wird begleitet von der Ausstellung «Robert Frank, Books and Films 1946–2019», in der Verleger Gerhard Steidl seine über 15-jährige editorische Zusammenarbeit mit Robert Frank resümiert. Zu dieser Schau erscheint eine gleichnamige Publikation.

 

Fotostiftung Schweiz, Grüzenstrasse 45, CH-8400 Winterthur 

 

11.09.2020 - 06.01.2021
Fotoausstellung Düsseldorf . Werke des großen deutschen Reportagenfotografen Walter Vogel zeigt die Leica Galerie. Besucher der Galerie Düsseldorf dürfen sich auf beeindruckende und bislang noch nie öffentlich gezeigte Werke, unter anderem von Düsseldorf, freuen. Vom 11. September 2020 bis 6. Januar 2021
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Walter Vogel - Meister der Vielfalt
Fotoausstellung Düsseldorf . Werke des großen deutschen Reportagenfotografen Walter Vogel zeigt die Leica Galerie. Besucher der Galerie Düsseldorf dürfen sich auf beeindruckende und bislang noch nie öffentlich gezeigte Werke, unter anderem von Düsseldorf, freuen. Vom 11. September 2020 bis 6. Januar 2021

© Walter Vogel_Dalmatiner, Kein Interesse an Fußball, Düsseldorf, 1956

© Walter Vogel
Dalmatiner, Kein Interesse an Fußball, Düsseldorf, 1956.

 

Walter Vogel – ob als Milieu-Chronist des Ruhrgebiets, weltgewandter Reisefotograf, begeisterter Zirkusgänger, nachtschwärmerischer Travestiefotograf oder aber genussvoller Espresso-Liebhaber: Immer erkennt man den Chronisten seiner Zeit, den klassischen Bildreporter, der mit erfahrenem Blick und perfekter Präzision unvergessliche Bildmotive geschaffen hat.

 

© Walter Vogel_Kommunionskinder, August-Thyssenhütte, Duisburg-Bruckhaus

© Walter Vogel
Kommunionskinder, August-Thyssenhütte, Duisburg-Bruckhaus

 

2019 wurde Walter Vogel für sein Lebenswerk sowie sein unermüdliches und gleichermaßen herausragendes Engagement als Fotograf geehrt und in die Leica Hall of Fame berufen. SeinThemenrepertoire ist vielfältig, sein Stil dabei unverwechselbar – somit zählt Walter Vogel heute zu den großen deutschen Reportagefotografen. Seinen Weg in die Fotografie oder besser gesagt, den Mut, seine Leidenschaft für die Fotografie zum eigentlichen Beruf zu machen, hat er vergleichsweise spät gefunden. Zwar hatte er schon als Jugendlicher die Fotografie für sich entdeckt, doch nach seiner Ausbildung arbeitete er zunächst viele Jahre als Ingenieur in der Chemieindustrie. Bereits das in der Maschinenschlosserlehre verdiente Geld wurde sorgsam gespart und schon 1954 konnte er sich eine Leica IIf leisten.

 

© Walter Vogel_Lüttich, 1973

© Walter Vogel
Lüttich, 1973

 

Mit dreißig Jahren dann ein beruflicher Neustart: Vogel begann ein Fotografiestudium bei Otto Steinert an der Folkwangschule in Essen. Gleich nach dem Examen erfolgte die Selbständigkeit, neben Werbe- und Modeaufnahmen wurde dann die Magazinfotografie ein wichtiges Standbein. Mit einem ersten Buch im Selbstverlag (For Sale, 1980) entdeckte Vogel eine neue Aufgabe, denn neben den Fotografien waren die begleitenden Texte ebenfalls von ihm. Spätestens sein Espresso-Buch von 1993 war der publizistische Durchbruch. Auch dieses Projekt entstand auftragsfrei, doch Vogels Gespür für das Thema – noch bevor es Trend wurde – sollte ihm eine ganze Folge von Publikationen rund um die Welt des Kaffees ermöglichen. Längst ist eine Vielzahl von Bildbänden erschienen, die das gesamte Spektrum des Fotografen präsentieren. Mit seiner von Authentizität, Präzision und manchmal auch sublimen Humor geprägten Bildsprache, gehört Vogel zu den großen deutschen Fotografen des analogen Zeitalters.

 

Leica Galerie, Königsallee 60, Düsseldorf

 

10.09.2020 - 18.12.2020
Fotoausstellung Berlin . Zum Auftakt der Herbstsaison zeigt Kicken Berlin in der Ausstellung ‚Helga Paris. Notizen’ einen Querschnitt durch das Werk der Photographin der 1970er und -80er Jahre mit Vintage-Abzügen, Motiven aus dem von Paris selbst aufgelegten zehnteiligen ‚Mappenwerk’ – ihrer eigenen kanonischen Werkauswahl – sowie bislang unveröffentlichten Arbeitsabzügen. Bis 18.12.2020
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Helga Paris. Notizen
Fotoausstellung Berlin . Zum Auftakt der Herbstsaison zeigt Kicken Berlin in der Ausstellung ‚Helga Paris. Notizen’ einen Querschnitt durch das Werk der Photographin der 1970er und -80er Jahre mit Vintage-Abzügen, Motiven aus dem von Paris selbst aufgelegten zehnteiligen ‚Mappenwerk’ – ihrer eigenen kanonischen Werkauswahl – sowie bislang unveröffentlichten Arbeitsabzügen. Bis 18.12.2020

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Helga Paris (*1938)
„Kinder mit Masken“, 1968
© Helga Paris

 

Als eine der bedeutendsten autonomen Stimmen in der ostdeutschen Photographie hat Paris Portraits von Menschen und Orten entworfen, sei es an ihrem Lebensmittelpunkt Berlin, in Halle oder auf Reisen in Osteuropa. Mit ihrer einfühlsamen, respektvollen Alltagsbeobachtung zählt Paris zu den „wichtigen Fotografinnen unserer Zeit“ (Ulrich Domröse). Ihre Werke sind Teil nationaler und internationaler Museen und Sammlungen. 2019 widmete ihr die Berliner Akademie der Künste eine umfassende Retrospektive.

 

Begonnen hat Helga Paris mit der Photographie Ende der 1960er Jahre als Autodidaktin zuerst im privaten Umfeld. Ihr Radius erweitert sich in den folgenden Jahren auf die Nachbarschaft in Berlin-Prenzlauer Berg. Ihre vorurteilsfreie, unspektakuläre Alltagsbeobachtung zeigt die Menschen als Teil einer Gemeinschaft und in sozialer Interaktion wie auch als Persönlichkeiten, etwa in der Serie der Berliner Kneipen. Auch Reisen nach Osteuropa prägten Helga Paris’ frühe Arbeit: in Siebenbürgen und Georgien erlebt die Photographin neue, selbstbewusste Reaktionen auf ihre Kamera und entdeckte für sich Bilder souveräner Weiblichkeit.

 

Helga ©_Helga_Paris_Pauer

Helga Paris (*1938)
„Pauer“, aus der der Serie „Berliner Jugendliche“, 1984
© Helga Paris

 

 

Wichtige Serien wie ‚Berliner Jugendliche‘ (1981/82) oder ‚Frauen im Bekleidungswerk VEB Treff-Modelle’ (1984) vertiefen die Porträtarbeit. ‚Berliner Jugendliche‘ ist Paris‘ erste größere Porträtserie. Paris fixiert behutsam die Ambivalenz wie auch die Offenheit der Jugendlichen. Manche von ihnen, etwa ‚Pauer‘, werden mehrfach porträtiert. Auch bei den Näherinnen der Treff-Modelle zeigt Helga Paris die Frauen mit aufmerksamer Empathie als Individuen in einem zeitlich gebundenen, sozialen Kontext. Erstmals geben nie zuvor veröffentlichte Arbeitsabzüge zusammen mit den von Helga Paris ausgewählten Hauptmotiven der Serie einen tieferen Einblick in den Werkprozess der Künstlerin.

 

Parallel widmete sich die Fotografin in einem Langzeitprojekt von 1981 bis 1989 dem Selbstporträt. Kontinuierlich reagiert sie wie in einem visuellen Tagebuch auf kleinste Nuancen in Stimmung und Ausdruck. So verdichtet sie die Befragung wie Vergewisserung des eigenen Selbst zur „Positionierung des Ichs gegenüber Tendenzen gesellschaftlicher Vereinnahmung“ (Gabriele Muschter).

 

Kicken Berlin, Kaiserdamm 118, Berlin

 

 

07.09.2020 - 25.05.2021
Ausstellung Essen . Die Ausstellung „Kindheit im Ruhrgebiet“ wurde als Erinnerungsausstellung unter partizipativer Beteiligung der Bevölkerung des Ruhrgebiets konzipiert. Das Ruhr Museum setzt mit dieser Galerieausstellung die Reihe seiner Präsentationen zu populären Themen der Ruhrgebietsgeschichte fort. Bis 25.5.2021
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Kindheit im Ruhrgebiet
Ausstellung Essen . Die Ausstellung „Kindheit im Ruhrgebiet“ wurde als Erinnerungsausstellung unter partizipativer Beteiligung der Bevölkerung des Ruhrgebiets konzipiert. Das Ruhr Museum setzt mit dieser Galerieausstellung die Reihe seiner Präsentationen zu populären Themen der Ruhrgebietsgeschichte fort. Bis 25.5.2021

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Zwei Milchholer in Buer

 

Die Fotografien, die die Erinnerungsstücke begleiten, sind keine persönlichen Erinnerungen. Die 120 Bilder stammen aus dem Fotoarchiv des Ruhr Museums, das Fotografien professioneller Fotografen zur Geschichte und Gegenwart des Ruhrgebiets sammelt. Die gezeigten Bilder stammen von Presse-, Werks-, Dokumentar- und freien Fotografen, die eigenständig Projekte verfolgten. Die meisten der Aufnahmen waren für Veröffentlichungen gedacht, aber es sind auch wenige Aufnahmen aus dem privaten Umfeld der Berufsfotografen darunter. 

Die in der Ausstellung gezeigten Fotografien sind Teil eines kollektiven Gedächtnisses des Ruhrgebiets geworden. Dieses kollektive Bildgedächtnis wird in der Ausstellung mit den konkreten subjektiven Erinnerungen der Leihgeberen kombiniert, so dass die Besucheren der Ausstellung eigenständig Querbezüge zwischen Objekten und Bildern herstellen kön-nen. Die Bilder der Berufsfotograf*innen rahmen die Exponate auf der Aus-stellungsfläche quasi ein. Sie formen einerseits mit Motiven, wie sie nur im Ruhrgebiet vorkommen – dem Spielen auf der Halde, in der Siedlung, vor dem Werkstor, am Kanal –, und andererseits mit allgemeingültigen Bildern von Schule, Freizeit und Familie einen „Bezugsrahmen“ zur ausgestellten Erinnerung im Inneren der Ausstellungsfläche. 

 

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In der Ausstellung

 

Was auffällt: Schauplätze der Kindheit sind neben dem elterlichen Zuhause und der Schule die Straße, die Siedlung oder die Industriebrache. Bis in die 1980er Jahre haben Kinder in Deutschland, vor allem im Ruhrgebiet, wei-testgehend draußen gespielt. Das Phänomen der „unsichtbaren“ Groß-stadtkinder, deren soziales Leben in geschlossenen Räumen stattfindet, ist jüngeren Datums und mit ein Grund, die Ausstellung mit den späten 1980er Jahren enden zu lassen. 

 

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Kinderbetreuung der Zeche Graf Moltke

 

Die Galerieausstellung ist in enger Zusammenarbeit mit dem Deutschen Kinderschutzbund Ortsverband Essen e.V. entstanden. Sie zeigt auf der 21-Meter-Ebene des Ruhr Museums auf dem UNESCO-Welterbe Zollverein 66 Objekte mit den persönlichen Geschichten ihrer Besitzer*innen. Die Einzel-objekte stammen aus der Zeit von 1945 bis 1989 und kommen aus allen Lebensbereichen: von der Schule über Feste, Familienfeiern und Hobbies bis hin zu Spiel und Sport, drinnen wie draußen. 

Die Auseinandersetzung mit den Exponaten soll Besucheren anregen, die eigenen Kindheitserinnerungen zu wecken und zu vergleichen. Ergänzt wird die Ausstellung durch fünf Spielinseln, die alte Erinnerungen hervor holen oder zu neuen Erinnerungen beitragen möchten. Ein umfangreiches Veranstaltungsprogramm mit vielen Highlights rundet die Ausstellung ab. 

 

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Aerztliche Untersuchung in der Tegelschule

 

 „Die persönlichen Erinnerungen der Menschen sind der Ausgangspunkt für ein großes Panorama der Kindheit im Ruhrgebiet über vier Jahr-zehnte, welches die individuellen Erinnerungen der Leihgeber*innen und ihren durch die Objekte vermittelten Geschichten mit der in der Fotografischen Sammlung des Ruhr Museums beheimateten kollektiven Erinnerung zum Ruhrgebiet verbindet. So entsteht ein höchst persönliches und gleich-zeitig zu verallgemeinerndes Bild einer historischen Kindheit in einer besonderen Region“, skizziert Prof. Heinrich Theodor Grütter, Direktor des Ruhr Museums. 

 

Das partizipatorische Konzept 

"Das Interesse dem Ruhr Museum Gegenstände aus der Kindheit zu überlassen, war im Ruhrgebiet überwältigend. Schon nach dem ersten Aufruf im März 2018 war aber auch das Bedürfnis erkennbar, zu den Objekten auch die persönlich erlebte Geschichte mitteilen zu wollen. Dieses Bedürfnis wurde aufgegriffen und in den Mittelpunkt der Ausstellung gestellt“, erklärt Michaela Krause-Patuto, Kuratorin der Ausstellung. Mit dem Fokus auf den persönlichen Geschichten schloss die Ausstellung aber gleichzeitig den Anspruch aus, die Geschichte der Kindheit im Ruhrgebiet lückenlos darzustellen. 

Im Sommer 2019 startete ein zweiter Aufruf, der sich explizit an potentielle Leihgeberinnen und Leihgeber wendete, die ihre Kindheit in den 1960er bis 1980er Jahren erlebt hatten. Die Resonanz war erneut überwältigend. In der Summe waren es etwa 300 Anrufe und E-Mails, die das Museum innerhalb von zwei Wochen erhielt. Für die Ausstellung ausgewählt wurden solche, die entweder stellvertretend für die Erinnerung Vieler stehen oder derartig einzigartig sind, dass sie spezifisch für die Kindheit im Ruhrgebiet erscheinen. 

 

Ruhr Museum in der Kohlenwäsche, Galerie, 21-Meter-Ebene , UNESCO-Welterbe Zollverein , Gelsenkirchener Straße 191, Essen 

 

15.08.2020 - 31.03.2021
Fotoausstellung Zingst . Ab 8. August wird die Jordanstraße wieder eine große Ausstellung zieren. Die Outdoor-Ausstellung im XXL-Format zeigt berührende Bilder von Freunden und Industrie-Partnern des Umweltfotofestivals »horizonte zingst«. Thematisch im Mittelpunkt steht die Natur, die es zu schützen gilt. 15.8.2020 bis 31.3.2021
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Eine Augenweide - Open Air
Fotoausstellung Zingst . Ab 8. August wird die Jordanstraße wieder eine große Ausstellung zieren. Die Outdoor-Ausstellung im XXL-Format zeigt berührende Bilder von Freunden und Industrie-Partnern des Umweltfotofestivals »horizonte zingst«. Thematisch im Mittelpunkt steht die Natur, die es zu schützen gilt. 15.8.2020 bis 31.3.2021

JP20_Partnerausstellung_Zeiss_©Timm_Allrich

Weststrand - Mecklenburg-Vorpommern von einer seiner schönsten Seiten.

 © Timm Allrich - Partner Zeiss

 

Eine Augenweide wird die Ausstellung in Zingst werden, die inspirierend vor allem eines vermittelt: Die Freude an kreativer Fotografie. In dieser Bilderschau wird sichtbar, was die Fotografie zu leisten vermag. Die Bilder sprechen in unterschiedlicher Weise Emotionen an und bleiben damit geradezu unauslöschlich in der Erinnerung. Es sind besondere Könner mit der Kamera, die diese Bilder gemacht haben.

 

JP20_Partnerausstellung_Epson_©Ray_Collins

Mit Phantasie lassen sich in den flüchtigen Formen der Wellenbilder
Tiere und Landschaften entdecken.

© Ray Collins Partner: Epson

 

JP20_Partnerausstellung_Sigma_©Mark_Ford

Life on the Edge. Detailaufnahme des Rio Tinto in Spanien.

© Mark James Ford
Partner: Sigma

 

 

Zusammengestellt wurde die Ausstellung von Fachleuten aus der Fotoindustrie und von Medien-Machern. In der Summe ist es das Bekenntnis einer Branche zum besseren Bild. Mit den Marken, die hier vertreten sind, verbinden sich zeitgemäße Fototechnik und Produkte, ohne die fotografische Abbildungen auf dem hier gezeigten Niveau nicht machbar wären.

 

JP20_Partnerausstellung_Geo_©Esther_Horvath

Auf Futtersuche. Eine Eisbärenmutter und ihr Junges erscheinen im hellen Schein-
werferlicht des „Polarsterns“. Sie sehen sich die Flaggen und die Ausrüstung auf der Eisscholle an. Mit diesem Foto hat die Fotografin Esther Horvarth 2020 den World Press Photo Award gewonnen.

© Esther Horvath Partner: Geo-Magazin

 

 

JP20_Partnerausstellung_Nikon_©Tanja_Brandt

© Tanja Brandt - Partner Nikon

Besondere Bewunderung verdienen die Fotografinnen und Fotografen, die mit ihren Bildern die Augen der Betrachter auf Motive lenken, die ohne die großartige kreative Leistung im Verborgenen blieben. Diese Bilderschau soll eine Augenweide sein – voller visueller Überraschungen, bewegender Eindrücke und der Vermittlung nachhaltiger Erkenntnisse.

 

15.08.2020 - 31.03.2021
Fotoausstellung Zingst . Mit einem exklusives Fotoprojekt stellt die Open Air Porträt-Galerie 86 Zingster vor. Präsentiert werden die Bilder unter anderem im Hafen, an der Jordanstraße, am Max Hünten Haus und in der Strandstraße. "Wir in Zingst" will nach dem Lockdown ein einzigartiger fotografischer Begrüßungscocktail sein. Er zeigt Unternehmer und Akteure hinter den Kulissen, die vor allem eines sein wollen: gute Gastgeber. 51.8.2020 bis 31.3.2021
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Wir in Zingst - Gesichter und Gedanken zu einem besonderen Ort
Fotoausstellung Zingst . Mit einem exklusives Fotoprojekt stellt die Open Air Porträt-Galerie 86 Zingster vor. Präsentiert werden die Bilder unter anderem im Hafen, an der Jordanstraße, am Max Hünten Haus und in der Strandstraße. "Wir in Zingst" will nach dem Lockdown ein einzigartiger fotografischer Begrüßungscocktail sein. Er zeigt Unternehmer und Akteure hinter den Kulissen, die vor allem eines sein wollen: gute Gastgeber. 51.8.2020 bis 31.3.2021

Zingst 003

Ronald Salut
© Christoph Künne

 

In Anlehnung an die Aktion „Faces of Festival“, die im Rahmen des Umweltfotofestivals »horizonte zingst« von Fotografen des Magazins DOCMA entstand, wurde das Projekt "Wir in Zingst"entwickelt. Die Redaktionsmannschaft, unter der Leitung von Christoph Künne, setzte ihre digital-fotografische Kompetenz, um in kürzester Erarbeitungszeit 86 Zingster zu porträtieren und die „Geistesblitze“ zu dokumentieren. Die Arbeiten wurden von Epson gedruckt wurde und sind über den Ort verteilt bis März 2021 zu sehen.

 

Zingst 001

Renate Gerdnun
© Christoph Künne

 

 

Zingst 002

Veronika Zmitraite
© Christoph Künne

 

Zusammenhalt ist nicht nur das richtige Stichwort für die Intention dieser großen Porträtaktion, sondern kennzeichnet auch den Leitgedanken des Ortes während der Corona-Krise. Die Porträts zeigen nicht nur die Gesichter der Menschen, die Zingst gestaltet und entwickelt haben, sie geben auch gleich noch spontan Gedanken preis, die ihnen in den Kopf gekommen sind. Das macht diese Porträt-Galerie aussagekräftig und unterhaltsam.

 

Zingst 005

Karl-Heinz Holz
© Christoph Künne

 

Zingst_Arne Nehls

Arne Nehls
© Christoph Künne

 

Diese Mischung aus Begegnung auf Augenhöhe und heiterem Gedankenlesen kennzeichnet den offenen Geist, der im frischen, klaren Küstenklima bestimmend ist. Dieses gelungene Beispiel offener Kommunikation richtet sich gleichermaßen an die Gäste, die ihre Gastgeber und Akteure hinter den Kulissen kennenlernen, sowie an die Zingster, die generationsübergreifend für den Ort und seine Menschen einstehen. „Ich war sehr erfreut über die zahlreichen Zusagen der Zingster, sich an diesem Projekt zu beteiligen. Das zeigt einmal mehr den wachsenden Zusammenhalt des Ortes, gerade in einer Zeit der Bewältigung besonders schwieriger Situationen durch die Corona-Pandemie“, so Markus Weiß, Innenmarketing, der Kur-und Tourismus GmbH Zingst. Mit der Entwicklung des Ortes soll sich auch dieses Projekt entwickeln und zukünftig weitere Akteure zeigen.

 

https://www.zingst.de/veranstaltungen/das-exklusive-fotoprojekt-wir-in-zingst

 

 

 

 

14.08.2020 - 10.01.2021
Fotoausstellung Mannheim . "In 80 Bildern um die Welt – Reisefotografien aus dem 19. und 20. Jahrhundert" kann man sich in der Sonderausstellung im Reiss-Engelhorn-Museen in die weite Welt entführen lassen. Präsentiert werden Werke von frühen Fotopionieren über Bildikonen der legendären Stern-Reporter bis zu Vertretern der klassischen Moderne wie Henri Cartier-Bresson und Robert Häuser. 14.8.2020 bis 10.1.2021
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In 80 Bildern rund um die Welt
Fotoausstellung Mannheim . "In 80 Bildern um die Welt – Reisefotografien aus dem 19. und 20. Jahrhundert" kann man sich in der Sonderausstellung im Reiss-Engelhorn-Museen in die weite Welt entführen lassen. Präsentiert werden Werke von frühen Fotopionieren über Bildikonen der legendären Stern-Reporter bis zu Vertretern der klassischen Moderne wie Henri Cartier-Bresson und Robert Häuser. 14.8.2020 bis 10.1.2021

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Ruhender Reiter, Kamerun
Jürgen Heinemann, 1964
© Jürgen Heinemann

 

In Corona-Zeiten ist das Reisen plötzlich nicht mehr selbstverständlich und unterliegt zahlreichen Einschränkungen. Die Sehnsucht nach der Ferne bleibt jedoch ungebrochen. Seit ihrer Erfindung konservieren Reisefotografien Erinnerungen und laden zum Träumen ein. Zu Land, zu Wasser und in der Luft steuert die Ausstellung Sehnsuchtsorte an. Sie zeigt, wie sich das Reisen, aber auch die Fototechnik im Laufe der Zeit verändert haben.

 

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Abu Simbel, der große Tempel für Ramses II.
Pascal Sébah, um 1875
Quelle: rem, Forum Internationale Photographie

 

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Orientalische Gasse in Marrakesch, Marokko
Peter Thomann, 1964
© Peter Thomann

 

Die Bilder stammen aus den reichen Beständen des Forums Internationale Photographie. Viele davon sind erstmals zu bewundern. Neben dem Robert-Häusser-Archiv und der zeitgenössischen Sammlung des renommierten Fotohistorikers Helmut Gernsheim birgt das Forum einen besonderen Schatz: rund 4.000 einzigartige Albuminpapierabzüge, die Wilhelm, Carl und Anna Reiß von ihren zahlreichen Reisen mit nach Mannheim gebracht haben. Die Geschwister der alteingesessenen Mannheimer Unternehmerfamilie gehörten zu jenen gut betuchten Europäern, die sich in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts auf den Weg machten, um die Welt mit eigenen Augen zu erkunden. Die Ausstellung folgt ihnen unter anderem nach Rom, an den Golf von Neapel, zu den Pyramiden in Ägypten, ins Heilige Land und zum Fuji in Japan.

 

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Der große Fischzug, Strand von Kayar, Senegal
Robert Lebeck, um 1960
© Archiv Robert Lebeck

 

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Straßenfotograf, Genua
Robert Häusser, 1959
© Robert Häusser – Robert-Häusser-Archiv/Curt-Engelhorn-Stiftung, Mannheim

 

Dank der Erfindung der Fotografie wenige Jahre zuvor konnten die neuen Reisedestinationen dauerhaft und wirklichkeitsgetreu festgehalten werden. Die ersten Touristen fotografierten jedoch noch nicht selbst, sondern nahmen vor Ort die Dienste von Ateliers in Anspruch, die meistens von europäischen Fotografen betrieben wurden. Im Zeitalter des Massentourismus und der Digitalfotografie geht von diesen frühen Aufnahmen ein besonderer Zauber aus. Sie bestechen durch ihre Detailschärfe und sind teils kunstvoll handkoloriert.

 

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Kalktuff-Formationen, Mono Lake, Kalifornien
Volkhard Hofer, 1988
© Volkhard Hofer

 

Diesen frühen Aufnahmen stehen in der Ausstellung die Arbeiten bedeutender Fotografinnen und Fotografen des 20. Jahrhunderts gegenüber. In ihrem jeweils ganz eigenen Stil halten sie nahe und exotische Orte in Schwarz-Weiß und Farbe fest. Während manche Bilder zum Schmunzeln einladen, wecken andere das Fernweh.

Darunter befinden sich Werke der STERN-Fotografen Thomas Höpker (*1936), Robert Lebeck (1929-2014), Peter Thomann (*1940), Dieter Heggemann (1923-1999) und Michael Friedel (*1935). Sie reisten im Auftrag des Magazins um die Welt. Ihre eindringlichen Momentaufnahmen von Land und Leuten wurden zu Ikonen des Bildjournalismus. Auch die Bilder des deutsch- amerikanischen Fotografen Fritz Henle (1909-1993) zierten die Titelblätter großer Zeitschriften. Mit seiner geliebten Rolleiflex-Kamera besuchte er Sehnsuchtsorte wie Venedig, Florenz, Jerusalem oder die Türkei. Fee Schlapper (1927-2000) und Jürgen Heinemann (*1934) haben sich der humanistischen Fotografie verschrieben. In ihren feinfühligen Werken porträtieren sie den Alltag in fremden Ländern. Die Reisefotografien von Robert Häusser (1924-2013) tragen ebenfalls eine unverwechselbare Handschrift. Die durchkomponierten Bilder des ersten deutschen Hasselblad-Preisträgers versprühen eine ganz besondere Schwarz-Weiß-Magie.

 

Folgende Bildautoren werden gezeigt:

19. Jahrhundert: Pascal Sébah, Giogio Sommer, Tamamura Kozaburo

20. Jahrhundert: Ferenc Berko, Henri Cartier-Bresson, Erwin Fieger, Michael Friedel, Flor Garduño, Helmut Gernsheim, Bruce Gilden, Robert Häusser, Dieter Heggemann, Jürgen Heinemann, Fritz Henle, Volkhard Hofer, Thomas Höpker, Fee Schlapper, Peter Thomann

 

Reiss-Engelhorn-Museen, Forum Internationaale Photographie, Museum Zeughaus C5, Mannheim

21.07.2020 - 17.01.2021
Fotoausstellung München . Einen Einblick in das Werk der deutschen Künstlerin Astrid Klein gibt die Ausstellung "Dass vollkommene Liebe die Angst austreibe" in der Pinakothek der Moderne. Astrid Klein zählt zu den wichtigsten Stimmen der deutschen Nachkriegs- und Gegenwartskunst. Kleins Arbeiten wurden schon vielfach ausgezeichnet. 21.7.2020 bis 17.1.2021
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Astrid Klein. Dass vollkommene Liebe die Angst austreibe
Fotoausstellung München . Einen Einblick in das Werk der deutschen Künstlerin Astrid Klein gibt die Ausstellung "Dass vollkommene Liebe die Angst austreibe" in der Pinakothek der Moderne. Astrid Klein zählt zu den wichtigsten Stimmen der deutschen Nachkriegs- und Gegenwartskunst. Kleins Arbeiten wurden schon vielfach ausgezeichnet. 21.7.2020 bis 17.1.2021

AKL_07561_Eine_Frau_muss_geliebt_werden

 

Astrid Klein 
Eine Frau muß geliebt werden…
1978
Fotoarbeit, 181 x 140 cm
Seit 2019 Michael & Eleonore Stoffel Stiftung in den Bayerischen Staatsgemäldesammlungen, München
Foto: Sprüth Magers
© Astrid Klein

 

Zentraler Aspekt des Gesamtwerks von Astrid Klein (1951) ist die Auseinandersetzung mit dem politischen Klima im Nachkriegsdeutschland und der westlichen Welt, mit Ängsten und Sehnsüchten, die über die Medien global transportiert werden. Sie untersucht diese grenzübergreifenden, gleichwohl stereotypisierten Machtverhältnisse, wobei ihr künstlerischer Ansatz auf der wahrnehmungspsychologischen Hinterfragung tradierter Bildkultur fußt. Ihre konzeptuelle Herangehensweise steht dabei in enger Verbindung mit amerikanischen Zeitgenossen, John Baldessari, Jenny Holzer, Barbara Kruger oder Richard Prince.

Dank der substanziellen Förderung der Michael & Eleonore Stoffel Stiftung wurden 2019 fünf Werke von Astrid Klein für die Sammlung Moderne Kunst in der Pinakothek der Moderne erworben. Der nunmehr sieben Exponate umfassende Sammlungsbestand zentraler Fotoarbeiten und Collagen aus den 1970er-1980er Jahren wird erstmals der Öffentlichkeit vorgestellt. Zudem wird eine großformatige, aus zerschossenen Spiegeln bestehende Installation der Künstlerin gezeigt, die die BesucherInnen beim Aufgang in das 1. Obergeschoss mit einem fragmentierten Abbild ihrer selbst konfrontiert.

 

AKL_Untitled_Dass_vollkommene_Liebe

 

Astrid Klein 
daß vollkommene Liebe…
1979
Fotoarbeit, 149 x 125 cm,
Bayerische Staatsgemäldesammlungen, München
© Astrid Klein

 

Vier der fünf neu erworbenen Werke von Astrid Klein knüpfen in besonderem Maß an die bereits im Sammlungsbestand vorhandene Fotoarbeit "daß vollkommene Liebe" von 1979 an. Darunter bildet das Werk "Eine Frau muss geliebt werden ..." von 1978 in Format und Bildsprache ein visuelles Pendant. Die zwei Werke zeigen eine Szene physischer Nähe zwischen Mann und Frau, in der sich Bedrängnis und Aneignung des weiblichen Körpers offenbaren. Ein jeweils quer über das Bild gelegter Schriftzug liest sich dabei wie der bevormundende Gedanke des im Bild agierenden männlichen Protagonisten. Astrid Klein kombiniert hier die Ausdrucksgewalt eines Bildes mit der Prägnanz einer Textstelle, und führt vor, wie leicht wir uns der Illusion hingeben, dass Text Bild erklärt und Bild Text illustriert. Die Wahrnehmung des Betrachters wird durch die Dissonanz zwischen den beiden Ausdrucksvarianten aktiviert und zum eigentlichen Thema der Werke.

Noch entlarvender ist das Verhältnis von Bild und Text in den drei Collagen von 1980, die zur Serie "Les Taches dominicales" (Sonntagsarbeiten) gehören Astrid Klein verbindet in diesen Arbeiten eine Bildästhetik, die sie dem damals populären Genre des Fotoromans entlehnt, mit Textpassagen aus poetischen und philosphischen Schriften.

 

 

AKL_15097_BB

 

Astrid Klein 
BB
1980
Collage, 117,5 x 88 cm
Seit 2019 Michael & Eleonore Stoffel Stiftung in den Bayerischen Staatsgemäldesammlungen, München
Foto: Sprüth Magers
© Astrid Klein

 

In "BB" erstreckt sich die unter diesem Kürzel bekannt geordene Brigitte Bardot der wiederholte Schrftzug "Ich weiß keine bessere Welt". Eswirkt als spreche die Protagonistin diesen Satz in Reaktion auf den Übergriff einer männlichen Hand, die ihr das Handtuch von ihrer nackten Haut zu entziehen versucht. Der Satz ist jedoch auch titelgebender Ausdruck eines Gedichts aus Ingeborg Bachmanns Spätwerk. Auf ähnliche Weise verdichtet Astrid Klein in den beiden anderen Collagen weitere Zitate, etwa von Erik Satie und Georges Bataille. Wessen Stimme spricht und wem wird sie zugeordnet? Mit diesen Leitfragen eröffnet Astrid Klein immer wieder die Suche nach neuen Sinn- und Sinnesebenen.

 

AKL_20437_Endzeitgefuhle_1982

 

Astrid Klein 
Endzeitgefühle II
1982 
Fotoarbeit, 500 x 700 cm
Seit 2019 Michael & Eleonore Stoffel Stiftung in den Bayerischen Staatsgemäldesammlungen, München
Foto: Sprüth Magers 
© Astrid Klein

 

 

Die wandfüllende Arbeit "Endzeitgefühl II" von 1982 ist ein weiteres Hauptwerk der Künstlerin, das den thematischen Fokus der Sammlungspräsentation entscheidend erweitert. Es besticht mit einem kraftvollen Motiv: dunkle Hunde-Silhouetten stürzen aus dem geschwärzten linken Bildrand quer an einer vermauerten Tür vorbei. Der spannungsreiche Moment dieses monumentalen Bildes liegt in der Ambivalenz seines Ausdrucks: Flucht oder Angriff, Sackgasse oder Schlupfloch? Ende oder Kehrtwende? Alles schwingt hier gleichzeitig mit, worin auch die Brücke zu dem bereits in der Sammlung vorhandenen Werk "Gleichzeitigkeiten" von 1984 geschlagen wird.

 

AKL_Install_TRANSCENDENTAL_HOMELESS_CENTRALNERVOUS_Deichtorhallen_HH_Sammlung_Falckenberg_Photo_Timo_Ohler_2018_29

 

Astrid Klein 
untitled
1993
Spiegel, Maße variabel
Leihgabe der Künstlerin
© Astrid Klein
Courtesy of the artist and Sprüth Magers

 

Die Spiegelinstallation "untitled", 1993 bildet den Auftakt und Abschluss der konzentrierten Sammlungsschau.

 

Pinakothek der Moderne, Barer Straße 29, 80799 München

18.07.2020 - 31.01.2021
Fotoausstellung Saarbrücken . Die über 190 Exponate zählende Ausstellung "Boris Becker - Hochbunker. Photographien von Architekturen und Artefakten" in der Stiftung Saarländischer Kulturbesitz wird in zwei aufeinander folgenden zeitlichen Blöcken gezeigt, der erste vom 18. Juli bis zum 18. Oktober 2020, der zweite vom 27. Oktober 2020 bis zum 31. Januar 2021.
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Boris Becker - Hochbunker. Photographien von Architekturen und Artefakten
Fotoausstellung Saarbrücken . Die über 190 Exponate zählende Ausstellung "Boris Becker - Hochbunker. Photographien von Architekturen und Artefakten" in der Stiftung Saarländischer Kulturbesitz wird in zwei aufeinander folgenden zeitlichen Blöcken gezeigt, der erste vom 18. Juli bis zum 18. Oktober 2020, der zweite vom 27. Oktober 2020 bis zum 31. Januar 2021.

I.Becker-Bunker-Saarbrücken, Burbacher Markt, 1986

Boris Becker: Saarbrücken, Burbacher Markt, 1986
© Boris Becker, VG Bild-Kunst, Bonn 2020

 

Die heute noch zahlreich vorzufindenden Bunkergebäude aus der Zeit des Zweiten Weltkriegs spielen für Boris Becker seit Beginn seiner künstlerischen Laufbahn eine wichtige Rolle und boten ihm Anlass zur Erarbeitung der ersten umfangreichen Serie seines Werks. Als Relikte der Vergangenheit scheinen die Bauten ihrer ursprünglichen Funktion beraubt, sind sie doch vielfach in eine neue Nutzung überführt. Dennoch ist ihr Verweis in die Geschichte stets vorhanden. Boris Becker lotet die höchst unterschiedlichen Bauformen mittels Schwarz-Weiß-Fotografie sowie auch in Farbe aus, betrachtet sie in ihrem zumeist städtebaulichen Umfeld und bildet Oberflächenstrukturen und vorgefundene Details ab.

 

I.Becker_Bunker_Hamburg_Marckmannstrasse_1986_2019_18cm

Boris Becker: Hochbunker, Hamburg, Marckmannstraße, 1986
© Boris Becker, VG Bild-Kunst, Bonn, 2020

 

 Von 1984 bis 1990 schuf Boris Becker (Jg. 1961) die Reihe „Hochbunker“, die in unserer Ausstellung ausführlich vorgestellt wird. Seine ersten Bunker-Bilder entstanden noch bevor er bei Bernd Becher an der Düsseldorfer Kunstakademie zu studieren begann. Für diese Ausstellung hat der Künstler sein umfangreiches Archiv der Bunker-Aufnahmen ausführlich gesichtet und aus gegenwärtiger Perspektive reflektiert. 

 

I.Becker_Bunker_Bremen_Hauptbahnhof

 Boris Becker: Hochbunker, Bremen, Hauptbahnhof, 1986
© Boris Becker, VG Bild-Kunst, Bonn, 2020

 

Boris Becker arbeitete einige Male auch in Saarbrücken - ein erstes Mal im Kontext der „Hochbunker“: 1985 entstanden SW-Aufnahmen der Bunker in der Schmoller-, Breitenbacher- und Richard-Wagner-Straße. Ein Jahr darauf fertigte er eine Farbaufnahme des Bunkers am Burbacher Markt. 2014/15 nahm Boris Becker an dem Projekt „Mapping the Museum“ in der Modernen Galerie des Saarlandmuseums teil. Hierbei entstanden Bilder aus dem damals noch im Rohbau befindlichen Erweiterungsgebäude der Modernen Galerie, von denen einige nun in unserer Ausstellung zu sehen sind. 

Der Künstler kannte die „Bunker – Archéologie“ des französischen Philosophen Paul Virilio, der ein fotografisches Inventar der von den Deutschen erbauten Atlantikwall- Bunker schuf. Der Katalog der gleichnamigen Ausstellung von 1975 ist ein dokumentierendes Exponat der Ausstellung und zeigt, dass Boris Beckers „Hochbunker“ als der deutsche Beitrag zu diesem Thema mit Virilios Projekt korrespondieren. 

 

Die dreisprachige Publikation (dt./engl./frz.) stellt, über die Exponate der Ausstellung hinaus, den gesamten Werkkorpus der Hochbunker in über 890 Fotografien vor, die Becker sowohl mit Mittel- als auch Großformatkamera aufgenommen hat. Sie ist erschienen im Snoeck Verlag, mit Texten von Gabriele Conrath-Scholl, Roland Augustin, und einem Langgedicht von Marcel Beyer; Preis: 68 EUR. Das Buch wurde 2019 von der Photographischen Sammlung / SK Stiftung Kultur, Köln herausgegeben. 

 

Stiftung Saarländischer Kulturbesitz, Bismarckstraße 11-19 D Saarbrücken 

 

05.07.2020 - 31.01.2021
Fotoausstellung München . "From a New Yorker’s Perspektive – Photographs by Christopher Makos" ist eine Hommage an die „Celebrity Culture“ der 1980er Jahre und erzählt dabei eine ganz eigene Geschichte über das Selbstverständnis Amerikas in dieser Zeit. Gezeigt werden in der Ausstellung im Foyer des Münchner Amerika Hauses 25 Fotos. Bis 31.1.2021
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From a New Yorker’s Perspective – Photography by Christopher Makos
Fotoausstellung München . "From a New Yorker’s Perspektive – Photographs by Christopher Makos" ist eine Hommage an die „Celebrity Culture“ der 1980er Jahre und erzählt dabei eine ganz eigene Geschichte über das Selbstverständnis Amerikas in dieser Zeit. Gezeigt werden in der Ausstellung im Foyer des Münchner Amerika Hauses 25 Fotos. Bis 31.1.2021

Jean Michel Basquiat May 29 1984 (c) Christopher Makos

Jean Michel Basquiat May 29 1984
(c) Christopher Makos

 

Die 1980er Jahre in den USA waren geprägt vom wirtschaftlichen Aufschwung und einer aufstrebenden Konsumkultur, die Künstler*innen aus der ganzen Welt inspirierte. Andy Warhol wurde zum Gesicht einer popkulturellen Bewegung, die den Konsum ebenso feierte wie sie ihn kritisierte. Mittelpunkt der Party war Warhols Studio „The Factory“ in New York City, wo sich die berühmtesten Künstler*innen, Musiker*innen und Schauspieler*innen dieser Zeit fast zufällig begegneten. Mittendrin: der Fotograf Christopher Makos, ein enger Vertrauter Warhols. 

 

Liza Minnelli and John Lennon (c) Christopher Makos

Liza Minnelli and John Lennon (c) Christopher Makos

 

 Im Inneren von Warhols „The Factory“ 

Makos‘ Fotografien öffnen den Ausstellungsbesucher*innen die Türen zur 860 Broadway Factory. Dem Ort, an dem Schauspielerin Liza Minnelli mit Ex-Beatle John Lennon über sein neues Album sprach. An dem der Künstler Jean-Michel Basquiat seine ersten Erfolge feierte und Mick Jagger von den Rolling Stones ein und ausging. Makos porträtierte die Ikone Warhol ebenso wie dessen Freund*innen und fing in Schnappschüssen den „American Way of Life“ in den 1980er Jahren ein. Wenn er Andy Warhol mit einer Frauenperücke zeigt oder Elizabeth Taylor inmitten eines Biker-Treffens fotografiert, paart sich Banalität mit Glamour und Realität mit Fiktion. 

 

Andy Warhol American Flag (c) Christopher Makos

Andy Warhol American Flag (c) Christopher Makos

 

 Eine Ikone unter Ikonen 

In der Fotografenszene war Makos kein Unbekannter. Anfang der 1970er Jahre zog Makos nach Paris, um Architektur zu studieren und absolvierte eine Ausbildung bei dem berühmten Fotografen Man Ray, kehrte aber anschließend nach New York zurück. Sein 1977 erschienenes Buch White Trash, das die Punkszene New Yorks dokumentierte, katapultierte ihn mitten hinein in New Yorks Fotografenszene, die seinen grafischen, teils provokativen fotorealistischen Stil feierte. Andy Warhol wurde auf Makos aufmerksam und bot ihm einen Job in seiner „Factory“ an. So wurde Makos fortan nicht nur künstlerischer Berater Warhols, er begleitete ihn auch auf unzähligen Reisen, unter anderem nach West-Berlin. Einige Aufnahmen dieser Reise sind auch in der Ausstellung zu sehen. 

 

Mick Jagger (c) Christopher Makos

Mick Jagger (c) Christopher Makos

 

Bilder mit Symbolcharakter 

From a New Yorker’s Perspective – Photography by Christopher Makos ist eine Hommage an die „Celebrity Culture“ der 1980er Jahre und erzählt dabei eine ganz eigene Geschichte über das Selbstverständnis Amerikas in dieser Zeit. LGBTQ-Ikone Divine findet hier ebenso ihren Platz wie Ivana Trump, die Makos kurz nach ihrer Scheidung vom jetzigen US-Präsidenten Donald Trump im Trump Tower trifft. Sie sind die neuen Superstars, die dank Film und Fernsehen Erfolge feierten und so zur Blaupause für die Generation MTV wurden. Mit einem Porträt von Nicola Formichetti, Modedesigner und Fashion Director von Lady Gaga, aus dem Jahr 2011 schließt sich der Kreis zwischen der It-Crowd von gestern und der It-Crowd von morgen. 

 

Jedes der 25 Fotos der Ausstellung, die im Foyer des wiedereröffneten Amerikahauses am Karolinenplatz zu sehen ist, wird von Christopher Makos selbst kommentiert. Die Videos sind sowohl per QR-Code in der Ausstellungsfläche als auch auf der Website www.amerikahaus.de abrufbar. 

Eintritt frei

 

Amerikahaus, Karolinenplatz 3, München 

 

10.06.2020 - 03.01.2021
Fotoausstellung Frutigen . Die Fotoausstellung «We are the forest» entführt in den Regenwald von Borneo. Gezeigt werden Bilder international bekannter und teilweise preisgekrönter Wildtier- und Naturfotografen. Präsentiert werden die Bilder, die eine Liebeserklärung von BOS Schweiz an den Bornesischen Regenwald sind, im Tropenhaus Freudigen im Schweizer Kanton Bern. Bis 3. Januar 2021
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We are the forest
Fotoausstellung Frutigen . Die Fotoausstellung «We are the forest» entführt in den Regenwald von Borneo. Gezeigt werden Bilder international bekannter und teilweise preisgekrönter Wildtier- und Naturfotografen. Präsentiert werden die Bilder, die eine Liebeserklärung von BOS Schweiz an den Bornesischen Regenwald sind, im Tropenhaus Freudigen im Schweizer Kanton Bern. Bis 3. Januar 2021

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copyright Andrew Suryono

 

 

Knapp 30 ausgewählte Exponate der Ausstellung "We are the forest" werden im Tropenhaus Frutigen ausgestellt. Eingebettet in den Tropengarten können die berührenden Bilder aus einem besonderen Blickwinkel betrachtet werden. Es entsteht ein aussergewöhnliches Szenario, in dem sich Fotografie und Umgebung zu einem neuen Ganzen zusammenfügen.

 

Affen Marco_Gaiotti_copyright

copyright Marco Gaiotti

 

Affen Mark_Edward_Harris_BOSF_BOS_Schweiz_copyright

copyright Mark Edward Harris / BOSF / BOS / Schweiz

 

 

Die Ausstellung wird zudem von einem spannenden Rahmenprogramm für Kinder und Erwachsene begleitet. Im Shop des Tropenhauses finden unsere Plüsch-Orang-Utans, Turnbeutel und Schals für die Laufzeit der Ausstellung ein temporäres zu Hause.

 

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copyright Bjoern Vaughn / BOSF / BOS Schweiz

 

 

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copyright Tim Flach

 

Bilder folgender zehn Fotografen (unter anderem Preisträger und Nominierte des Sony World Photography Awards und der Wildlife, Nature und Environmental Photographer of the Year Awards) werden im Tropenhaus zu sehen sein: Tim Flach, Mark Edward Harris, Andrews Suryono, Jayaprakash Bojan, Marco Gaiotti, Maxime Aliaga, Björn Vaughn, Thomas Marent, Aaron Gekoski und Dikky Oesin.

 

Nähere Informationen:

https://www.bos-schweiz.ch/de/regenwald/fotoausstellung.htm

 

Die Exponate selbst, sowie Nachdrucke stehen in den meisten Fällen zum Verkauf. Alle Fotografen spenden einen Teil des Erlöses (in der Regel 50 Prozent) an BOS Schweiz. Dieses Geld kommt der Projektarbeit auf Borneo zugute. Bei Kaufinteresse bitte an info@bos-schweiz.ch wenden. 

Seit der Gründung im Jahr 2004 engagiert sich BOS Schweiz für den Schutz der letzten Borneo-Orang-Utans und den Erhalt ihres Lebensraumes. Mit Orang-Utan-Freunden in der Schweiz und  BOS-Partnerorganisationen sind ist die grosse BOS-Familie zusammen gewachsen.

 

 

04.06.2020 - 29.01.2021
Fotoausstellung München . Die Ausstellung in der Alexander Tutsek-Stiftung versammelt eine Auswahl von 70 Fotoarbeiten aus den letzten 20 Jahren. Alle ausgestellten Werke stammen aus der von Dr. Eva-Maria Fahrner-Tutsek aufgebauten Sammlung der Stiftung. Die Ausstellung dokumentiert die Suche einer jungen Generation von Fotografen und Künstler nach einem eigenen Selbstverständnis und einer neuen Bildsprache. Bis 29.1.2021
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About us. Junge Fotografie aus China
Fotoausstellung München . Die Ausstellung in der Alexander Tutsek-Stiftung versammelt eine Auswahl von 70 Fotoarbeiten aus den letzten 20 Jahren. Alle ausgestellten Werke stammen aus der von Dr. Eva-Maria Fahrner-Tutsek aufgebauten Sammlung der Stiftung. Die Ausstellung dokumentiert die Suche einer jungen Generation von Fotografen und Künstler nach einem eigenen Selbstverständnis und einer neuen Bildsprache. Bis 29.1.2021

AT Ren Hang, Untitled 22, 2012, Sammlung Alexander Tutsek-Stiftung © Image courtesy Estate of Ren Hang and Blindspot Gallery Kopie

Ren Hang, Untitled 22, 2012
© Courtesy of the Estate of Ren Hang & Blindspot Gallery

 

 

Wie sehen Bilder aus, die zwischen Traum, Rausch und der Wirklichkeit einer sich radikal wandelnden Gesellschaft entstehen? Hin- und hergerissen zwischen den in der Kindheit und Jugend gesammelten Erfahrungen, ihrer Herkunft aus einem oft ländlich geprägten Umfeld und den neuen Herausforderungen, die ein Leben in Megastädten wie Peking, Shanghai oder Chengdu mit sich bringen, erzählen die Arbeiten von den höchst individuellen Lebenswelten der Künstler*innen, die unterschiedlicher nicht sein könnten. Die Themen kreisen unter anderem um Selbstwahrnehmung, subjektive Erfahrungen und alltägliche Lebensformen. Fast alle Gattungen von Porträt-, Landschafts- und Dokumentarfotografie bis hin zur experimentellen Fotografie und künstlerischen Fotoinstallationen sind vertreten und geben einen Eindruck von der Bandbreite, der in der Ausstellung vertretenen Positionen.

 

AT Liang Xiu Kopie

Liang Xiu, Fringe of Society: Male Roles, Female Roles, 2016
© Image Courtesy of the artist and Three Shadows +3 Galler

 

AT Chen Ronghui, Freezing Land 30, 2016-2018, Sammlung Alexander Tutsek-Stiftung © Image courtesy of the artist and Three Shadows +3 Gallery

Chen Ronghui, Freezing Land 30, 2016-2018, Sammlung Alexander Tutsek-Stiftung
© Image courtesy of the artist and Three Shadows +3 Gallery

 

About Us. Junge Fotografie aus China« vereint mit Preisen vielfach ausgezeichnete, international gezeigte Künstler wie u.a. Yang Fudong (documenta 11, Venedig Biennale 2007), Ren Hang (1987 – 2017, Maison Européenne de la Photographie, C|O Berlin) oder Jiang Pengyi (DSL Collection, Paris; UniCredit Art Collection) neben im Westen noch unbekannteren „Newcomern“, wie u.a. Liang Xiu (eine der wenigen weiblichen Künstlerinnen in China, die mit dem Medium der Fotografie arbeiten) oder Wang Ningde, dessen Schwarz-Weiss Fotografien eine Welt jenseits des modernen China widerspiegeln.
 
Dienstag - Freitag 14.00 - 18.00 Uhr
 
Alexander Tutsek Stiftung, Karl-Theodor-Straße 27, München
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